Cabeza de Moog !

Gubitsch y De Courson unieron sus talentos para realizar esta bella grabación, Un disco que en momentos refleja estupendamente la diversión de los niños y niñas. Dedicado a la niñez “Canciones de Inocencia” es una serie de diálogos musicales entre voces de niños e instrumentos de diferentes culturas y países. Artista: Tomás Gubitsch & Hughes De Courson  Álbum: Songs Of Innocence  Año:  1999 Género:  Música del Mundo Duración:  48:50 Referencia:   Songs Of Innocence Nacionalidad:  Europa El Día del Niño es una celebración anual dedicada a la fraternidad y a la comprensión de la infancia en el mundo, en que se efectúan actividades para la promoción del bienestar y de los derechos de los niños. Esta efeméride es observada en diferentes fechas y el nombre varía dependiendo de cada país. En México se celebra a los niños cada 30 de abril, y en todo el país se organizan actividades culturales y de entretenimiento, así como eventos de carácter artístico para promover el biene

C onocimos a Leandro en su disco debut "Mecánica Celeste" y de ahí no ha dejado de lanzar obras tremendas, como ese enorme homenaje a Allan Holdsworth que fue "Above and Below" y que también presentamos en el blog cabeza, ahora presentamos su nuevo disco solista, donde desarrolla sus experimentaciones desde la fusión del jazz, explorando las variantes del folklore urbano a través de la expresión más autóctona a su alrededor, ya que la idea original se gestó gracias a su recopilación de cantos de vendedores de la Línea Roca, gestando desde allí canciones muy cortas, programadas y loopeadas para engendrar como resultado un disco peculiar, que juega con lo mínimo, donde Leandro Kalén le pone instrumentación a los cantos de los laburantes que trabajan a diario en las formaciones ferroviarias del Roca, inmortalizándolos en casi once minutos de una propuesta completamente diferente: en las canciones se pueden escuchar a los vendedores de gaseosas, chipa, helados, encend

"Hola, les saludo desde Ecuador, he seguido la página desde hace unos años y han sido un gran soporte emocional en mi vida gracias a la música que me han compartido. Quería preguntarles si pueden revivir este álbum que descubrí hace poco". ¿Y cómo negarnos ante ese comentario?. Como homenaje al recientemente desaparecido Palo Pandolfo (uno de los cantautores más destacados de la música argentina en las últimas tres décadas), reflotamos un discos que Artie había publicado hace ya mucho tiempo. Acá está, entonces, el disco homónimo de Don Cornelio, muy pedido por varios, como recuerdo de ese referente del rock argento que fue el poeta del rock "Palo" Pandolfo, con su combinación de lirismo y violencia reconocible en su rock, algunos dicen que fue heredero artístico de Pescado Rabioso , y desde hace 35 años que vino siendo bastante más que el flaquito que vino a poner oscuridad en el pop alfonsinista. Artista: Don Cornelio y la Zona Álbum: Don Cornelio y la Zona

30 de Abril Concierto para violín en mi menor, op. 64 3: Allegretto non troppo — Allegro molto vivace  Felix Mendelssohn (1809-1847) En la historia de la música hay obras que pueden considerarse grandes hitos, piezas que lo cambian todo, que ponen de relieve todo lo que se ha hecho para llegar a aquel punto y a las que todas las obras posteriores tendrán que referirse de un modo u otro, conscientemente o no. Rebosante de ideas y de rasgos formales, el concierto para violín de Felix Mendelssohn es una de esas obras. Empezó a escribirlo en 1838, haciendo consultas continuas a su gran amigo, el violinista Ferdinand David, a quien conocía desde la adolescencia. «En mi cabeza no deja de sonar un concierto para violín en mi menor —le escribió el compositor—, y el principio no me deja en paz.» Mendelssohn trabajó a conciencia este concierto; pasarían otros seis años antes de concluirlo, seis años durante los que David no dejó de sugerirle revisiones y modificaciones de todas clases. Va

