"Kid A" fue lanzado justo en el momento en que se llevaba a cabo un cambio dramático en la forma en la cual experimentábamos la música, cuando comenzaba a elaborarse una clara distinción entre nuestras concepciones populares de música en formato «físico» y música en formato «digital». Si bien iTunes Store de Apple fue revelado al público unos tres meses después de Kid A, fue Napster, el famoso software de intercambio de archivos peer-to-peer, el que delineó de manera más controversial los desafíos que planteaba la música en formato digital". A 20 años de uno de los puntos fuertes de Radiohead, repasamos un disco que pateó y sigue pateando el tablero musical. Para el año 2000, cuando editaron Kid A, los Radiohead no eran una banda más. Desde la salida de “Creep” en 1993, y tras haber editado The Bends (1995) y Ok Computer (1997), se convirtieron en los favoritos de una prensa musical que los catalogaba como los “nuevos Nirvana”: un grupo que no le tenía miedo a la evolución y al diálogo entre la masividad y la experimentación. Sin embargo, nada de eso le interesaba a la banda liderada por Thom Yorke. La incomodidad con la fama, el miedo a convertirse en unos “one hit wonder”, y el hartazgo en torno al “rock de guitarras” llevaría no sólo a una crisis de identidad del grupo, sino a querer comenzar de nuevo. El resultado es "Kid A", que vería la luz en octubre del año 2000, resultado que volvemos a revisar gracias al aporte de Mariano.
Artista: Radiohead Álbum: Kid A Año: 1997 Género: Rock alternativo / Crossover prog Duración: 46:11 Referencia:Progarchives Nacionalidad: Inglaterra
Una difícil obra maestra, mucho más digerible con el diario del lunes. Porque casi todos sabemos que terminó siendo una enorme obra, pero podría haber sido cualquier otra cosa.. Había que estar en el momento de su lanzamiento.. Podemos anclar a la obra en su tiempo, en su momento, pero para mi humilde entender eso no alcanza. Nada nos prepara para este disco. Y mucho menos para que fuera la continuación inmediata del Everest que resultó Ok Computer. Si hay un disco que debería haber venido con un manual de instrucciones este es uno de ellos. Recuerdo haber comprado el CD, colocarlo en el reproductor y haberme quedado perplejo, uno tras otros los temas., Había poco y nada que se pareciera a una canción, a una pieza de rock. Eran samples, abundancia de FX, pedazos de sonidos, todo parecía un collage sonoro (que no musical) Con bastante orgullo y por el bagaje musical que uno tiene sucedieron varias escuchas completas. La sensación era que el disco era hermético, impenetrable. Quedó abandonado por varios años, le siguieron algunos discos más y para mí, como para algunos que conozco, los Radiohead habían perdido el rumbo. Tenían que ser una banda de estadios, o de culto, o de culto y masiva todo junto, pero tenia que codearse con las grandes bandas de la historia, y sin embargo le dieron la espalda a todo eso. Pero claro, Radiohead TENIA que ser lo que sus fans QUERIAMOS que fuera, no lo que la banda quería ser. No recuerdo el momento exacto en que muchos años más tarde (con algo más de bagaje musical a cuestas) me senté nuevamente a escucharlo, si recuerdo que estaba con auriculares, y como mascullando: "voy por la oportunidad número 20 que te doy" Claro, habían pasado algunos buenos discos y el sublime "In Rainbows" así que la banda volvía a tener enorme crédito conmigo. Lo primero que hice fue dejar mis prejuicios y esperanzas en la puerta de entrada de mi casa. Sacarme de la mente el bailecito de Yorke en Idioteque. Recuerdo pensar que estaba ahí el ADN de Radiohead, más frió, menos "Creep" que nunca, pero eran ellos. La voz de Yorke en cada tema, como tratando de surgir, a veces deliciosamente intimista. Los FX le daban forma a los temas, los asistían en "ideas sonoras" y había canciones/perlas, esas bien Rediojedeanas (escrito así, porque todos decimos, a mi me gusta Radiojed) como Morning Bell o la monumental How to dissapear completely, para mi la punta de lanza del álbum, una síntesis brutal del estado de ánimo de Tom cuando hicieron el disco. Entonces no importa tanto si Phil Selway, ese exquisito baterista, se la pasó programando cajas de ritmos, si Collin Greenwood se pasó en ese entonces a los bajos electrónicos, o si la exquisita dupla de guitarras de Johnny y Ed O Brien pusieron todo al servicio de los paisajes sonoros, dándonos pocos acordes y menos riffs (ahí está el de The National Anthem) lo que importa es cómo funciona. Entonces si, Idioteque puede sonar más humano que muchos políticos, porque cuando "Viene la Era de Hielo" ( o si se lo quiere cambiar por el COVID) somos todos tan iguales...Todo eso es Kid A, una de las pateadas de tablero más grandes que se haya visto. Luego lo volverían a hacer, pero Kid A, no dejó nada en pie, a veces la única forma de comenzar de nuevo.
