Cabeza de Moog !

Y si vamos a hacer un rescate de la mejor música generada en latinoamérica, no podemos dejar afuera al mexicano Silvestre Revueltas, considerado como el mejor compositor de música sinfónica surgido en Latinoamérica y uno de los creadores más originales de la música del siglo XX. Compositor, violinista y director de orquesta, su vida fue tan intensa y tormentosa como breve. Aquí, presentamos la musicalización de Revueltas al film documental titulado "La Noche de los Mayas". Y otro aporte devenido de nuestro querido espacio Viaje al Espacio Visceral , en su enorme recorrida por la buena música mexicana. Y como hacía rato que no publicabamos música clásica, sinfónica, moderna, docta, o como quieran llamarla, este es un excelente trabajo para entrarle nuevamente a este estilo que no queremos dejar afuera del blog cabezón, y menos si se trata de compositores como el que nos ocupa hoy en día. Artista: Silvestre Revueltas Álbum: Night of the Mayas Año: 1939 - 1994 Género:

Vamos a presentar la versión orquestal de un disco excepcional. Y digamos que a esta versión orquestal la podrá disfrutar cualquiera, porque luego, lo que es el disco en sí, que presentaremos mañana, viene a ser uno de aquellos para amar o para odiar sin términos medios, pero antes de adentrarse a él pueden escuchar y disfrutar esta hermosa versión, donde la orquesta que integra el disco homónimo del músico noruego Ihsahn es la única y magnífica protagonista, creando un disco hermoso, donde la música docta hará la base de lo que luego será el explosivo resultado final, pasando por pasajes simil Stravinsky, con el ímpetu de Richard Wagner, momentos muy épicos y cinemáticos a lo Ennio Morricone sumado a un clima oscuro muy Opeth, y lo escucho y pienso en lo bien que han hecho de sacar su versión orquestal de manera independiente, ya que es un placer escuchar esta música independientemente de su versión final. Muy recomendado, puro classical crossover en un sinfín de emociones. ¡Disfrúten

Y retomando el tema de la música brasilera, vamos ahora con una pequeña variación en el estilo y nos enfocamos a la música docta, llevada adelante por un dueto de enormes guitarristas que interpretan obras de Heitor Villa-lobos, Astor Piazzolla, Alberto Ginastera y Egberto Gismonti. El cuarto disco del dúo, once temas de los cuales dos son de Sérgio Assad. Como hermanos, Sérgio y Odair parecen haber aprovechado al máximo la oportunidad de construir, prácticamente desde la cuna, una comprensión artística y una sincronicidad técnica entre los dos, que raya en lo telepático. Este disco suena como una singularidad estética; ese extraño evento cuando las capacidades expresivas conjuntas de los músicos trascienden las limitaciones técnicas de los instrumentos. Un trabajo inmenso que no puede quedar afuera del blog cabeza. Artista: Sergio & Odair Assad Álbum: Saga Dos Migrantes Año: 1996 Género: Clásica Duración: 56:28 Nacionalidad: Brasil Los guitarristas brasileños Sergio

Planeta Minimal, o cuando la guitarra eléctrica entra en la música académica. Imagino que todos o muchos de ustedes saben de qué hablamos cuando decimos "California Guitar Trio", "Gauchos Alemanes" o "The League of Crafty Guitarists": descendientes directos del maestro Fripp, y este proyecto deviene de una idea similar, lanzada por el guitarrista de Tryo y discípulo de Fripp. Un disco que incluye una amplia gama de estilos incluyendo clásico, contemporáneo, prog, rock clásico, cada pieza tocada aquí es muy agradable, incluso para el que no es fan del rock progresivo, pero este disco será especialmente recomendado para los fans de California Guitar Trio, y con algunas incursiones vocales que los acercan más a sonoridades apoteóticas a lo Magma pero en su versión chilena. Aquí, la segunda parte de la aventura musical llamada Planeta Minimal. Bienvenidos a un mundo sonoro de armónicos, acordes, contrapunteos, arpegios, dentro de composiciones realmente increí

