#Músicaparaelencierro. De Chile con amor. Aquí vamos con más aportes de Neck, esta vez nos vamos para Chile para presentar a ihä, que es el proyecto solista del músico Ignacio Moreno Fluxà. Aquí presentamos este disco de nombre raro, con música rara, ambiental, electrónica, cercana al drone, llenas de texturas, no falto de emotividad y mucho menos de experimentación cercana a algunos trabajos de Brian Eno, al que no le falta ni un extenso tema de 18 minutos, solamente falta que lo conozcan y vean si les gusta. Y también falta que agradezcan al bueno y querido Neck! Otro de los aportes latinomaricanos, que esta semana tendremos varios y muy buenos.
Artista: ihä Álbum: Estructuras de Aire, Colonias de Soplo Año: 2018 Género: Electrónica / Ambient Duración: 42:15 Nacionalidad: Chilena
Una cuidadosa investigación sonora, con líneas sobrias y minimalista este chileno crea un efecto hipnótico a través de su música, que produce un efecto que bien podría llamarse cercano a esa cosa llamada new-age, pero que en realidad es demasiado nostálgico y oscuro como para poder siquiera pensar en encasillarlo en esa corriente.
Ihä, alias del inquieto músico chileno Ignacio Moreno Fluxà, siempre se ha caracterizado por la calidez y sencillez de sus entregas, que deambulan entre el ambient clásico y el drone contemporáneo. Sin embargo, en éste, su último disco, esto llega a un clímax glorioso, pues su visión del ambient toma una intensidad que se desmarca totalmente de la autocomplacencia conceptual, en la que suele caer usualmente el minimalismo genérico. Pero aquí no: la cadencia musical es metáfora de un animal tierno y sincero, que sufre, se calma, y supera, con toda la densidad de la vida, sin abstracciones ni justificaciones trascendentales. Un vivo y encarnado minimalismo que sube y baja como una mar, una marea sobre la cual flota la audiencia hipnótica y conmocionada, en piezas de títulos sugerentemente poéticos como ‘La única fuente de lo sagrado’ o ‘43 puestas de sol’. El sosiego y no pretensión de la dinámica de Ihä, exporta a una dimensión de meditación no-productiva. Una especie de new-age desilusionado, una terapia infinita, y también una desocultación de la belleza de lo desapercibido. El disco, masterizado por Michel Leroy de Un Festín Sagital, avanza como un bello viaje de ritmo cadencioso, de colorida e intensa emotividad, una calma dramática, que se acepta y se lamenta. Luz y melancolía se revuelven en tímidas estructuras, que se articulan y desarticulan, pero que siempre avanzan, en un movimiento sutil pero constante, palpitante. La suavidad y delicadez del devenir sonoro de este disco, acaricia desde los oídos. La percepción de flote en una suave marejada persiste en todo el disco, pero en distintas intensidades emocionales, en composiciones como ‘El sueño de la razón produce monstruos’ o los 18 minutos de ‘Arde como una vela en el sufrimiento’. Sin duda un disco totalmente recomendable para quienes no exigen espectacularidad en la música, y aprecian la intensidad de la sencillez.
En sus varias capas los sonidos se entrelazan, se fusionan y se deslizan unos sobre otros. La música no es estática, sino que está en constante movimiento, sin que uno, como oyente, note un ritmo o tempo. Todo sucede de forma natural, tranquila pero decidida.Una aquitectura compuesta por sonidos que interactúan entre sí y que te llevan donde quieren. El desarrollo es lento y cadencioso, pero sin embargo hay una dirección clara, con una intención definida.
En "Estructuras de aire, colonias de soplo", ihä te lleva a un viaje por paisajes abstractos que son similares a un cuento musical por la atmósfera que se evoca, con un estilo tranquilo y atmosférico que no se impone, pero que sin embargo obliga a una escucha atenta, simplemente por el esplendor ineludible del sonido.
Claro que merece que lo conozcan!
