"Kid A" fue lanzado justo en el momento en que se llevaba a cabo un cambio dramático en la forma en la cual experimentábamos la música, cuando comenzaba a elaborarse una clara distinción entre nuestras concepciones populares de música en formato «físico» y música en formato «digital». Si bien iTunes Store de Apple fue revelado al público unos tres meses después de Kid A, fue Napster, el famoso software de intercambio de archivos peer-to-peer, el que delineó de manera más controversial los desafíos que planteaba la música en formato digital". A 20 años de uno de los puntos fuertes de Radiohead, repasamos un disco que pateó y sigue pateando el tablero musical. Para el año 2000, cuando editaron Kid A, los Radiohead no eran una banda más. Desde la salida de “Creep” en 1993, y tras haber editado The Bends (1995) y Ok Computer (1997), se convirtieron en los favoritos de una prensa musical que los catalogaba como los “nuevos Nirvana”: un grupo que no le tenía miedo a la evolución y al diálogo entre la masividad y la experimentación. Sin embargo, nada de eso le interesaba a la banda liderada por Thom Yorke. La incomodidad con la fama, el miedo a convertirse en unos “one hit wonder”, y el hartazgo en torno al “rock de guitarras” llevaría no sólo a una crisis de identidad del grupo, sino a querer comenzar de nuevo. El resultado es "Kid A", que vería la luz en octubre del año 2000, resultado que volvemos a revisar gracias al aporte de Mariano.
Artista: Radiohead Álbum: Kid A Año: 1997 Género: Rock alternativo / Crossover prog Duración: 46:11 Referencia:Progarchives Nacionalidad: Inglaterra
Una difícil obra maestra, mucho más digerible con el diario del lunes. Porque casi todos sabemos que terminó siendo una enorme obra, pero podría haber sido cualquier otra cosa.. Había que estar en el momento de su lanzamiento.. Podemos anclar a la obra en su tiempo, en su momento, pero para mi humilde entender eso no alcanza. Nada nos prepara para este disco. Y mucho menos para que fuera la continuación inmediata del Everest que resultó Ok Computer. Si hay un disco que debería haber venido con un manual de instrucciones este es uno de ellos. Recuerdo haber comprado el CD, colocarlo en el reproductor y haberme quedado perplejo, uno tras otros los temas., Había poco y nada que se pareciera a una canción, a una pieza de rock. Eran samples, abundancia de FX, pedazos de sonidos, todo parecía un collage sonoro (que no musical) Con bastante orgullo y por el bagaje musical que uno tiene sucedieron varias escuchas completas. La sensación era que el disco era hermético, impenetrable. Quedó abandonado por varios años, le siguieron algunos discos más y para mí, como para algunos que conozco, los Radiohead habían perdido el rumbo. Tenían que ser una banda de estadios, o de culto, o de culto y masiva todo junto, pero tenia que codearse con las grandes bandas de la historia, y sin embargo le dieron la espalda a todo eso. Pero claro, Radiohead TENIA que ser lo que sus fans QUERIAMOS que fuera, no lo que la banda quería ser. No recuerdo el momento exacto en que muchos años más tarde (con algo más de bagaje musical a cuestas) me senté nuevamente a escucharlo, si recuerdo que estaba con auriculares, y como mascullando: "voy por la oportunidad número 20 que te doy" Claro, habían pasado algunos buenos discos y el sublime "In Rainbows" así que la banda volvía a tener enorme crédito conmigo. Lo primero que hice fue dejar mis prejuicios y esperanzas en la puerta de entrada de mi casa. Sacarme de la mente el bailecito de Yorke en Idioteque. Recuerdo pensar que estaba ahí el ADN de Radiohead, más frió, menos "Creep" que nunca, pero eran ellos. La voz de Yorke en cada tema, como tratando de surgir, a veces deliciosamente intimista. Los FX le daban forma a los temas, los asistían en "ideas sonoras" y había canciones/perlas, esas bien Rediojedeanas (escrito así, porque todos decimos, a mi me gusta Radiojed) como Morning Bell o la monumental How to dissapear completely, para mi la punta de lanza del álbum, una síntesis brutal del estado de ánimo de Tom cuando hicieron el disco. Entonces no importa tanto si Phil Selway, ese exquisito baterista, se la pasó programando cajas de ritmos, si Collin Greenwood se pasó en ese entonces a los bajos electrónicos, o si la exquisita dupla de guitarras de Johnny y Ed O Brien pusieron todo al servicio de los paisajes sonoros, dándonos pocos acordes y menos riffs (ahí está el de The National Anthem) lo que importa es cómo funciona. Entonces si, Idioteque puede sonar más humano que muchos políticos, porque cuando "Viene la Era de Hielo" ( o si se lo quiere cambiar por el COVID) somos todos tan iguales...Todo eso es Kid A, una de las pateadas de tablero más grandes que se haya visto. Luego lo volverían a hacer, pero Kid A, no dejó nada en pie, a veces la única forma de comenzar de nuevo.