Planeta Minimal Ensamble de Guitarras Eléctricas es un ensamble de guitarras eléctricas donde confluyen distintas fuentes estilísticas, llámense rock, música contemporánea o folclore, único en Sudamérica y constituido por estudiantes avanzados y músicos profesionales, y liderados por el violero los fabulosos Tryo. Un disco que nos presentó Dionisio LePetit en su momento, una notable cruza entre la sincronía de múltiples guitarras al estilo de la League of Crafty Guitarists de Robert Fripp, el minimalismo de Philip Glass, los climas, experimentación y técnicas de Steve Reich, el clasisimo de Leo Brouwer, Heitor Villa-Lobos o Belà Bartòk y varias sonoridades autóctonas (sobretodo mapuches y andinas). Música académica, música popular y prog rock unidos por una incursión a la música experimental, creando una música de cámara librepensadora. Aquí presentamos un proyecto que no puede faltar en el blog cabezón! Y este disco únicamente lo encontrarás en el blog cabezón. Artista: Planeta Min

Ahora presentamos a un músico argentino (Herman Ringer). Hace 5 años vive en Londres, y hace poco sacó un EP de 4 piezas de música "clásica" reimaginadas como temas medio ambient/prog. Los invito a escucharlos, porque entre ellos se encuentran reinterpretaciones de autores como el francés Gabriel Fauré, Ravel, Vivaldi y Camille Saint-Saëns en 13 minutitos para disfrutar. Artista:   Charlie Draper & Herman Ringer Álbum: Legerdemain Año: 2022 Género: Neo clásico / Crossover prog Duración: 13:56 Referencia: Bandcamp Nacionalidad: Argentina   Desde aquí lo pueden escuchar... Legerdemain by Charlie Draper & Herman Ringer

Una de las obras más importantes de la música electrónica y clásica moderna, "Tubular Bells" de Mike Oldfield, estará celebrando su 50 aniversario  y es honrada aquí en esta nueva grabación de estudio, interpretada por la altamente venerada Orquesta Filarmónica Real con el Coro de Voces Contemporáneas de Londres, también incluye selecciones adicionales de la obra de Oldfield que nunca antes habían sido interpretadas por una orquesta completa. Dirigido por el reconocido compositor Simon Dobson y como invitado especial Brian Blessed . Presentado por el Rafa Nori, aquí va una nueva versión de un disco histórico. Artista: Royal Philharmonic Orchestra Álbum: Tubular Bells 50th Anniversary Celebration Año: 2022 Género: Classical Crossover / Progresivo Crossover Referencia: Rate Your Music Nacionalidad: Inglaterra Aclaro que Mike Oldfield no participa aquí pero tiene su aprobación... "Es asombroso pensar que han pasado 50 años desde que comencé a escribir Tu

Si su primer disco era música de cámara “con actitud”, el segundo ya es pura actitud y demuestra que el nombre de la banda no es totalmente en broma (aunque siempre es doble sentido): estos belgas son anarquistas. Segundo disco de DAAU, en busca de nuevos animales. Artista: Die Anarchistische Abendunterhaltung (DAAU) Álbum: We Need New Animals Año: 1998 Género: RIO / Música de cámara / Electrónica Duración: 48:04 Referencia: https://www.discogs.com/es/release/469796-DAAU-We-Need-New-Animals Nacionalidad: Bélgica ¿Por qué no un sabueso con cuernos de caribú? La segunda grabación de DAAU sorprende con una evolución inesperada, tal como lo indica su título: andan en busca de nuevas especies. Lejos de los coqueteos académicos de los jóvenes estudiantes, se ha desatado la actitud estridente del punk, de un punk de búsqueda. En la estética del ruido, DAAU le ha sacado el diablo al acordeón, que ahora trae a toda Europa central consigo, y en consonancia con las modas de e