"Estructuras de aire, colonias de soplo" fue publicado en abril del presente año (2018) en formato digital por ihä (pronunciado como "ija"). Me cuesta poner etiquetas y en este caso, por ejemplo, no sabría si el concepto de "música ambiental" sirve. Pienso que es como si les dijera que es música de ascensor o algo que pones de fondo para hacer el aseo y es lo último que recomendaría hacer para apreciar esta música. El disco es basado en teclado y efectos, con un sonido cálido capaz de llenar la habitación donde se reproduzca. Nostálgico. Aunque 3 de las 4 canciones duren más de 9 minutos, todas parecen pasar demasiado rápido. La discografía de ihä (proyecto de Ignacio Moreno Fluxà) es extensa en comparación al tiempo que el proyecto lleva con vida (desde 2011) y particularmente este trabajo me resulta el más "amigable", si no se ha familiarizado previamente. No es que vaya a sonar de repente un ruido que no sea acorde a la música. Tal vez es el teclado que le da un peso diferente al de ejecución con guitarra que he escuchado en discos pasados. Sugiero, si existe interés en adentrarse a esta obra, que no hayan muchas distracciones mientras se le da una oportunidad. Si es válido comentar la escenografía que me evoca al escuchar el disco, es inevitable pensar en paisajes templados durante una tarde agradable.
Y a continuación compio una entrevista, para que a la reseña no le falte nada.
ihä, proyecto del chileno Ignacio Moreno Fluxa,
ha mantenido un ritmo creativo constante durante los últimos años. En
el 2016 apareció "Ironía", al año siguiente "Esperanza", y hace poco
tiempo vino al mundo "Estructuras de aire, colonias de soplo". Aunque
todos sus trabajos guardan cierta sinfonía no hace falta verlos desde un
sentido de progresión; cada uno explora una temática y sonido propios
del momento de este músico chileno. No obstante, ¿donde posicionan (y se
posicionan) estas nuevas canciones en la carrera de ihä? Esa es una
pregunta que podría haber tratado de contestar desde la intuición que
parece dar el sonido y sentimiento de este álbum, pero me pareció mas
sano charlarlo con Ignacio.
En lo personal, creo que hay un sentido de temporalidad un estas
canciones, ihä crea melodías que capturan momentos de tiempo que quedan
flotando en melodías suspendidas. Espero que este intercambio de
preguntas con Ignacio muestre como se construyó técnica y
argumentalmente este disco. "Estructuras de aire, colonias de soplo"
esta disponible un CD por Necio Recordsy en formato digital por "Ce chemin est le bon", el arte y concepto visual del disco fue hecho por el mismo Ignacio bajo su proyecto de collage y diseño No more Fluxa, el cual pueden revisar en Facebook.
Hace ya un tiempo, un año o
más, charlamos sobre cómo hacías tu música en la sección “Juguetes Para
Grandes”. ¿Consideras que algo ha cambiado, en relación a estos dos
últimos discos, en tu estilo de composición y en el equipo que usas?
Sí, ha habido una cierta deriva compositiva e instrumental a partir de Ironía.
Ese álbum fue el cierre (y quizá el punto más alto) del drone de
guitarras que venía trabajando desde el inicio de ihä, en 2011. Ironía marcó
un paso adelante por el uso de loops, algo que no había hecho antes y
que se tradujo en un sonido más complejo por la mayor cantidad de capas
que le daban forma, aunque siempre desde la improvisación. En el álbum
siguiente, Esperanza, seguí
trabajando con la guitarra, pero introduje además el teclado, lo cual
también me llevó a trabajar en piezas de más de una pista y a
desarrollar una lógica de composición espontánea, por llamarla de alguna
forma. Y finalmente, en Estructuras de aire, colonias de soplo dejé
la guitarra y me centré exclusivamente en los teclados, conservando,
eso sí, el espíritu de la composición espontánea recién aludido, que
consiste en urdir piezas a partir de líneas melódicas improvisadas en
distintas pistas. Dicho de otra manera, el trabajo compositivo se da más
a nivel de la mezcla, que se basa en pistas grabadas a partir de
improvisaciones espontáneas. Esos han sido los principales cambios.