Hernán Martínez en los comentarios del Face cabezón
Me parece que el mejor comentario al disco es uno que publicamos en el blog cabeza hace tiempo, así que vamos a él...
"Kid A", O La Potencia de la Crisis
¿Todo está en su lugar correcto?
El disco marca un claro corte con sus trabajos previos, así como con
el mainstream alternativo de la década que quedaba atrás. Influenciado
tanto por el kraut rock y la música electrónica alemana de la década del
70, así como también por la electrónica experimental de Aphex Twin,
Radiohead musicalizaría como nadie el clima de incertidumbre de
principios de milenio. Parte de la crítica lo destrozó y los fans
corrieron a devolver las copias físicas del disco. Kid A profundizaría una tendencia del grupo: el desafiar al público disco a disco.
Todo elemento de luz que podía sobrevivir fue borrado. La voz de Thom
Yorke fue procesada, destrozada y manipulada por vocoders y filtros
varios. Las (ya de por sí) intrincadas letras de la banda pasaron a ser
compuestas mediante técnicas dadaístas. Las guitarras guilmourianas de
Jonny Greenwood y Ed O’Brien fueron suplantadas por sintetizadores,
ondas Martenot y máquinas de ritmos. La base rítmica de Colin Greenwood y
Phil Selway cobraría más peso, influenciada por el free jazz. La
atmósfera del disco sería prefigurada por la tapa de montañas heladas a
través del arte digital de Stanley Donwood.
El clima de ruptura está recorrido desde el tándem que abre el disco
“Everything in its right place”/ “Kid A”, donde la voz de Thom Yorke es
destruida y vuelta a construir una y otra vez. La línea hipnótica de
bajo y el estruendo final de “The National Anthem” suenan como una jam
jazzera infernal. En “How to dissapear completely” nos introducimos en
la cabeza del líder de la banda, quien en uno de los pasajes más
memorables del mundo repite como un mantra “I’m not here, this is not
happening” (“No estoy acá, no está pasando”), frase que le había dicho
Michael Stipe, líder del grupo R.E.M, cuando en la gira de Ok Computer Yorke se negaba a salir al escenario.
Quizás sea “In Limbo” la canción que mejor resume el espíritu del
álbum: “I’m lost at sea, don’t bother me. I’ve lost my way” (“Estoy
perdido en el mar, no me molestes. Perdí el camino”) suena sobre un
colchón de guitarras que no suenan como tales y una base rítmica
esquizofrénica. Esa misma esquizofrenia rítmica y el pánico de la vida
bajo el neoliberalismo tomaría cuerpo en la canción bailable menos
bailable del mundo, “Idioteque”. “Morning Bell” sería la versión
radioheadiana (en palabras de Ed O’Brien) de Joy Division, mientras que
“Motion picture soundtrack” es el cierre desgarrador bajo la promesa de
reencontrarse “en otra vida” con un ser amado.
El pez grande comiéndose al pequeño
Kid A es también plausible de ser leído desde el hoy como la
visión de la época hecha por la banda de Oxford. La lírica, como
dijimos previamente, si bien en su mayoría fue realizada bajo las
técnicas del “ready made” dadaísta, presenta posturas críticas al
capitalismo y al cambio climático en canciones como “Idioteque”. La
alienación de la vida moderna se refleja en el “Everyone is so near,
everyone got the fear” (“Todo el mundo está tan cerca, todo el mundo
tiene miedo”) de “The National Anthem”.
La banda, por otro lado, iba relatando el día a día de las sesiones
de grabación en un diario digital, donde recomendaban la lectura de No Logo
de Naom Klein (la banda pensó seriamente en titular el disco como el
libro de la autora canadiense). La negativa a dar entrevistas, editar
singles o videos, así como una gira de presentación del álbum en una
carpa libre de anuncios de marcas comerciales, muestran a una banda que
comenzaba a marcar una crítica más afilada a las corporaciones.