Otra de esas joyitas que habían pasado desapercibidas en el blog, aunque lleven 30 años deslumbrando desde Amberes, Bélgica. Aquí iniciamos el relato y la escucha de una de las bandas de RIO y música experimental —acústica— de vanguardia que no deberían faltar en el blog cabezón: los legendarios DAAU, acrónimo de Die Anarchistische Abendunterhaltung: esperando que se sorprendan, va el primero de DAAU. Artista: Die Anarchistische Abendunterhaltung Álbum: Die Anarchistische Abendunterhaltung! Año: 1995 Género: RIO / Avant Garde / Música de cámara Duración: 46:17 Referencia: https://youtu.be/jCL75sFrXn4 Nacionalidad: Bélgica Los lectores de Hermann Hesse que conozcan sus textos en el original alemán habrán reconocido el nombre de esta banda automáticamente: se trata de uno de los nombres, la “tardeada anarquista” (o “velada anarquista”, como nos la han entregado los traductores españoles) a la que asiste Harry el Lobo estepario , en su temprana búsqueda de lo que los

Y seguimos con más Jethro Tull, y ahora con un trabajo algo extraño (o no tanto): un disco de una orquesta clásica haciendo covers de una banda de rock (y no cualquier bandita de rock!). Horacio Manrique nos presenta el decimosexto álbum de los reyes del prog folk, ahora en forma de música orquestal, con la London Symphony Orchestra y bajo la batuta del ex Jethro David Palmer, exmiembro del grupo y producido por él mismo. "A Classic Case" es, entonces, la reproducción de los temas más famosos de Tull por la magnilocuencia de una orquesta sinfónica. Ojo, que este no es un álbum para rockear; pero ese era el propósito: sonar clásico, no rockero. Con ustedes, otra versión de los Tull, posiblemente como nunca los escucharon, y como no lo volverán a escuchar jamás.... ¿o sí? Artista: Jethro Tull Álbum: A Classic Case Año: 1985 Género: Prog folk / Classical crossover Duración: 41:58 Referencia: Discogs Nacionalidad: Inglaterra En mi humilde opinión, este vendr

#Músicaparaelencierro. Erróneamente etiquetado como musico New Age, este compositor belga es el minimalista europeo (junto a Nyman) más reconocido a nivel mundial, y es que escuchar cualquier obra de este susodicho es una experiencia enriquecedora y no cualquier musico lo proyecta con tan solo piano y voz. Resulta curioso que tanto Nyman como Mertens han compuesto bandas sonoras para el director de cine británico Peter Greenaway; Wim compuso la excelente BSO "The Belly of an Architect" . Así comienza el comentario sobre este autor y disco, realizado por Roberto I. Quesada para cerrar otra semana a puro minimalismo, con un compositor que entra en la categoría de músico de vanguardia. "Jérémiades" es de los discos clásicos del autor, y para muchos es ya la mejor de su carrera y toda una muestra de maestría musical única, una obra maestra con la que cerramos nuestra saga de minimalismo en el blog cabezón. Artista: Wim Mertens Álbum: Jérémiades Año: 1995 Géne

#Músicaparaelencierro. Repetición, breves  materiales sonoros, permanencia en un ámbito, ligeros cambios, larga duración, son algunas de las características del minimalismo. Ayer trajimos a este autor y hoy, siguiendo un comentario de Roberto Quesada, presentamos la que es quizás su obra más representativa: "In C", trabajo que data de 1964 y que marcó un punto de inflección en la experimentación sonora, y en este punto Roberto nos cuenta: "Una característica especial de "In C" es que rompió con todo el academicismo que existía en los 60 dado que en su mayor parte las bases musicales son no-occidentales, está sustentada por patrones cíclicos de dos notas con ligeras variaciones donde el musico puede explayarse a su gusto siguiendo ciertas pautas claro está, además de que está formada por 53 motivos constantes [pulso constante de Glokenspiel con énfasis en la nota Do] repitiéndose un número indeterminado de veces, o sea, esta pieza nunca va sonar igual cada ve