Cuando se hace música que se
basa en el “loop” o la repetición, ¿cómo se plantea el momento de
terminar o cerrar un tema? Pregunto esto porque me llama la atención,
por ejemplo, “43 puestas de sol”, que tiene un aire circular y dura
exactamente diez minutos.
Aunque la repetición es un elemento central en mi música, en Estructuras de aire, colonias de soplo no
utilicé loops. En el caso de los discos anteriores, donde sí los usé,
el sonido se va desmaterializando por sí mismo a medida que se suman
capas a los loops; pierde nitidez y va corrompiéndose paulatinamente,
así que los temas terminan de forma orgánica: se cierran, se ponen fin a
sí mismos. Volviendo a Estructuras de aire, colonias de soplo,
las improvisaciones que dan forma a las piezas que lo componen fluyeron
–como es propio en cualquier improvisación– de modo natural, según mi
propia emocionalidad en el momento del registro. Es difícil, entonces,
responder sobre cuál es el momento preciso para cerrar un tema; sólo
ocurre.
Me gustaría que contarás un
poco sobre qué inspiraciones hay tras de este nuevo disco. Siento que
tiene cierta relación con la memoria y su fragilidad, aunque es una
perspectiva personal.
Es difícil decir algo al respecto. No hay una
conceptualización a priori que haya marcado la creación del disco, pero
sin duda constituye un trabajo que por la vía de una exploración
introspectiva busca expresar una emocionalidad contenida, en cierta
medida inexpresable, como toda la música que he grabado. Ahora bien, sí
creo que esa expresión adquirió aquí un cariz especial, conformándose
como una especie de llamado introspectivo que más que dar respuestas, plantea preguntas, evitando, a la vez, el misticismo espiritualista del new age más
caricaturesco y desplegando, por el contrario, una búsqueda
introspectiva basada en la finitud, lejos de una espiritualidad ingenua,
delirante. De cierta forma, y para decirlo con otras palabras, es el
llamado a una introspección existencial desde lo finito, pero sin
disolver la posibilidad de lo sublime en la experiencia de esa finitud
que nos atraviesa (por la muerte, por nuestra corporalidad), es decir,
se trata de una suerte de misticismo de la finitud, en la
finitud. Una sublimidad terrenal, corpórea, si se quiere. Y
efectivamente la memoria y su fragilidad pueden ser elementos
constitutivos de eso, en cuanto forman parte de nuestra experiencia de
la finitud; en este caso, específicamente de nuestra sujeción al tiempo.
En cuanto a las guías directamente musicales que
bosquejaron el camino –aunque sé que la pregunta no apunta exactamente a
esto–, me gustaría mencionar a las tres inspiraciones principales en el
proceso creativo: Alice Coltrane, William Basinski y Philip Glass.
Estas constantemente trabajando
en música nueva, ¿cómo manejas tu tiempo? ¿Consideras que has llegado a
tener un ritmo personal creativo, o muchas cosas surgen del momento?
Francamente, no lo manejo, y por lo mismo no tengo un
ritmo de creación. Tampoco es algo que busque manejar, parametrizar; no
me gustaría que se volviera una rutina. Prefiero que las cosas surjan
espontáneamente, cuando siento el impulso genuino de hacerlas.
Obviamente esto también tiene su lado negativo: tener que lidiar con la
frustración de largos períodos de sequía creativa, pero a fin de cuentas
sirve para mantener fresca la motivación y la creatividad, en lugar de
obedecer a fines productivistas y a una lógica de la eficiencia, tan
propios del capitalismo y, por lo mismo, tan lejos de las artes.