Asimismo, la gran cantidad de descargas por los en ese momento
incipientes servicios de descarga como Napster facilitaron que versiones
filtradas del disco llegasen al público antes de la edición oficial. En
lugar de mostrar indignación, el grupo vio esto como algo favorable
para la difusión, poniendo en jaque la lógica de la industria musical.
Esto realmente está pasando
Existe un temor a la potencialidad disolvente de la crisis y a las
subjetividades engendradas por la misma: se la(s) ve como algo a
normalizar, a ordenar. Kid A nos sigue interpelando en un año
como el 2020 porque es una narrativa musical de la crisis. Leer desde el
hoy el disco de Radiohead nos permite comprender como la banda abrazó
la incertidumbre y construyó un planteo artístico nuevo, rupturista,
(post)modernista.
Las posibilidades abiertas por la crisis llevaron a la innovación.
Frente a la amenaza de normalización, la banda optó por aventurarse en
la incertidumbre. El resultado fue una de las obras más potentes de lo
que va del siglo XXI. A 20 años de su edición, Kid A y Radiohead nos siguen invitando a pensar las incomodidades como potencias creadoras.
Lista de Temas: 1. Everything in Its Right Place (4:11) 2. Kid A (4:44) 3. The National Anthem (5:51) 4. How to Disappear Completely (5:56) 5. Treefingers (3:42) 6. Optimistic (5:15) 7. In Limbo (3:31) 8. Idioteque (5:09) 9. Morning Bell (4:35) 10. Motion Picture Soundtrack (3:17) [+ untitled hidden track]
Alineación:- Thom Yorke / vocals, programming, keyboard, guitar, bass guitar - Ed O'Brien / guitar, programming - Jonny Greenwood / Ondes Martenot, guitar, string arrangements, sampler - Colin Greenwood / bass, sampler - Phil Selway / drums, percussion, programming With: - The Orchestra of St. John's / strings - John Lubbock / conductor - Henry Binns / rhythm sampling (3) - Paul Lansky / sample of "Mild und Leise" (8) - Arthur Kreiger / sample of "Short Piece" (8) Hook Horns (3): - Andy Bush / trumpet - Mark Lockheart / tenor sax - Andy Hamilton / tenor sax - Steve Hamilton / alto sax - Stan Harrison / baritone sax - Martin Hathaway / alto sax - Mike Kearsey / bass trombone - Liam Kerkman / trombone
Quizás hay que aclararlo de entrada: la siguiente lista no está armada por nosotros, y la idea de presentarla aquí no es porque se propone como una demostración objetiva de cuales obras tenemos o no que tener en cuenta, ya que en ella faltan (y desde mi perspectiva, también sobran) muchas obras indispensables del rock argento, aunque quizás no tan masificadas. Pero sí tenemos algunos discos indispensables del rock argentino que nadie interesado en la materia debería dejar de tener en cuenta. Y ojo que en el blog cabezón no tratamos de crear un ranking de los "mejores" ni los más "exitosos" ya que nos importa un carajo el éxito y lo "mejor" es solamente subjetivo, pero sobretodo nos espanta el concepto de tratar de imponer una opinión, un solo punto de vista y un sola manera de ver las cosas. Todo comenzó allá por mediados de los años 60, cuando Litto Nebbia y Tanguito escribieron la primera canción, Moris grabó el primer disco, Almendra fue el primer ...
Para que tengan mucha música en el fin de semana, aquí van 5 disquitos del Indio en su etapa solista, el cantante ricotero presentado por Carlos el Menduco: "El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel)" (2004), "Porco Rex" (2007), "El perfume de la tempestad" (2010), "Pajaritos, bravos muchachitos" (2013) y "El ruiseñor, el amor y la muerte" (2018). No mucho más para agregar de un personaje mítico como pocos, alguien que llena estadios aunque no lo quiera, pretendiendo mantener un perfil bajo que le es imposible y se le niega sin alternativa. Imagino que no hace falta que agregue mucha data... o sí? Artista: El Indio Solari y los Fundamentalistas del Aire Acondicionado Álbum: Discografía Año: 2004-2018 Género: Rock Referencia: Discogs Nacionalidad: Argentina Carlos Alberto "El Indio" Solari nació el 17 de enero de 1949 en la provincia argentina de Entre Ríos. Estudió Bellas Artes. Fue, junto a Skay, la figura má...