29 de Abril  Cuarteto para cuerdas y diyeridú n.º 14 («Quamby») 1: Preludio Peter Sculthorpe (1929-2014) El «diyeridú» o «didyeridú» (del inglés didgeridoo) no es un instrumento habitual en las composiciones clásicas, pero es que tampoco Peter Sculthorpe es un compositor típico.  Nacido este día en Tasmania, en sus setenta años de actividad profesional se dedicó a establecer conexiones entre mundos musicales separados. Es muy probable que hiciera más que nadie de su generación por investigar lo que puede significar la identidad musical clásica en un contexto australiano. Sculthorpe, uno de los primeros músicos con formación occidental que aprendió a tocar el diyeridú, incorporó muchos elementos indígenas a sus composiciones. A la manera de Sibelius en Finlandia  o de Grieg en Noruega en cierto modo consiguió expresar esencias de su tierra con sonidos y fue capaz de evocar la yerma y épica magnificencia del paisaje australiano con texturas instrumentales infrecuentes.  Sculthorp

LightbulbSun nos trae más del Rey Carmesí, y ahora por partida... triple: un conjunto de tres álbums que reúnen una colección de grabaciones de estudio y en vivo de King Crimson como doble dúo (el enano maldito + Belew + Trey Gunn + Mastelotto) para volver a llenar el blog cabeza de embrujo carmesí. Para disfrutar en un fin de semana largo, y para que no nos extrañen, dejamos esta sorpresita y nos despedimos hasta la semana que viene, contentos otra vez por tamaña cantidad de música de la buena que circula diariamente por este espacio tan valioso para llenar la mente, el corazón, el alma y los oídos. Con ustedes, más del Rey Carmesí, que se suma a todo lo que ya hay en el blog cabeza. Artista: King Crimson Álbum: Happy With What You Have To Be Happy With - Level Five - Elektrik (Live In Japan, 2003) Año: 2021 Género: Progresivo ecléctico Duración: 32:13 + 43:45 + 74:46 Referencia: Discogs Nacionalidad: Inglaterra Para hablar de este lanzamiento tenemos que hablar

Lightbulbsun nos presenta, antes del fin de semana, a "Todas las cosas deben pasar", el tercer álbum de estudio de Harrison, y ahora en su versión 2001, que consta de un segundo CD con todas las rarezas propias de este tipo de reediciones. El álbum reflejó la influencia de las actividades musicales que Harrison desarrolló entre 1968 y 1970 de forma paralela a su trabajo con los Beatles y donde además participaron músicos como Eric Clapton, Delaney & Bonnie y Billy Preston. La Rolling Stone calificó el sonido del álbum como "wagneriano, bruckneriano, la música de la cima de las montañas y los vastos horizontes", y más allá de las exageraciones, en el 2020 el álbum fue ubicado en el puesto 368 en la lista de la misma revita, de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . Artista: George Harrison Álbum: All Things Must Pass Año: 1970 - 2001 Género: Rock Referencia: Discogs Nacionalidad: Inglaterra El disco mostró a Harrison en su rol de compo

Y volvemos a Francia para presentar un disco desconocido y que me parece muy bueno, la banda es un power trío donde todos tocan varios instrumentos, se llama Apairys y ya el arte gráfico de la tapa del disco deja entrever algo de la magia que lleva impresa su música. Cantado en francés, es una mezcla entre pasajes sinfónicos y pesados, mezclando influencias del pasado y sonidos modernos, todo con mucha potencia, mucha composición, básicamente ofrecen el tipo de progresivo de la vieja escuela con muchos toques a la escena actual, cargada de emociones y bastante teatral (como buen progresivo francés) que hace que todo sea envuelto en un paquete sólido y por demás interesante, rico, refinado y variado, un álbum muy digno en la escena progresiva actual, un trabajo realmente inspirado, bien tocado y producido que merece ser conocido y reconocido y por ello aparece en el blog cabeza. Si te gustan bandas aventureras, potentes, inteligentes, creativas y melodiosas (la banda francesa Nemo