Algunos de tus trabajos
anteriores tenían ciertos énfasis en temas económicos y políticos. Sobre
eso te quería preguntar dos cosas: haciendo música instrumental, ¿cómo
consideras que se construye un mensaje más allá de lo textual que
articule algún mensaje? Tus últimos discos se han centrado en temáticas
que podríamos definir como existencialistas, ¿por qué se dio ese interés
en los últimos años?
En cuanto a la primera pregunta, creo que la
experiencia estética de la música se puede expandir más allá de una
literalidad demasiado pedagógica, pese a que los músicos recurran
habitualmente a esa fórmula. Dado que mi música es instrumental, muchas
veces –y creo que aquí tu pregunta se basa sobre todo en el caso de Ironía,
de 2016– he sentido el impulso de incluir textos que expliquen la
posición desde la cual he orientado el proceso creativo de cada disco,
pero me he abstenido de hacerlo porque trazar una ruta demasiado
definida también reduce el rol activo del oyente y limita el potencial
creador de sentido que la propia interpretación supone. Por lo demás,
aunque uno marque una dirección o plasme un mensaje (en mi caso, por
ejemplo, por medio de los títulos de las canciones y el arte de los
discos), la música termina siendo independiente de uno como creador y
será el oyente, finalmente, quien le dé sentido a lo que escucha. Por lo
mismo, creo que la experiencia estética de la música es ante todo
abierta, y no debería verse obturada por la búsqueda personal de quien
la crea, por mucho que haya espacio para trazar una ruta, sea esta
literal o no. En suma, entonces, lo que intento hacer es tan sólo
esbozar, sin demasiada nitidez, mi posición originaria (si la hay) como
creador. Y en el caso específico de mi música, esa posición originaria
(si la hay) a menudo se vincula con una búsqueda introspectiva que,
según creo, queda muy bien plasmada en las atmósferas que le dan forma a
mi sonido, y hay en ello, entonces, el esbozo de un mensaje más allá de
lo textual.
Por otro lado, tampoco se trata, ciertamente, de caer
en el extremo del silencio en el discurso, que es un riesgo latente (el
silencio es la peor de todas las violencias, dijo Derrida) y que en la
práctica opera como instrumento reaccionario. Por lo que, si en la
música solamente trazo esbozos, en otros espacios busco la manera de
contravenir el silencio y dar mensajes claros. Y lo hago sin rodeos, por
ejemplo, al definir a ihä como un proyecto abiertamente
anticapitalista, antifascista, antirracista, antixenófobo, pro-feminista
y pro-LGBTQ+. Es un proyecto de apertura; en ello no puede haber dobles
lecturas, e intento asegurarme constantemente de que no haya
ambigüedades al respecto.
Con respecto a la segunda pregunta, no se trata de un
interés particular de los últimos años. Ese espíritu introspectivo y
tal vez existencialista es parte de quien soy y ha estado presente en mi
música desde que comencé con ihä, por el sencillo motivo de que ha
estado presente en mi vida siempre. Lo que pasó fue lo contrario: llegó
un punto en que pese a que lo político está siempre presente, me
complicó no estar haciendo más explícito mi posición crítica, lo cual es
una necesidad que atraviesa a todo arte, y que para mí es esencial para
no quedar a la deriva de la superficialidad propia de la lógica
burguesa de la creación artística, que habitualmente se manifiesta, como
decía antes, en un silencio cómplice, reaccionario. De ahí surgió,
entonces, el interés por desarrollar un disco que hablara desde esa
posición (Ironía). En el caso de Estructuras de aire, colonias de soplo,
la búsqueda introspectiva ya descrita constituye su elemento central,
retomando con ello el foco existencialista que ha teñido siempre mi
trabajo creativo.
“Estructuras de aire, colonias
de soplo” saldrá a través de tu sello "Ce chemin est le bon" y por Necio
Records en Perú. ¿Cuáles son tus planes a futuro? ¿Piensas presentarlo
en vivo?
