No Se Banca Más (IV): Análisis de Serú Girán y su Obra Maestra "La Grasa de las Capitales"

En el último post musical estuvimos hablando de los inicios de Serú Girán; su primer álbum homónimo, las complicaciones, el proceso de creación y todo acerca del artwork y su significado. Fue una increíble experiencia indagar en la vida de músicos tan importantes que en el proceso de su investigación, lograron cambiarme la vida en tan sólo un par de días. Solíamos comparar a Serú con The Beatles, pero sólo en teoría por como ocurrieron algunas cosas en la parte personal y creativa de la banda. En la primera parte de este post estaremos hablando acerca del contexto histórico, las críticas, su segundo álbum, el cual es una increíble obra maestra y aquella Argentina llena de oscuridad que los cubría todos los días. Esa oscuridad fue la que hizo que el rock nacional se catapultara como la máxima representación artística de aquella gente que sólo pedía justicia en el país.

Por Aida Rojas

Entender el contexto político de Argentina es complicado. Argentina se encontraba en una dictadura militar donde el rock nacional y la juventud era considerados "los enemigos". El gobierno solía tener un discurso manipulador, contradictorio pero al mismo tiempo bien pensado, el cual servía para manipular la población y silenciar los gritos de guerra. Habían incluso, listas negras de artistas con mensajes "manipuladores" que buscaban "retorcer" la visión de la gente, principalmente los jóvenes, quienes aparentemente se volvían rebeldes escuchando rock. El rock nacional era el principal enemigo; las letras de las canciones con jugoso contenido ideológico y político convertía a la gente en "posibles opositores". Muchas personas eran encarceladas, condenadas o asesinadas por su manera de pensar.

Aquellos tiempos difíciles le brindaron a la banda el trabajo musical más increíble de toda su carrera musical, su segundo disco "La grasa de las capitales", el disco que reconcilió la conexión entre el público argentino y la formación de Serú Girán. Un disco que criticaba directamente a la prensa amarillista, a la gente falsa en televisión y aquellos medios de comunicación que censuraban la verdad con alegría y plasticidad. Esa fue la crítica directa de Serú Girán, influenciada principalmente por Charly.

Como bien sabemos, el arte más sorprendente nace en tiempos de crisis. Así sucede en todos los países, y siendo latinoamericanos, se acentúa más la necesidad de crear arte en base a la constante oscuridad política que sufre Latinoamérica. A raíz de la crisis política que sufría Argentina, los artistas se la arreglaron para utilizar sus recursos comunicativos para transmitir sus mensajes a través de metáforas, referencias disfrazadas y vacíos textuales que aceleraron la habilidad de las personas para entender qué es lo que había detrás de simple palabras o a través de esos versos incompletos. El rock en Argentina estaba completamente vetado de las emisoras de radio y de los medios de comunicación, los festivales de música comenzaron a desaparecer y la emigración de músicos fue masiva. Muchos se iban a Uruguay, otros a Brasil, como en el caso de Serú Girán, a seguir haciendo música sin limitaciones ni paranoia. Sin embargo, los artistas argentinos (tanto los regados por el mundo como los que aún habitaban en el país) encontraron una manera de hacer arte conectada totalmente a sus ideales y a lo que quería la gente. Buscaban hacer un mensaje jugoso, inteligente y bien planeado que tuviera muchísimas interpretaciones y que la gente pudiera decodificar fácilmente los mensajes, mensajes con alusiones políticas sin necesidad de caer en riesgos con la ley. Por supuesto, el gobierno los mantenía en la mira y conseguía nuevas formas de enterrar el mensaje, pero ellos nunca pararon. De esta forma, las bandas y solistas empezaron a realizar recitales en cafés pequeños o en sótanos caseros. Grababan sus trabajos en casettes para compartirlos con amigos y allegados, ya que la radio no transmitía sus canciones.