Hernán Martínez en los comentarios del Face cabezón
Me parece que el mejor comentario al disco es uno que publicamos en el blog cabeza hace tiempo, así que vamos a él...
"Kid A", O La Potencia de la Crisis
¿Todo está en su lugar correcto?
El disco marca un claro corte con sus trabajos previos, así como con
el mainstream alternativo de la década que quedaba atrás. Influenciado
tanto por el kraut rock y la música electrónica alemana de la década del
70, así como también por la electrónica experimental de Aphex Twin,
Radiohead musicalizaría como nadie el clima de incertidumbre de
principios de milenio. Parte de la crítica lo destrozó y los fans
corrieron a devolver las copias físicas del disco. Kid A profundizaría una tendencia del grupo: el desafiar al público disco a disco.
Todo elemento de luz que podía sobrevivir fue borrado. La voz de Thom
Yorke fue procesada, destrozada y manipulada por vocoders y filtros
varios. Las (ya de por sí) intrincadas letras de la banda pasaron a ser
compuestas mediante técnicas dadaístas. Las guitarras guilmourianas de
Jonny Greenwood y Ed O’Brien fueron suplantadas por sintetizadores,
ondas Martenot y máquinas de ritmos. La base rítmica de Colin Greenwood y
Phil Selway cobraría más peso, influenciada por el free jazz. La
atmósfera del disco sería prefigurada por la tapa de montañas heladas a
través del arte digital de Stanley Donwood.
El clima de ruptura está recorrido desde el tándem que abre el disco
“Everything in its right place”/ “Kid A”, donde la voz de Thom Yorke es
destruida y vuelta a construir una y otra vez. La línea hipnótica de
bajo y el estruendo final de “The National Anthem” suenan como una jam
jazzera infernal. En “How to dissapear completely” nos introducimos en
la cabeza del líder de la banda, quien en uno de los pasajes más
memorables del mundo repite como un mantra “I’m not here, this is not
happening” (“No estoy acá, no está pasando”), frase que le había dicho
Michael Stipe, líder del grupo R.E.M, cuando en la gira de Ok Computer Yorke se negaba a salir al escenario.
Quizás sea “In Limbo” la canción que mejor resume el espíritu del
álbum: “I’m lost at sea, don’t bother me. I’ve lost my way” (“Estoy
perdido en el mar, no me molestes. Perdí el camino”) suena sobre un
colchón de guitarras que no suenan como tales y una base rítmica
esquizofrénica. Esa misma esquizofrenia rítmica y el pánico de la vida
bajo el neoliberalismo tomaría cuerpo en la canción bailable menos
bailable del mundo, “Idioteque”. “Morning Bell” sería la versión
radioheadiana (en palabras de Ed O’Brien) de Joy Division, mientras que
“Motion picture soundtrack” es el cierre desgarrador bajo la promesa de
reencontrarse “en otra vida” con un ser amado.
El pez grande comiéndose al pequeño
Kid A es también plausible de ser leído desde el hoy como la
visión de la época hecha por la banda de Oxford. La lírica, como
dijimos previamente, si bien en su mayoría fue realizada bajo las
técnicas del “ready made” dadaísta, presenta posturas críticas al
capitalismo y al cambio climático en canciones como “Idioteque”. La
alienación de la vida moderna se refleja en el “Everyone is so near,
everyone got the fear” (“Todo el mundo está tan cerca, todo el mundo
tiene miedo”) de “The National Anthem”.
La banda, por otro lado, iba relatando el día a día de las sesiones
de grabación en un diario digital, donde recomendaban la lectura de No Logo
de Naom Klein (la banda pensó seriamente en titular el disco como el
libro de la autora canadiense). La negativa a dar entrevistas, editar
singles o videos, así como una gira de presentación del álbum en una
carpa libre de anuncios de marcas comerciales, muestran a una banda que
comenzaba a marcar una crítica más afilada a las corporaciones.