Como empecé a trabajar con atmósferas más
intrincadas, no es factible reproducir en vivo mis composiciones, lo que
se suma al hecho de que tocar en vivo en solitario constituye un
desafío inabarcable para mi personalidad. No obstante esas
circunstancias, por un impulso irrefrenable y que aún no halla forma, en
octubre volveré a tocar en vivo, después de más de un año sin hacerlo.
Por el motivo ya mencionado, no es posible presentar en vivo el disco
nuevo específicamente, pero tampoco he definido bien cuál será la nueva
modalidad.
En cuanto a otros planes a futuro, tengo algunos
lanzamientos planeados para 2018. El más concreto por ahora es la
preparación de un compilado de registros en vivo entre 2015 y 2017. Los
otros son un par de trabajos colaborativos con otros proyectos, que
prefiero mantener en reserva hasta que se hayan definido un poco más.
Sumado a eso, este año han cobrado mayor relevancia
mis proyectos paralelos. El segundo álbum de Yaca (dúo de improvisación
libre junto a Rodrigo Montoya, del Coletivo Abaetetuba), grabado en vivo
en agosto de 2017, ya se encuentra mezclado y está a la espera de ser
masterizado. Adicionalmente, este año formé dos nuevas bandas (Degú y
Huillín) con las que espero tocar en vivo y eventualmente publicar algo.
Así que se avecina un período muy fértil.
Lista de Temas:
1. La única Fuente de lo Sagrado
2. 43 Puestas de Sol
3. El Sueño de la Razón Produce Monstruos
4. Arde como una Vela en el Sufrimiento
Una entrada cortita y al pie para aclarar porqué le llamamos "Mago". Esto recién va a estar disponible en las plataformas el día de mañana pero ya lo podés ir degustando aquí en el blog cabeza, lo último de David Gilmour de mano del Mago Alberto, y no tengo mucho más para agregar. Ideal para comenzar a juntar cositas para que escuchen en el fin de semana que ya lo tenemos cerquita... Artista: David Gilmour Álbum: Luck and Strange Año: 2024 Género: Rock Soft Progresivo / Prog Related / Crossover prog / Art rock Referencia: Aún no hay nada Nacionalidad: Inglaterra Lo único que voy a dejar es el comentario del Mago... y esto aún no existe así que no puedo hablar de fantasmas y cosas que aún no llegaron. Si quieren mañana volvemos a hablar. Cae al blog cabezón, como quien cae a la Escuela Pública, lo último del Sr. David Gilmour (c and p). El nuevo álbum de David Gilmour, "Luck and Strange", se grabó durante cinco meses en Brighton y Londres y es el prim
Vivimos una época violenta, muy violenta; quizás tan violenta como otras épocas, sin embargo, la diferencia radica en que la actual es una violencia estructural y mundial; que hasta la OMS retrata como "epidemia mundial" en muchos de sus variados informes de situación. En ese engendro imperial denominado (grandilocuentemente) como "el gran país del norte", la ignorancia (junto con otras bestialidades, como el supremacismo, el racismo y la xenofobia, etc.) adquiere ribetes escandalosos, y más por la violencia que se ejerce directamente sobre aquellos seres que los "ganadores" han determinado como "inferiores". Aquí, un texto fechado en 1980 donde el genio de la ciencia ficción Isaac Asimov hace una crítica mordaz sobre el culto a la ignorancia, un culto a un Dios ciego y estúpido cual Azathoth, que se ha esparcido por todo el mundo, y aquí tenemos sus consecuencias, las vivimos en nuestra cotidaneidad. Hoy, como ayer, Cthulhu sigue llamando... ah,