#Músicaparaelencierro. Glass se ha caracterizado por crear una corriente musical llamada minimalista que dominó buena parte de la música norteamericana a partir de los años 70, pero su obra comprende los géneros más variados, desde sinfonías, piezas de ópera, música para películas, y unas pocas recreaciones, como en este caso. Y vamos cerrando una semana a puro Philip Glass con "Heroes Symphony", que al igual que "Low Symphony" está basada en música de David Bowie y de Brian Eno, siendo esta su cuarta sinfonía y aquella la primera. Una obra que podríamos llamar de fusión entre la música rock y la clásica, pero las estructuras construidas por Glass dominan siempre la situación sin que por ello desmerezcan los ritmos y melodías ideadas por Bowie y Eno. Y cierro esta introducción con palabras del propio Glass: "En una serie de innovativas grabaciones realizadas a finales de la década de los 1970, David y Brian combinaron influencias de la música étnica, de la v

#Músicaparaelencierro. Seguimos con el minimalismo de Philip Glass y su variado gusto musical, porque así como el compositor se define como judío, taoista, hindú, tolteca y budista, las religiones por las que se ha apasionado a lo largo de su vida, en lo musical no se queda solamente con el movimiento musical sinfónico y así es que aquí se lo encuentra junto a Bowie y Brian Eno.  La "Sinfonía Nº 1" ("Low Symphony") fue compuesta en la primavera de 1992, estando basada en el álbum "Low" de David Bowie, se estrenó en Munich el 30 de agosto de 1992, interpretada por la Junge Deutsche Kammerphilharmonie dirigida por Dennis Russell Davies. Glass creo la obra con la colaboración de Bowie y de Brian Eno y generando una interesantísima fusión entre el rock, la música pop, el minimalismo y el sinfonismo, ideal para cualquier amante de la obra de Philip Glass, de David Bowie, de Brian Eno o de la buena música. Artista: Philip Glass Álbum: Low Symphony Año:

#Músicaparaelencierro. Hoy nos complace presentar un trabajo excepcional, una oda minimalista de ragas, sagas y cadenas musicales que solo dos genios locos pueden desarrollar, aquí el señor Glass junto a Ravi Shankar, a la Orchestral group from Madras, The Madras Choir y las voces de S.P. Balasubramanyam ponemos en evidencia un aspecto fundamental del estilo y la obra de Philip Glass; su acercamiento, muchas veces solapado y poco distinguible, a la música indú y toda la influencia que ha tenido sobre él. Un disco fuera de serie, no importa si te gusta o no, acá nuestros gustos pueden quedar de lado, hay dos genios que junto a notables músicos habren las puertas del cielo: un nirvana musical para el disfrute del mundo de las sensaciones. Artista: Ravi Shankar & Philip Glass Álbum: Passages Año: 1990 Género: Neo-Clásico, Minimalismo, World music Duración: 55:22 Nacionalidad: India / EEUU "Passages" es un álbum de música de cámara colaborativo, música de cáma

#Músicaparaelencierro. Originalmente Glass solo compuso una pieza que se llamó "Música en Doce Partes" ya que la intención original era que tuviera doce líneas armónicas en contrapunto. Sin embargo, cuando Glass la interpretó para un amigo suyo, éste le preguntó cómo serían las otras once partes. Glass encontró interesante este malentendido y escribió otras once partes a lo largo de tres años. Roberto Quesada nos trae "Music in Twelve Parts", obra compleja  que consta de un conjunto de doce piezas polifónicas compuestas entre 1971 y 1974, compuesto originalmente para diez instrumentos, ejecutados por cinco músicos, de esta forma: tres órganos eléctricos, dos flautas, cuatro saxofones (dos soprano, un alto, un tenor) y una voz femenina. De estos, el órgano es el único instrumento que se escucha durante toda la obra; los otros instrumentos no participan simultáneamente todo el tiempo. Aquí, la presentación del señor Quesada, y una obra de tres horas de duración...

