Mujeres, Musas, Fundadoras de la Música Vanguardista (y la Madre del Rock Progresivo)
De
Rafa Nori
En
el día Internacional de la mujer
La música electrónica, Doctor Who y el dibujo de la voz
tuvieron un mismo principio: dar vida a lo que solo mujeres Avant-Garde fueron
capaces de imaginar y lo que solo una historia sesgada fue capaz de silenciar.
Es por ello que en Pantalla sonora presentamos a mujeres que flecharon a la
música, derrocando barreras y definiendo un antes y un después en la historia
sonora.
El sesgo de la historia por una visión masculina es casi tan
antiguo como la historia misma y la música no ha sido excluyente con este
fenómeno, pero grandes descubrimientos conllevan grandes mentes, mentes capaces
de seguir sus propios consejos delirantes y totalmente omisas de los
impedimentos de época, género, raza o religión. Así, los créditos de la
historia se ven lastimados por visiones unilaterales, mayormente masculinas y
totalmente desbalanceadas, pero que, en las manos correctas, cobran un nuevo y
poderoso sentido, donde la historia no se repite, sólo se mejora.
Es por ello que presentamos a tres mujeres inglesas que
flecharon a la producción sonora y fueron capaces de romper barreras y definir
un antes y un después en las entrañas del audio.
Oram y el arte de dibujar la música
Pasando drásticamente de la enfermería a las artes, la
inglesa Daphne Blake Oram contaba con un antecedente clásico, donde el piano,
el órgano y la composición le otorgaron una oferta en el Royal College of
Music, una institución un tanto insuficiente a las necesidades de Oram, quien,
sin mucho hesitar, rechazó el cupo.
Así, con la Segunda Guerra Mundial en puerta, la BBC y todo
aquello que no fuera el ejército se encontraba baja en elementos masculinos,
por lo que Daphne, quien hasta ese entonces era ingeniera en audio en la
radiodifusora, se encargó de mezclar los sonidos que captaban los micrófonos en
los conciertos, un trabajo meticuloso que debía hacerse en directo por las
complejidades y altos costos de lo que en ese entonces implicaban las
grabaciones.
Años después y confrontando las grandes fuerzas masculinas,
Oram se unió al también ingeniero en audio, Desmond Briscoe y juntos fundaron
el Radiophonic Workshop, una unidad que la BBC quiso dedicar a la creación de
efectos sonoros y musicales para radio, pero que, tras múltiples conflictos y
escaso financiamiento, motivaron a Oram a presentar su renuncia y montar su
propio estudio. Ahí fue donde sucedió la magia; con algunos jingles para Lego y
Nestea, el estudio mantuvo la fuerza suficiente para financiar el gran proyecto
de su vida: Oramics, una visión orgánica, imperfecta y aventurera que tenía un
principio casi místico: todo aquel que sea capaz de dibujar simples líneas, es,
por lo tanto, capaz de componer.
Un sistema basado en cintas de cristal que, al cruzar
elementos sensibles a la luz, permitían a las marcas de la película leer las
alteraciones de las ondas, traduciéndolas como modificaciones en el tono y
volumen, generando nuevos sonidos y marcando para siempre la música,
desvinculando por primera vez el sonido acústico para crear obras íntegramente
electrónicas y permitiendo sintetizar y componer al mismo tiempo. Fue también
en esta máquina que, en 1949, Daphne crearía Still Point, considerada como la
primera obra que mezclaba sonidos de orquesta acústica con manipulación
electrónica en directo.
Doctor Who, The Delian Mode y Pink Floyd
Burbujas de viento y sonido de nubes. Dos instrucciones tan
inverosímiles como complejas que llevaron a la británica Delia Derbyshire a
crear uno de los temas más reconocidos de la ciencia ficción televisiva. Así,
Doctor Who obtuvo la cereza en el pastel con una intro sideral y desenfrenada
como la serie misma.
Con una trayectoria marcada por sonidos propios del siglo
XXI, Delia Derbyshire, nacida en 1937 en Inglaterra, demostró tenacidad con dos
carreras terminadas, una en matemáticas y la otra en música, así como en su
incursión a la difícil industria musical cuando la disquera Decca Records
rechazó su petición para trabajar con ellos, dándole vuelta a la página y
llegando a la Unión Internacional de Telecomunicaciones de la ONU en Ginebra.