Y para empezar la semana siempre vamos con algo bueno ¿Y qué decir de esto que ahora nos trae El Mago Alberto?, tenemos uno de los disco claves del Rey Carmesí con temas inéditos, y me copio de uno de los comentarios de esta entrada: "El último gran álbum de los mejores King Crimson, los de la década de los ’70, veía la luz en aquel Noviembre de 1974. "Red" nacía proyectando su propia sombra densa, vestida de elementos de su sinfónico pasado, de un oscuro y rauco jazz y del naciente heavy metal, marcado este último por las distorsionadas guitarras y sus pétreos riffs, que dieron una visión un tanto peculiar de aquel primogénito del Hard Rock desde el especial prisma de Robert Fripp. (...) Este álbum sin duda marcó un antes y un después en la carrera de la banda, pues tras 7 años de silencio después de "Red", la banda volvió entrados los ’80 con otra onda completamente distinta, otra visión y concepción de su sonido, sonando también interesantes y originales, pe
Empezamos la semana con la nueva versión del "Red" de King Crimson, seguimos luego con Bill Bruford´s Earthworks y parece que seguimos en la misma onda porque ahora presentamos, gracias al Mago Alberto, algo recién salido del horno: "The Best of Bill Bruford The Winterfold & Summerfold Years", que no otra cosa que una retrospectiva completa que cubre amplias franjas del trabajo del legendario baterista, desde su homónima banda de jazz-rock hasta la encarnación final de su célebre banda de jazz Earthworks, un conjunto de tres discos que está lleno de numerosas colaboraciones; su compañero de Yes Patrick Moraz, el pianista holandés Michiel Borstlap, Luis Conte, Chad Wackerman y Ralph Towner, entre otros. Artista: Bill Bruford Álbum: The Best of Bill Bruford The Winterfold & Summerfold Years Año: 2024 Género: Jazz Rock / Fusion Referencia: Link a Discogs, Bandcamp, Youtube, Wikipedia, Progarchives o lo que sea. Nacionalidad: Inglaterra Ante
Tras el impresionante "La Potestad" en el 2015, y casi diez años después llega el nuevo y magnífico álbum del multiinstrumentista Alejandro Matos "Carnaval De Las Victimas", otro trabajo de primer nivel que para constatarlo se puede ver simplemente el lugar que ocupa en Progarchives, dentro de los mejores discos del este año 2024 a nivel mundial, y con eso ya nos damos una idea de la valía de este nuestro trabajo, donde Alejandro Matos se ocupa de todos los instrumentos salvo la batería, conformando un trabajo oscuro, cinematográfico, elegante y ambicioso, y toda una reflexión sobre los tiempos que corren, en base a buenos riffs y melodías cautivadoras, hasta su bucólica y triste belleza. Un trabajo que llevó tres largos años, que cursa su travesía desde un medio tiempo en casi toda su extensión y se escucha como un oscuro regalo de los dioses... o de los demonios, uno vaya a saber, pero que definitivamente tenemos que recomendar al selecto público cabezón. Ide
Quizás aquellos que no estén muy familiarizados con el rock mexicano se sorprendan de la calidad y amplitud de bandas que han surgido en aquel país, y aún hoy siguen surgiendo. El Ritual es de esas bandas que quizás jamás tendrán el respeto que tienen bandas como Caifanes, jamás tendrán el marketing de Mana o la popularidad de Café Tacuba, sin embargo esta olvidada banda pudo con un solo álbum plasmar una autenticidad que pocos logran, no por nada es considerada como una de las mejores bandas en la historia del rock mexicano. Provenientes de Tijuana, aparecieron en el ámbito musical a finales de los años 60’s, en un momento en que se vivía la "revolución ideológica" tanto en México como en el mundo en general. Estas series de cambios se extendieron más allá de lo social y llegaron al arte, que era el principal medio de expresión que tenían los jóvenes. Si hacemos el paralelismo con lo que pasaba en Argentina podríamos mencionar, por ejemplo, a La Cofradía, entre otros muchos