#Músicaparaelencierro. Volvemos con improvisaciones al piano de Keith Jarrett, con este concierto en Viena de 1991, quizás uno de los más sorprendentes entre los muchos que ha grabado el genio. Aquí llega a una cúspide en el trabajo de síntesis de las tradiciones académica y jazzística; no es casual que, una vez grabado, el propio Jarrett lo haya considerado como el momento en que su música logró hablar el lenguaje del fuego. Artista: Keith Jarrett Álbum: Vienna Concert Año: 1992 Género: Improvisaciones entre el jazz y la academia Duración: 1:08:08 Nacionalidad: EUA 13 de julio de 1991, Viena; teatro de la Ópera Estatal. Ante una audiencia pasmada —en el silencio absoluto que exige de su público—, Keith Jarrett entrega improvisaciones que, para él, a posteriori , son definitivas. Otros reseñistas ( Richard S. Ginell en Allmusic , Tyran Grillo en la sección de reseñas del sello ECM ) han dicho que se trata de uno de los conciertos más “clásicos” del pianista; que el en

#Músicaparaelencierro. (En el Perú se ha declarado estado de emergencia, que implica suspensión de garantías individuales, para contener la propagación del Covid19). Mucha gente no sabe estar sola; el encierro estresa, angustia, produce ansiedad. ¿Qué mejor que la música para combatirla? Vamos con uno más de los conciertos de improvisación al piano del maestro Jarrett; en esta ocasión, el registro de una estupenda noche en la famosa Salle Pleyel de París, a fines de los 80. Artista: Keith Jarrett Álbum: Paris Concert Año: 1990 Género: Jazz, improvisación Duración: 50:17 Nacionalidad: EUA Después del éxito abrumador de Köln Concert y los otros conciertos de improvisación pianística de los 70, a fines de los 80 Jarrett vuelve al formato pero ahora con el bagaje de todo lo que ha estudiado en el ámbito de la música académica (Bach, Shostakovich, Gurdjieff). Este Paris Concert lo encuentra de nuevo en el ánimo de improvisar desde el vacío y durante un largo tiemp

Otro transfuga del pop, Joe Jackson, en una de sus más ambiciosas producciones, con invitadas de la talla de Suzanne Vega y Dawn Upshaw, en un abordaje satírico y muy actual (entonces y ahora) de los “siete pecados capitales”. Un disco estupendo en la frontera de la música popular, el jazz y la música académica. Artista: Joe Jackson & Friends Álbum: Heaven & Hell Año: 1997 Género: Rock fusión, jazz, clásica contemporánea Duración: 50:31 Nacionalidad: Inglaterra, EUA A mediados de los 90, Joe Jackson se cansó de la etiqueta pop que se había ganado —a pulso— como parte de la “segunda invasión británica” a los Estados Unidos de principios de los 80. Había colocado álbumes y sencillos de corte new wave en los puestos más altos de las carteleras estadounidense, europeas, australiana, pero para él, un músico formado en la Academia Real de Música de Londres, fan de la movida progresiva de los 70 (por ejemplo, de Soft Machine), y conocedor de la música académica, el p

Rick Wakeman publicó hace muy poquito un álbum en el que versiona composiciones propias y de los Beatles, David Bowie, Yes, Simon & Garfunkel, Liszt y Queen. Sinceramente, para mí es un registro que no creo que aporte demasiado, pero dado de que estamos hablando de Wakeman y de que se me ocurrió hacer nuestra propia selección cabezona de los mejores discos del 2018 a principios del año que viene, es una obligación presentarlo en sociedad. Así empezamos con otra semana donde vamos a una selección de traer discos de este 2018 y -espero- también algunos clásicos y joyitas perdidas del baúl de los recuerdos. En fin, así empezamos otra semana en el blog cabezón! Artista: Rick Wakeman Álbum: Piano Odyssey Año: 2018 Género: Classical Crossover Duración: 55:00 Nacionalidad: Inglaterra No hace falta decir que Rick Wakeman es una celebridad de la música contemporánea, aquí se lo escuchar estructurando un repertorio generoso, que reformula a su gusto llevándolo al formato de m