Buen día, mí turno en La Barra Beatles y voy con un tema de un músico que en estos días está en el candelero por una serie. Hablo de Fito Páez, para mí uno de los dos tipos que en los últimos tiempos del rock argentino se subió al podio de los grandes, el otro es Cerati. Es un enorme compositor, gran letrista, encontró un espacio raro que nadie había descubierto entre lo hecho por Charly y Spinetta, pero supo darle un giro propio. En 1986 público un gran disco junto a Spinetta y allí recibió la bendición, ya venía de grabar y tocar con Charly. El disco fue muy cuestionado, casi no se vendió y no tuvo una segunda oportunidad. Para mí es un discazo, recuerdo que en el barrio, en el grupo de amigos fui el único que se lo compró. Siempre me pareció un gran disco con varias canciones notables. La que hoy voy a rescatar es una enorme versión de un tangazo: Gricel. La letra es de José María Contursi, relata una historia real sucedida en 1942 con una mujer cordobesa, historia que merece ser

Los heróicos-históricos-histriónicos mexicanos de Iconoclasta en otro disco que también tiene su inclinación hacia la denuncia social, como todos sus trabajos, y viendo los tópicos a los que apunta el concepto del álbum, vemos que Maquiavelo está bien resucitado y en plena actividad, y de paso ahora "libertario de derecha". Trabajo instrumental salvo un tema, su formación se redujo a un cuarteto en este álbum, y fue la primera formación sin un teclista puro. De ninguna manera es un mal álbum, pero Iconoclasta comienza a repetir lo que había hecho antes y carece de esa frescura de su trabajos anteriores, aunque este lanzamiento está muy en el mismo estilo del resto de sus álbumes. Sin duda una de las grandes bandas mexicanas, y quizás una de las primeras bandas que hizo esa rara combinación entre jazz-rock y rock sinfónico. Un disco muy bueno para disfrutar en este fin de semana que está en puertas, un trabajo que recomiendo, especialmente si has escuchado y disfrutado lanzami

28 de Abril Lay a garland («Poned en su ataúd una corona»)  Robert Lucas de Pearsall (1795-1856) Hoy vamos a oír a uno de los hijos de Bristol más musicales. A pesar de lo cual, Pearsall nunca fue reconocido como compositor y casi toda su obra seguía inédita cuando murió. Pearsall, además de música, escribió poesía y tradujo obras de Goethe y Schiller. Le interesaron muchas cosas, casi todas de otros tiempos, como la heráldica y la polifonía renacentista.  Mientras el resto de la Europa melómana se embriagaba con las libertades románticas, Pearsall escribía vehementes artículos que promovían la música primitiva de las iglesias católica y anglicana y sus convenciones características, como el canto llano y la polifonía. Defendía  a  capa  y  espada  aquello  en  lo  que  creía  y  compuso  obras deslumbrantes basadas en sus convicciones. Este exquisito madrigal de 1840, por  ejemplo,  se  basó  en  un  poema  tomado  de  The  maid’s  tragedy,  de Beaumont y Fletcher, inscrita con

Rockarte se mete con el segundo disco de Julian Cope, que diera en llamarse "Fried", fechado en 1984 al igual que su primer disco "World Shut Your Mouth". Un disco enmarcado en lo que se dió a llamar la "neo-psicodelia", crudo, algo intrincado para el mainstream de la época, un poco experimental y menos accesible que su primer trabajo. Quizás por todo ello este disco fue fracaso comercial que significó que Polygram le diese un sonado patadón en el culo al bueno de Julian, que ni lerdo ni perezoso contrató a un nuevo manager y firmó contrato con otra discográfica donde publicó sus más recordados materiales a finales de los ochenta y principios de los noventa. Con ustedes, la "tortuga" Julian y un disco que me parece que hoy ha quedado en el olvido, aunque tampoco había tenido demasiada repercusión por estos lares. Aquí, le corresponde una animación... Edición Rockarte Si no podés ver la animación, andá acá: https://fb.watch/k9ym0uqXBS/

Jueves 18 - 21 hs. - Av. Corrientes 1543, Buenos Aires

En el mismo año en que se recopilaron sus dos primeros discos ("Iconoclasta" y "Reminiscencias") en una sola publicación, apareció este disco de estudio, otra experiencia original y edificante, bastante original y compleja, rico en arreglos. Cada una de las siete composiciones presenta a los músicos como maestros en el arte de su instrumento, con solos de teclado, guitarra y bajo muy bien logrados, e dinámicas interacciones entre teclados y dos guitarras, acompañadas de percusiones sólidas. Otro disco donde sale a resaltar la musicalidad de esta agrupación, acompañada del buen gusto y la potencia del mejor rock envuelto en paletas musicales diversas. Otro notable hito dentro de la mejor discografía rockera de latinoamérica, de un grupo notable que en el blog cabeza no dejaremos que sea olvidado fácilmente. Artista: Iconoclasta Álbum: En Busca de Sentido Año: 1989 Género: Jazz Prog Rock / Fusión Duración: 45:50 Nacionalidad: México Ya hemos traído varios