Un año después y de vuelta en Inglaterra, entró como
asistente de gerente de estudio en la BBC, donde encontraría el taller de la
recién mencionada Daphne Oram y se dejaría seducir por las infinitas
posibilidades experimentales que dicho departamento tenía para ofrecer.
Apasionada por teorías de la percepción del sonido y de los cambios en el
estado de ánimo de la audiencia a través de fuentes electrónicas, recibió a sus
26 años una solicitud importante: debía interpretar una composición de Ron
Granier para un nuevo show que narraba las aventuras de un viajero en el tiempo
y el espacio. Por su larga trayectoria creando proyectos de corte fantástico,
en donde monstruos, robots y hombres del espacio eran los protagonistas de la
historia, Delia entregó una pieza capaz de capturar el tono fantasioso del
programa.
En una década donde los ordenadores y los softwares de
edición de audio eran una cuestión de tinta y papel, Delia trabajaba de manera
rudimentaria. Cintas magnéticas dejaban rastro de los instrumentos o de los
sonidos de la naturaleza que posteriormente, mezclaba con grabadoras que le
permitían explorar agudos, graves, ecos, y todo tipo de modificaciones que
volvieran a la fuente inicial, un elemento prácticamente indistinguible.
Años después, la inglesa estaría recibiendo en su estudio a
bandas como The Beach Boys, The Beatles y Pink Floyd, volteando la mirada de
estos dos últimos grupos al estudio como un instrumento por sí mismo, y dándole
a Delia el título de Madre del Rock Progresivo.
Flores de voz de Watts
Reino Unido, 1842. Margaret Watts Hughes se estrena en el
mundo. Una cantante, compositora y posteriormente científica galesa, que uniría
las dos grandes pasiones de su vida para asombrar al ojo humano con un logro
inesperado: visualizar la voz humana.
Su invento, el eidófono, era un instrumento de funcionalidad
aparentemente sencilla; compuesto de un tubo, un receptor y una membrana
flexible de goma muy fina cubierta inicialmente de arena y después de polvo de
licopodio, permitía dibujar sobre estas figuras geométricas extraordinariamente
bien definidas y frecuentemente muy bellas, todo a partir de la resonancia de
la voz.
Su invento atravesaría pequeñas metamorfosis con sus debidas
mejoras, utilizando algún líquido como agua o leche, lo que le permitió
comprobar que el tono de su voz modificaba la imagen, y que era preciso hacer
un uso específico, pues una nota cantada con gran fuerza elevaba el líquido,
generando movimientos violentos que impedían mantener el registro. Después la
sustancia se sustituyó por glicerina y talco humedecido, donde la densidad
facilitaba el elemento de la volatilidad, generando imágenes aún más sofisticadas
y controladas.
Siguiendo sus experimentos, Watts plasmó en su texto de 1891
Sonido visible: Figuras-voz, que, en su aparato, además de plasmar el
movimiento emitido por la voz, ciertas curvas registraban sobre tonos
inaudibles, permitiéndole al ojo percibir lo que el oído no.
Otro disco desconocido y recontra recomendado. Recordamos otra belleza desconocida, otro genial disco que aterrizó en el blog cabezón, un discazo de una genial agrupación francesa, otra joya desconocida que hizo su aparición en el blog y no podemos dejar de recomendar encarecidamente que lo escuchen y conozcan. Zeuhl de la vieja escuela pero en los tiempos de hoy, para oídos expertos, o para espíritus jóvenes repletos de búsqueda musical, VAK los va a mantener un buen rato con los oídos ocupados, otra gran aventura que te propone el blog cabezón: "Ya hacía falta por aquí algo de Zeuhl puro sin disolver. Zeuhl recién horneado pero en esta ocasión hediondo a vieja escuela. Hecho en Francia para que la cuña apriete, Aedividea rebosa de momentos muy familiares para el escucha kobaiano, quien rapidamente se sentirá identificado con el más clásico Magma, Weidorje, Eider Estellaire y hasta Eskaton (lo juro por sus 4 visiones...). Con el obvio añadido de la tecnología actual, VAK recrea ...