Asimismo, la gran cantidad de descargas por los en ese momento
incipientes servicios de descarga como Napster facilitaron que versiones
filtradas del disco llegasen al público antes de la edición oficial. En
lugar de mostrar indignación, el grupo vio esto como algo favorable
para la difusión, poniendo en jaque la lógica de la industria musical.
Esto realmente está pasando
Existe un temor a la potencialidad disolvente de la crisis y a las
subjetividades engendradas por la misma: se la(s) ve como algo a
normalizar, a ordenar. Kid A nos sigue interpelando en un año
como el 2020 porque es una narrativa musical de la crisis. Leer desde el
hoy el disco de Radiohead nos permite comprender como la banda abrazó
la incertidumbre y construyó un planteo artístico nuevo, rupturista,
(post)modernista.
Las posibilidades abiertas por la crisis llevaron a la innovación.
Frente a la amenaza de normalización, la banda optó por aventurarse en
la incertidumbre. El resultado fue una de las obras más potentes de lo
que va del siglo XXI. A 20 años de su edición, Kid A y Radiohead nos siguen invitando a pensar las incomodidades como potencias creadoras.
Lista de Temas: 1. Everything in Its Right Place (4:11) 2. Kid A (4:44) 3. The National Anthem (5:51) 4. How to Disappear Completely (5:56) 5. Treefingers (3:42) 6. Optimistic (5:15) 7. In Limbo (3:31) 8. Idioteque (5:09) 9. Morning Bell (4:35) 10. Motion Picture Soundtrack (3:17) [+ untitled hidden track]
Alineación:- Thom Yorke / vocals, programming, keyboard, guitar, bass guitar - Ed O'Brien / guitar, programming - Jonny Greenwood / Ondes Martenot, guitar, string arrangements, sampler - Colin Greenwood / bass, sampler - Phil Selway / drums, percussion, programming With: - The Orchestra of St. John's / strings - John Lubbock / conductor - Henry Binns / rhythm sampling (3) - Paul Lansky / sample of "Mild und Leise" (8) - Arthur Kreiger / sample of "Short Piece" (8) Hook Horns (3): - Andy Bush / trumpet - Mark Lockheart / tenor sax - Andy Hamilton / tenor sax - Steve Hamilton / alto sax - Stan Harrison / baritone sax - Martin Hathaway / alto sax - Mike Kearsey / bass trombone - Liam Kerkman / trombone
Quizás hay que aclararlo de entrada: la siguiente lista no está armada por nosotros, y la idea de presentarla aquí no es porque se propone como una demostración objetiva de cuales obras tenemos o no que tener en cuenta, ya que en ella faltan (y desde mi perspectiva, también sobran) muchas obras indispensables del rock argento, aunque quizás no tan masificadas. Pero sí tenemos algunos discos indispensables del rock argentino que nadie interesado en la materia debería dejar de tener en cuenta. Y ojo que en el blog cabezón no tratamos de crear un ranking de los "mejores" ni los más "exitosos" ya que nos importa un carajo el éxito y lo "mejor" es solamente subjetivo, pero sobretodo nos espanta el concepto de tratar de imponer una opinión, un solo punto de vista y un sola manera de ver las cosas. Todo comenzó allá por mediados de los años 60, cuando Litto Nebbia y Tanguito escribieron la primera canción, Moris grabó el primer disco, Almendra fue el primer
Nuestro amigo Julio Moya sigue con su tarea de palentólogo del rock latinoamericano y ahora nos presenta la historia de Los Grillos, y resumiendo les diría que si Jethro Tull hubiera sido andino, probablemente hubiese grabado este disco, ya que encontrarás flautas similares a Ian Anderson, junto con instrumentos de viento autóctonos. Un disco con 8 temas con una duración total que no alcanza la media hora. De alguna manera puede trazarse un paralelismo con Los Jaivas de Chile, pero se debe tener en cuenta que la raíz folclórica es diferente y con un sonido propio de altiplano. Aquí, uno de los discos más importantes de la historia del rock en Bolivia, y una de las mayores joyas del rock boliviano, expresión del folk rock temprano donde Los Grillos fundadon el sonido del Neo Folclore Andino, incursionando en el Moog a modo de "sintetizador andino". Si disfrutaste de "Alturas de Macchu Picchu" de Los Jaivas, o los bolivianos Wara o los argentinos Contraluz, descubrirá