Muy de vez en cuando hay discos donde quizás la música no sea, paradógicamente, lo más importante, y quizás no porque lo musical sea malo de dejado a segundo plano, sino porque la historia que ello representa es tan basta e importante que tiene peso histórico y significante ya de por sí. Este sería uno de esos raros casos... así que no vamos a hablar tanto de música, sino quizás de una época, una ideología, también de la situación política de la Argentina, de la "nueva ola" de aquel entonces, de artistas como Rocambole, de Skay, Pinchevsky, Kubero Díaz y tantos otros, del mítico sello discográfico "Mandioca", de los primeros pasos del rock argentino y sudamericano. Gracias a Mariano revivimos el mítico primer disco de La Cofradía, y nos sirve de disparador para un montón de temas de ayer que servirían perfectamente para hoy en día... Artista: La Cofradía de la Flor Solar Álbum: La Cofradía de la Flor Solar Año: 1971 Género: Rock psicodélico Duración: 30:13 ...
Y si hablamos de folk progresivo latinoamericano cómo no hablar de Los Jaivas, ahora con un disco que me venían pidiendo desde hacía tiempo en la lista de correo y el Mago Alberto pasa a cumplir: "Canción del sur" de 1977, con toda la magia de los chilenos. Y ya que hablamos tanto de la situación crítica de Chile y la valentía del pueblo chileno, entonces que mejor que halagarnos con su mejor música, la de Los Jaivas, la de Congreso, la de toda esa ola artística que siempre empujó para que las puertas de la libertad se abran para todos. Por todo ello y por mucho más es que "Canción del Sur" es ideal para presentar nuevamente en el blog hoy en día. Artista: Los Jaivas Álbum: Canción del sur Año: 1977 Género: Prog Folk Nacionalidad: Chile Otro muy buen disco de Los Jaivas , el tercer álbum que hicieron en su "visita obligada y por tiempo indeterminado" a la Argentina, y la verdad es que no sé que agregar a lo que sabemos de las obras reali...
Los argentinos tenemos un panteón de santos y santas canonizados en la calle, bajo las normas de un régimen inabarcable, liderado por poetas inesperados que, caminando y cantando, eternizan humanos, argentinos, contradictorios. Quizás el primero fue Gardel, el mito fundacional de una identidad atravesada por el desarraigo de un montón de marineros improvisados que encontraban, de casualidad, en las costas pampeanas, una Nación que nunca deja de inventarse y (casi) nunca dejó de recibir exiliados del mundo. La más convocante, la más manifestada, sin dudas, fue Evita que, como todos los demás, se volvió estampita incluso antes de su muerte. Fue despedida por millones de personas caminando y cantando en una calle desbordada de flores y lágrimas que se volvió epitafio durante varios días. Hace unos años, el 25 de noviembre de 2020, Dios se confirmó santo y el viernes 5 de junio, en los brazos de todos, se canonizó el poeta definitivo. Han pasado solo días de la muerte de Carlos ‘Indio’...
Todo disco de Lito Vitale que aparezca en el blog cabezón será bienvenido, pero en este caso se trata de un CD doble con algunos buenos temas del rock argentino interpretado por gente como Pedro Aznar, David Lebon, Baglietto, el Indio Solari, Miguel Cantilo, Gustavo Cerati, Lito Nebbia, León Gieco, Horacio Fontova, Luís Alberto Spinetta y muchos otros, interpretando temas de Charly García, Aquelarre, Vox Dei, La Renga, Los Redondos, Serú Girán, Crucis, el Flaco Spinetta, Moris, Arco Iris, Soda Stereo, Los Abuelos de la Nada, Pappo, Manal, Divididos, Sumo, Calamaro, Gieco, Catupecu Machu y más, entonces estamos hablando de un gran álbum, digno para que lo puedan degustar este fin de semana. El Mago Alberto se zarpa nuevamente y nos ofrece este invalorable aporte que nace de Vitale pero llega mucho más, hasta llegar a tus oídos. Dos discos en uno, y algo que no puede quedar fuera del blog cabezón. Artista: Lito Vitale Álbum: 40 Años De Rock Argentino - Escúchame Entre El Ruido Añ...