Para ir cerrando la semana vamos con uno de los clásicos experimental de todos los tiempos, pero presentado de un modo nuevo gracias al Mago Alberto que se zarpa nuevamente para quemarla las válvulas a más de un cabezón, mientras que a algunos más les funde algunas lamparitas. Hablo de un álbum que rompió nuestra percepción del mundo de la música, donde Fripp, Bruford, Wetton, Cross y Muir crean un disco bisagra en la historia del Rey Carmesí, pero ahora en otra versión distinta a la que conocés, y sobre ello nos dice el Mago: "Una nueva edicion de Larks Tongues in Aspic commemorando los 50 años de la salida de esta enorme obra, y así como sucedió con RED nos encontramos con un nuevo lanzamiento con nuevas versiones y mezclas, esta vez a cargo de David Singleton, van a poder disfrutar también de versiones alternativas del mismo álbum. Cuando se lanzo este disco King Crimson rompió con todos los moldes existentes hasta el momento, la instrumentación era exquisita y la grabación era
Otro gran aporte del Mago Alberto, se trata del tercer álbum de Alan Parsons Project, pero ahora reeditado en este 2024. "Pyramid" fue un álbum conceptual centrado en las pirámides de Giza, que se grabó en los estudios Abbey Road con una variedad de vocalistas y músicos un conjunto de 4 CD que incluyen una nueva remasterización del álbum por Miles Showell y 67 temas adicionales, 54 de ellos inéditos, incluidas tomas descartadas de sesiones de estudio y demos de Eric Woolfson o "Songwriting Diaries", como se las conoce. Y lo presentamos basándonos en un comentario que nos dejó hace tiempo nuestro amigo El Canario, que como siempre se disfruta mucho. Que lo disfruten, tanto al texto como a esta nueva versión de este clásico. Artista: The Alan Parsons Project Álbum: Pyramid (edición remasterizada y ampliada, 2008) Año: 1978 - 2024 Género: rock progresivo, rock sinfónico Duración: 1:03:40 Nacionalidad: inglesa De todo lo que he escuchado de Alan Par
Y ya que nos estamos yendo a la mierda, nos vamos a la mierda bien y presentamos lo último de Charly, en otro gran aporte de LightbulbSun. Y no será el mejor disco de Charly, ya no tiene la misma chispa de siempre, su lírica no es la misma, pero es un disco de un sobreviviente, y ese sobreviviente es nada más y nada menos que Charly. No daré mucha vuelta a esto, otra entrada cortita y al pie, como para adentrarse a lo último de un genio que marcó una etapa. Esto es lo que queda... lanzado hoy mismo, se suma a las sorpresas de Tony Levin y del Tío Franky, porque a ellos se les suma ahora el abuelo jodón de Charly, quien lanza esto en compañía de David Lebón, Pedro Aznar, Fito Páez, Fernando Kabusacki, Fernando Samalea y muchos otros, entre ellos nuestro querido Spinetta que presenta su aporte desde el más allá. Artista: Charly García Álbum: La Lógica del Escorpión Año: 2024 Género: Rock Referencia: Rollingstone Nacionalidad: Argentina Como comentario, solamente dejar
Para comenzar la semana el Mago Alberto se zarpa de nuevo mientras nos dice: "Hoy se cumplen 50 añitos de The Lamb Lies Down On Broadway y como siempre en La Escuelita de Moe se hacen festejos, esta vez vamos con una presentación conmemorativa muy especial. Celebrando el 75 Aniversario de Atlantic Records, el sello lanzo una serie de álbumes masterizados a partir de las cintas analógicas originales o de la mejor fuente disponible, la serie cuenta con la maestría de reconocidos ingenieros de masterización, entre los que se incluyen leyendas como Bernie Grundman, Ryan K. Smith, Kevin Gray, Chris Bellman y Matthew Lutthans de Blue Heaven Studios. (...) Cabezonas/es, cuando parecía que nada nuevo podía conmoverte y menos de la gloriosa década de los 70 asoman estas cosas y tus oídos se sacuden las telarañas. Atlantic está haciendo estos lanzamientos a razón de dos títulos por mes durante los próximos tres años, así que a prepararse y mover esa aletargada cola de dinosaurio y moverla
Comments
Post a Comment