“Si vinieron para que les hable de mí, me voy –dijo Luis Alberto Spinetta al tomar el micrófono–. Yo les voy a hablar de la música en una faz filosófica: del origen de la materia sonora y su repercusión en la civilización. Y solo contestaré preguntas sobre eso, no sobre Spinetta.” Eran pasadas las 19.30 del lunes 2 de julio de 1990 cuando el Flaco dio comienzo a su “clínica de poesía musical” en la Casa Suiza –ubicada en Rodríguez Peña 254 de la ciudad de Buenos Aires–, con entrada libre y gratuita, ante más de cuatrocientas personas. Años después, esa charla se convertiría en un libro apócrifo: El sonido primordial. Por Patricio Féminis Esta es la historia de aquella conferencia de Spinetta que llegaría a tener una edición pirata, como si fuera un libro suyo, y que llegaría a venderse por dos editoriales distintas en Mercado Libre. Aquel lunes invernal de 1990, el guitarrista, cantante y creador asistió para exponer en la Casa Suiza (hoy tapiada por un edificio en construcción)
Mucho antes de agitar la primavera alfonsinista de la recién llegada democracia con la segunda encarnación de Los Abuelos de la Nada allá por los años 80, había nacido en Francia la primera versión de esta agrupación, pariendo además un disco maldito del que poco se llegó a conocer por estos parajes, e inclusive la primera edición para el mercado argentino de este disco salió no hace mucho. Un disco particular, donde hay hard rock, psicodelia, experimentación, y además una historia muy rica donde terminan apareciendo muchos de los máximos referentes del rock argentino, y donde Miguel Abuelo, ese niño de la calle devenido en poeta iluminado por la psicodelia y el folclore del noroeste es el protagonista casi casi, principal. Recién lo acabamos de presentar y ahora revivimos este disco tan particular. Un disco de culto que no puede estar afuera del blog cabeza. Artista: Miguel Abuelo & Nada Álbum: Miguel Abuelo & Nada Año: 1973 Género: Hard rock / Rock psicodélico Duració
Como corresponde al comienzo de semana, empezamos un lunes con un gran disco, y ahora de una de esas nuevas bandas que no tienen nada que envidiarle a los grandes monstruos de antaño. ahora con su segundo y último disco. En una entrega totalmente instrumental y a lo largo de todo el disco estos músicos ingleses nos brindan una exposición de como un disco puede ser melódico, apasionado, imaginativo, complejo, temerario, dinámico, adrenalítico y muchos adjetivos más que no alcanzan para describir toda la música de estos chicos, ahora arremetiendo con temas que fueron creados en sus inicios, incluso que fueron interpretados en vivo pero nunca grabados, y razones tienen ya que este material no da para que se pierda en el olvido, ya que este álbum suena tan hermoso como se ve su portada. Cinco temas que son técnicamente brillantes y que recuerdan a una colisión entre Zappa y Camel. Una fusión de folk, jazz y Canterbury que es tan psicodélica como progresiva, intensamente melódica y fá
Para terminar la semana presentamos un disco doble muy especial, desde Ecuador presentamos a una banda que ya tiene un nombre particular que los define: Boson de Higgs, que como ópera prima se manda con un concepto inspirado en el cosmos, la astronomía en un viaje interestelar de 15 temas que tienen además su versión audiovisual, en un esfuerzo enorme que propone la divulgación científica y cultural de un modo nuevo, donde se aúnan la lírica en castellano, el rock alternativo, la psicodelia, el space rock, el hard rock y el rock progresivo. Un álbum doble sumamente ambicioso, con muy buenas letras y musicalmente muy bien logrado y entretenido en todos sus temas (algo muy difícil de conseguir, más pensando si es su primera producción) y donde puede verse en todo su esplendor en su versión audiovisual que obviamente no está presentado aquí salvo en algunos videos, pero que pueden ver en la red. En definitiva, dos discos muy buenos y realmente asombrosos para que tengan para entretenerse
Entre el stoner rock, el doom y el heavy progresivo, con muchos riffs estupendos para todos y por todos lados, mucha adrenalina y potencia para un disco que en su conjunto resulta sorprendente. El segundo disco de una banda sueca que en todo momento despliega su propio sonido, a 4 años desde su anterior álbum, "Earth". Saltarás planetas, verás colisionar cuerpos celestes, atravesarás galaxias y te verás arrastrado hacia la nada que lo abarca todo, conocerás el vacío y el fuego abrasador de los soles, y también encontrarás algunos arcoíris desplegándose bajo el cielo bermellón. He aquí un viaje interestelar por el universo de los sonidos, en una búsqueda tremenda y desgarradora, un disco muy bien logrado, que muestra una de las facetas de los sonidos de hoy, donde bandas deambulan por el under de todos lados del mundo en pos de su propio sonido y su propia identidad, y también (al igual que muchos de nosotros) su lugar en el mundo terrenal, tan real y doloroso. Los invito