Artista: Luis Salinas Álbum: Solo Guitarra Año: 2000 Género: Latin Jazz / Folclore / Tango Duración: 72:47 Nacionalidad: Argentina Lista de Temas: 01. Uno 02. Alfonsina y el Mar 03. Homenaje Badem: O Astronauta/Zamba de Aviao/Chara 04. Balada Para Guitarra 05. You Are the Sunshine of My Life 06. Velas 07. Domingo a la Mañana 08. Nuages 09. Salgán 10. Tangos: La Casita de Mis Viejos/El Último Café 11. La Pobrecita 12. Caricia 13. Papagayo 14. No Es Tarde 15. Salsa Pa’ Coco 16. Nostalgias de Bossa 17. Parkeriano 18. Te Extraño 19. Latin Bebop 20. Canción Para Mi Juan 21. Chacarera Para Adolfo 22. El Día Que Me Quieras Alineación: - Luis Salinas - Guitarra y Voz
Seguimos con nuestra presentación de lo que es el rock en México. Tijuana se ha bautizado como "La cuna del rock", y al escuchar ésta metáfora, me hace pensar en cómo fue que llegó esta pequeña esquina del mundo a acurrucar este género extranjero, antes llamado rock’n roll derivado del blues, rhythm and blues y demás variantes del folclore musical afroamericana de Estados Unidos, y darle un toque latino. Tijuana, por su cercanía con Estados Unidos o como lo llaman aquí “el otro lado”, ha tenido una combinación cultural mexicoamericana bastante fuerte. Esto se vio a notar en los años 20’s cuándo ocurrió la Ley Volstead, o Ley Seca en el extranjero, obligando a los estadounidenses venir a las cantinas de la ciudad a embriagarse. Al ser apenas un pequeño pueblo, la ciudad se mantenía económicamente del turismo extranjero, incluso la moneda local de aquellos años era el dólar. Suena irónico decir que el consumo de la región era más sobre productos del other side que ...
Quizás aquellos que no estén muy familiarizados con el rock mexicano se sorprendan de la calidad y amplitud de bandas que han surgido en aquel país, y aún hoy siguen surgiendo. El Ritual es de esas bandas que quizás jamás tendrán el respeto que tienen bandas como Caifanes, jamás tendrán el marketing de Mana o la popularidad de Café Tacuba, sin embargo esta olvidada banda pudo con un solo álbum plasmar una autenticidad que pocos logran, no por nada es considerada como una de las mejores bandas en la historia del rock mexicano. Provenientes de Tijuana, aparecieron en el ámbito musical a finales de los años 60’s, en un momento en que se vivía la "revolución ideológica" tanto en México como en el mundo en general. Estas series de cambios se extendieron más allá de lo social y llegaron al arte, que era el principal medio de expresión que tenían los jóvenes. Si hacemos el paralelismo con lo que pasaba en Argentina podríamos mencionar, por ejemplo, a La Cofradía, entre otros muchos ...
Recordamos el rockandombe en el blog cabezón. Formada inicialmente por Ruben Rada que venía de otro grupo fundamental, El Kinto; Eduardo Useta, Enrique Rey, Mario "Chichito" Cabral, Roberto Galletti y Daniel "Lobito" Lagarde, Totem empezó sus ensayos a fines de 1970 y se disolvió definitivamente en 1974, año para el que Rada y Lagarde ya se habían distanciado. Pero ya habían dejado un huella que quedó como un legado para la música rioplatense. Esto ya estaba en el blog y sirve como punto de partida para completar la trilogía Totem. Algo que no puede faltar en el blog cabezón. Artista: Totem Álbum: Totem Año: 1971 Género: Rock candombe Duración: 40:25 Nacionalidad: Uruguay Una vez, nuestro perdido Conejo de la suerte pidió discos de la primera etapa del Negro Rada ... ¿se acuerdan? ¿no?, bueno, pero yo sí. Así que traigo este disco de Rockandombe. Banda que fue precursora del candombe-beat, o mejor dicho: candombe y rocanrrol tocado con criollo y...
El clima de ruptura está recorrido desde el tándem que abre el disco
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destruida y vuelta a construir una y otra vez. La línea hipnótica de
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la cabeza del líder de la banda, quien en uno de los pasajes más
memorables del mundo repite como un mantra “I’m not here, this is not
happening” (“No estoy acá, no está pasando”), frase que le había dicho
Michael Stipe, líder del grupo R.E.M, cuando en la gira de Ok Computer Yorke se negaba a salir al escenario.
Kid A es también plausible de ser leído desde el hoy como la
visión de la época hecha por la banda de Oxford. La lírica, como
dijimos previamente, si bien en su mayoría fue realizada bajo las
técnicas del “ready made” dadaísta, presenta posturas críticas al
capitalismo y al cambio climático en canciones como “Idioteque”. La
alienación de la vida moderna se refleja en el “Everyone is so near,
everyone got the fear” (“Todo el mundo está tan cerca, todo el mundo
tiene miedo”) de “The National Anthem”.
Ya me estaba dando la pálida... pensé que eran tus palabras! :O
ResponderEliminarMe volvió el alma al cuerpo cuando leí "en los comentarios del Face cabezón" xDD