Quizás hay que aclararlo de entrada: la siguiente lista no está armada por nosotros, y la idea de presentarla aquí no es porque se propone como una demostración objetiva de cuales obras tenemos o no que tener en cuenta, ya que en ella faltan (y desde mi perspectiva, también sobran) muchas obras indispensables del rock argento, aunque quizás no tan masificadas. Pero sí tenemos algunos discos indispensables del rock argentino que nadie interesado en la materia debería dejar de tener en cuenta. Y ojo que en el blog cabezón no tratamos de crear un ranking de los "mejores" ni los más "exitosos" ya que nos importa un carajo el éxito y lo "mejor" es solamente subjetivo, pero sobretodo nos espanta el concepto de tratar de imponer una opinión, un solo punto de vista y un sola manera de ver las cosas. Todo comenzó allá por mediados de los años 60, cuando Litto Nebbia y Tanguito escribieron la primera canción, Moris grabó el primer disco, Almendra fue el primer ...
Y seguimos con nuestra saga de algo de lo mejor que ha dado Chile a la música universal, y recordamos al grupo de "fusión subversivo", uno de los mejores grupos que nos ha dado Chile, revolucionarios, talentosos, experimentales, lindando entre el rock progresivo, el jazz rock y el RIO, con Frank Zappa y Hermeto Pascoal como referencias principales, se dedicaron a la revolución cultural y con una postura ácida y contestataria en plena dictadura militar. Su arte fue reconocido mundialmente y han influido en gente como Mike Patton, por ejemplo. Fulano inventó uno de los sonidos más novedosos escuchados en la tradición de música chilena, con teclados, percusiones e instrumentos de viento como eje de su lenguaje, el sexteto se puso por encima de categorías, y encabezando la vanguardia. Sus discos nunca fueron masivos ni tuvieron éxitos comerciales, pero abrieron caminos insospechados en los sonidos hechos en Chile. Aquí con un recopilatorio de algunos de sus mejores temas hasta el...
"Akenathon en vivo tiene ese aire místico mezcla con taller mecánico, la complejidad y la simpleza..." se ha dicho de esta buena banda platense, un álbum relativamente sencillo pero efectivo y sumamente ecléctico, donde conviven lo sinfónico, el rock, el tango, el blues, y mil cosas más, dando como resultado un álbum único, personal y muy bueno, ya que el grupo plasmó en este trabajo un sonido principalmente encuadrado en el rock progresivo y sinfónico, mechado con influencias del jazz, blues, matices de hard rock, sutiles pasajes folklóricos y baladas. Se los recomiendo mucho si aún no los conocen. Artista: Akenathon Álbum: Peregrino Año: 2010 Género: Eclectic Prog Nacionalidad: Argentina Vamos a recordar el primer álbum de Akenathón , una de las bandas que más empuje le viene dando a esta gran muestra de dinamismo y actividad que tiene hoy en día la ciudad de La Plata en cuanto la cultura prog. Y para quienes no los conozcan, Akenathon "La mística del ...
Otro de los discos destacados del blog, disco solista de Farrugia, fundador de Psiglo y ex miembro de Crucis, quien supo tocar con Días de Blues y Pappo, quien fuera responsable de la nueva versión del Himno Nacional Mexicano, la cual fue adoptada como la versión oficial... una bestia en la batería que dejó su nombre grabado a fuego en el rock latinoamericano. Y les dejo las siguientes palabras de Carlos M.: "Sin duda me quedo pensando que algo debe suceder en el Uruguay, una ciudad y una cultura que permite que los pensamientos y la creatividad vuelen por todas partes y con todos los elementos que para algunos no sería bueno mezclar, pero para estos uruguayos les importa poco y fusionan todo lo que se les da la gana". Aquí, su disco solista... Artista: Gonzalo Farrugia Álbum: Stellium Año: 1999 Género: Progresivo ecléctico Duración: 50:42 Nacionalidad: Uruguay No sé si catalogarlo como un disco histórico, sino más bien un disco de un histórico, y si no saben ...
Como cada viernes nos gusta hacer, y más si estamos en la antesala de un fin de semana largo, los queremos llenar de música para que se acuerden de este maravilloso blog cabeza, y por eso ahora saltamos de estilo y de país, nos vamos a Argentina para recordar a unos pibes que se mandaron un muy lindo disco de metal progresivo. Ellos se llamaron Simetría Imperfecta, cultivaron un estilo que unía el sonido de Pain of Salvation, Symphony X y Dream Theater con mucha dignidad y buscando siempre sus propias formas y desarrollos. Un trabajo honesto que dignifica a lo grande el paradigma histórico del metal argento y también ensalza muy solventemente el ideal de la música progresiva a punta de vigor y potencia. Otra cosita para que conozcan en el finde largo y no nos extrañen tanto! Y ya el martes volveremos a tratar de hacer de hacerte estallar esa cabecita de Moog que tenés al pedo, a fuerza de pura buena música. Artista: Simetria Imperfecta Álbum: Otra Realidad Año: 2011 Género: ...