Conferencia de Luis Alberto Spinetta... "La verdadera maravilla sonora está en la vida antes que en cualquier música organizada y compuesta por el hombre"; así podría condensarse el mensaje esencial de la Clínica de Poesía Musical que diera un artista argentino que desde siempre le brindara a la música su propia naturaleza generosa en exploración sensible y con una actitud de constante sorpresa ante la poética vastedad del mundo. En el invierno de 1990, Luis Alberto Spinetta aprovechó un ciclo de clínicas musicales dictados por músicos de la cultura rock argentina, no para hablar de su trayectoria o contar detalles de sus grabaciones que pudieran servirle a un auditorio en su mayoría músicos, sino para exponer una temática poco habitual en estos encuentros: partir del instante donde el hombre ancestral tuvo su primer contacto con la materia sonora, donde la sorpresa frente a la magia de la naturaleza fue el primer paso para la creación musical. Basada fundamentalmente en
Vamos con otro disco del guitarrista chileno Mauricio Ibáñez, que ya habíamos presentado en el blog cabeza, mayormente instrumental, atmosférico, plagado de climas y de buen gusto, "Shades of Light & Darkness" es un álbum que muestra diferentes géneros musicales y estados de ánimo. Se relaciona con diferentes aspectos de la vida humana, como la sensación de asombro, crecer, lidiar con una relación problemática, el éxito y el fracaso, luchar por nuestros propios sueños y más. Cada una de las canciones habita un mundo sonoro único, algunas canciones tienen un tono más claro y otras más oscuras, de ahí el título, con temas muy agradables, melancólicos, soñadoros, algunos más oscuros y tensos, donde priman las melodías cristalinas y los aires ensoñadores. Un lindo trabajo que les entrego en el día del trabajador, regalito del blog cabezón!. Artista: Mauricio Ibáñez Álbum: Shades of Light & Darkness Año: 2016 Género: Progresivo atmosférico Duración: 62:34 Refe
En nuestra recorrida por el rock mexicano hoy revisamos un disco humilde pero bien logrado, sin esperar demasiado tampoco, y copio un comentario que hace referencia justamente a ello: "Es refrescante escuchar a músicos que se limitaban a hacer lo que les venía en gana, sin preocuparse de ser considerados autores geniales y con ideas nuevas. Los Dos eran Allan y Salvador, un dúo muy limitado musicalmente; no obstante, esas carencias la suplen con honestidad: mucha honestidad. Su mezcla, algo burda, de rock-folk, música tradicional latina y canto nuevo chileno, tiene momentos por demás emotivos y conmovedores. Sus letras eran muy sencillas y poco rebuscadas, en su mayoría acerca del amor". Disco raro, muy poca información se encuentra en la red, a mi parecer uno de los pocos discos hechos en México en los 70’s con un sonido muy jipi y folk. Eso lo describe bien, bien jipi y folk... Artista: Los Dos Álbum: Caminos Año: 1974 Género: Rock psicodélico / Folk rock Dura
El clima de ruptura está recorrido desde el tándem que abre el disco
“Everything in its right place”/ “Kid A”, donde la voz de Thom Yorke es
destruida y vuelta a construir una y otra vez. La línea hipnótica de
bajo y el estruendo final de “The National Anthem” suenan como una jam
jazzera infernal. En “How to dissapear completely” nos introducimos en
la cabeza del líder de la banda, quien en uno de los pasajes más
memorables del mundo repite como un mantra “I’m not here, this is not
happening” (“No estoy acá, no está pasando”), frase que le había dicho
Michael Stipe, líder del grupo R.E.M, cuando en la gira de Ok Computer Yorke se negaba a salir al escenario.
Kid A es también plausible de ser leído desde el hoy como la
visión de la época hecha por la banda de Oxford. La lírica, como
dijimos previamente, si bien en su mayoría fue realizada bajo las
técnicas del “ready made” dadaísta, presenta posturas críticas al
capitalismo y al cambio climático en canciones como “Idioteque”. La
alienación de la vida moderna se refleja en el “Everyone is so near,
everyone got the fear” (“Todo el mundo está tan cerca, todo el mundo
tiene miedo”) de “The National Anthem”.
Ya me estaba dando la pálida... pensé que eran tus palabras! :O
ResponderEliminarMe volvió el alma al cuerpo cuando leí "en los comentarios del Face cabezón" xDD