Noam Chomsky, reconocido lingüista y filósofo escribió un artículo junto a dos especialistas, en el que compartió su visión sobre los avances que se han presentado en el campo de la inteligencia artificial, como los casos de ChatGPT y DALL-E. Según las declaraciones de los especialistas, el defecto más profundo de estas herramientas es la falta de capacidad crítica, lo que los hacen caer en declaraciones extremistas y controversiales, en medio de un escenario donde podrían ayudar a potenciar la ya alta cantidad de fake news y alborotadores del mundo digital. A través de varios ejemplos, el experto razona que ChatGPT y similares tienen como principal problema en que no pueden ir más allá de la descripción y la anticipación de ciertos contenidos. Se trataría simplemente de "un pesado motor estadístico de comparación de patrones, que se atiborra de cientos de terabytes de datos y extrapola la respuesta conversacional más probable o la respuesta más probable a una pregunta científ

Planeta Minimal, o cuando la guitarra eléctrica entra en la música académica. Imagino que todos o muchos de ustedes saben de qué hablamos cuando decimos "California Guitar Trio", "Gauchos Alemanes" o "The League of Crafty Guitarists": descendientes directos del maestro Fripp, y este proyecto deviene de una idea similar, lanzada por el guitarrista de Tryo y discípulo de Fripp. Un disco que incluye una amplia gama de estilos incluyendo clásico, contemporáneo, prog, rock clásico, cada pieza tocada aquí es muy agradable, incluso para el que no es fan del rock progresivo, pero este disco será especialmente recomendado para los fans de California Guitar Trio, y con algunas incursiones vocales que los acercan más a sonoridades apoteóticas a lo Magma pero en su versión chilena. Aquí, la segunda parte de la aventura musical llamada Planeta Minimal. Bienvenidos a un mundo sonoro de armónicos, acordes, contrapunteos, arpegios, dentro de composiciones realmente increí

27 de Abril Preludio en sol bemol mayor, op. 11 n.º 13  Aleksandr Skriabin (1872-1915) El pianista y compositor ruso Aleksandr Skriabin, que murió este día, es uno de los grandes excéntricos de la música.  Parece que hasta cierto punto tenía complejo de Dios; una vez quiso andar sobre las aguas del lago Léman (Ginebra) para predicar a unos pescadores y estaba firmemente convencido de que su obra traería el apocalipsis. Estas obsesiones son perceptibles en sus obras tardías, por ejemplo en su Mysterium —que según sus indicaciones tenía que ejecutarse durante siete días al pie de la cordillera del Himalaya— y su sonata «Misa negra», que tiene momentos de auténtica chifladura.  Pero nada de esto se percibe en sus primeros preludios, cuya audición es muy agradable y nada apocalíptica. He elegido uno encantador en sol bemol mayor, una tonalidad particularmente suntuosa y expresiva, aunque todos son una delicia. Clemency Burton-Hill

2x1. Dos discos en 1, y loa dos de nuestros apreciados Iconoclastas. Dos álbums que originalmente vieron la luz en mitad de los ochentas y posteriormente se unirían en una reedición como una sola obra. Tanto "Iconoclasta" (de 1986) como "Remisniscencias" (1985) evoca lo mejor que nos ha dado el progresivo mexicano...  creo no equivocarme al afirmar que estos son sus discos más conocidos, o al menos algunos de los más difundidos. Sin duda uno de los mejores grupos no solo mexicanos sino también latinoamericanos, mezclaron la música clásica, la electrónica y el jazz con el rock con una profesionalidad pocas veces vistas en estos lugares, tanto que fundaron su propio sello discográfico: "Discos Rosenbach" debido a la falta de apoyo de las casas discográficas comerciales, y esto les permitió desarrollar su creatividad al máximo y a componer la música progresiva que a ellos los inspiraba, sin avenirse a las restricciones consumistas impuestas por la industria