Y seguimos con Ficción y su rock sinfónico venezolano que ya hemos presentado oportunamente, aquí vamos con su segundo disco. Quizás menos inspirado que el primero, el disco entrega 8 temas nuevos, y 5 son instrumentales, y se nota la química y la gran interacción entre los músicos, entregando potencia y dinámica, porque si hay un baluarte histórico y oculto dentro del rock progresivo y sinfónico latinoamericano que decidió desafiar el paso del tiempo con una entrega de madurez y virtuosismo instrumental, ese es este emblemático grupo. "Sobre La Cresta De La Ola", los encuentra consolidando una propuesta que cruza el pulso clásico de las grandes catedrales sinfónicas de los setenta con la pegada enérgica del jazz-rock instrumental y la vanguardia. Hablamos de un disco donde la instrumentación toma el rol protagónico absoluto con una predominancia de temas donde el diálogo musical habla por sí solo, demostrando que la química de la banda seguía tan afilada como en sus mejor...
Definieron su música como "eclectisismo antihegemonico", y con eso tenemos una cierta idea de lo que desarrollaron tan bien. Comenzamos la semana con más Fulano y más del mejor rock chileno, en uno de los rescates culturales de cosas que nunca tendrían que quedar en el olvido, esta vez con uno de los grupos musicales más inquietos de Chile, en un registro en vivo donde el histriónico Jaime Vivanco aún estaba en el mundo de los vivos (un artista que no dejó de sorprender aún luego de su trágica muerte), junto a monstruos como Jorge Campos, Arlette Jequier, Cristian Crisosto, Jaime Vasquez y Paul Aliaga. Siempre fieles a su inquietud más que a cualquier otra convicción, generando un espacio de contracultura y resistencia musical en tiempos de dictadura, y creando esa especie de R.I.O. y Avant Garde contestatario que a pesar de todas las predicciones y suposiciones, tuvo éxito! Aquí, una extrañeza tremendamente particular, fuera de lo común y por demás talentosa, demostrando por...
Ya presentamos al elegante y excelso guitarrista Stephan Thelen y mencionamos que Sonar es su banda principal, y este es un discazo que se alzó como uno de los mejores discos del 2023, al menos eso es lo que dicen los muchachos de Progarchives. Rock In Opposition, Avant-Prog, Math Rock y Experimental, concebido y compuesto por Sonar, con la participación de David Torn (Tori Amos, Bill Bruford, Tony Levin, David Sylvian, Michael Shrieve, Steve Roach, Don Cherry y un largo etcétera) en arreglos improvisaciones y J. Peter Schwalm (compositor alemán muy relacionado con el trabajo de Brian Eno, además de componer música electrónica y ambiental para cine, teatro, radio, ballet y otro largo etcétera) y otro músicos adicionales que aportan lo suyo para crear tres movimientos basados en la matemática aplicada a lo rítmico, que crea un verdadero ritual sonoro, ideal como para empezar la semana, que aunque sea corta, la llenaremos de música y de buenas vibras. No pueden dejarlo pasar, más ...
Seguimos con los buenos discos chilenos en nuestra saga especial, y continuamos también con el enorme grupo Fulano, en uno de los discos emblemáticos de esta banda de culto. Excelencia al por mayor con el supergrupo Fulano (miren su alineación, para caerse de culo), un proyecto que surge en los años ochenta, en plena dictadura y en un contexto de represión creativa que veía nacer ídolos de dudoso talento, su mezcla vanguardista y alocada juega en un eje de Jazz-fusión y R.I.O. a la chilena. Lograron un sonido tan enfermizamente lúdico que hacía vibrar; la banda desafió los límites musicales, límites impuestos por el consumo, por la represión, por la falta de ideas, y en ese contexto se convirtieron en una ola de aire fresco en una sociedad asfixiada, creando una mixtura de jazz-rock, avant-garde y todo aquello que les pareciese conveniente. A pesar de sus innegables influencias de Frank Zappa, Henry Cow y bandas de Canterbury, Fulano tuvo siempre una identidad propia, quizás por su ape...
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