Más que una guerra política, era una guerra mental en contra de la población, la gente estaba muy asustada, estaba traumatizada. Se sentían vigilados, observados, todos los días moría gente en manos del gobierno, principalmente jóvenes. Muchos de los otros jóvenes que no morían en manos del gobierno no podían aguantar la situación y cometían suicidio. La gente moría todos los días a través de persecuciones políticas, y la música introspectiva estaba cubierta de oscuridad y desesperanza. Entonces vino la Guerra de las Malvinas, la cual sepultó el arte inglés, principalmente la música, ya que ahora ellos eran los nuevos enemigos. Esto incrementó la presencia del rock nacional, ya que el gobierno intentó darle paso al arte en Argentina con fines contradictorios, buscando la forma de conseguir el apoyo de los jóvenes para enviarlos a la guerra. Entonces el rock argentino usó estos beneficios de publicidad para mostrar su descontento social, esta vez más poderoso, en contra de la guerra. Y es que la música inglesa siempre había sido una fuerte influencia para los grandes pioneros del rock. Con lo anterior hablado, es hora de mostrarles el trabajo más increíble de Serú Girán, su segundo disco, "La grasa de las capitales", un álbum icónico y perdurable en la historia de la música.

"La grasa de las capitales" es un álbum lanzado en el año 1979. Después de todos los problemas de empatía entre el público y la banda por la dirección utópica que habían tomado desde un principio, contradictoria a la situación del país y las sensibilidades, así que volvieron a sus críticas directas y el rock sin arreglos orquestales. ¿Pero por qué "La grasa de las capitales"?

Pues "grasa" en Argentina es apariencia, falsedad y dinero. La gente "grasa" son aquellas personas que se centran en su apariencia, que les importa de sobre-manera el status social, el dinero y no lo que está en el alma. Son personas que viven del amarillismo y de la toxicidad de los medios de comunicación, encerrándose en una burbuja de perfección. Aman las revistas, la moda, y les interesa más su chaqueta cara que la gente hambrienta o la situación política. La mayoría de la gente "grasa" habita en las grandes ciudades, las metrópolis, aunque se ven en todos lados.

De esta forma, ellos decidieron hacer un álbum satírico que relatara todo lo que ellos odiaban: los títulos engañosos, los escándalos y la forma en que los medios convertían cualquier declaración o actitud en un reportaje amarillista. En su portada vemos claramente el uso del diseño de la revista "Gente", cambiando el nombre por "Grasa". Vemos que hay un montón de títulos haciendo referencia a viejas situaciones, a títulos amarillistas que los incluían a ellos.

Algunos de los títulos tienen relación con eventos pasados, como el título de "Charly García: ¿ídolo o qué?", ya que la prensa argumentaba que García se había olvidado de su público estando en Brasil, así que iniciaron una campaña de reportajes sensacionalistas donde atacaban directamente su vida privada.

“La idea fue mía. Estaba podrido de todas esas revistas tipo Gente, que eran tan caretas. Habíamos compuesto ese disco para ir al choque directamente. Las canciones eran más pesadas, más contestatarias. Había que salir de la grasa, de la mediocridad. Era una época en que el rock todavía estaba en contra de la música comercial: era nosotros contra el mundo. Y la revista Gente era el enemigo.”
Charly García

Las canciones

En esta parte del post me gustaría hacer un breve análisis y estudio de las canciones del disco. Todas tienen una particularidad, algo muy único que las define. Hay historias detrás más allá del contexto político, es por ello que les hablaré brevemente de todas, pero haciendo énfasis en las más significativas del disco y por supuesto, mis favoritas.
El álbum comienza con la canción "La grasa de las capitales". Considero que es la canción más importante porque es la que le da abertura cruda al disco; críticas honestas, sonidos irónicos y demás. La canción comienza con increíble juego de armonías que nos recuerdan un poco a The Beatles. La letra nunca intentó disfrazar nada, todo era crudo:

"¿Qué importan ya tus ideales? ¿Qué importa tu canción? La grasa de las capitales cubre tu corazón"

Aquí la letra hace referencia a lo que es precisamente el mundo grasa. No importa lo que pienses o lo que quieras transmitir, nos importa más la apariencia y el status social. La parte más controversial es aquella tercera voz aparentemente desconocida que hace una crítica muy concisa y ruda hacia la televisión. Aquella voz es el querídisimo Rubén "el negro" Rada, un músico uruguayo reconocido por sus letras polémicas pero divertidas. En esta parte de la canción se critica crudamente a los estereotipos de la televisión, el falso bronceado y el mundo perfecto de la falsedad.
En una parte de la canción el ritmo se cambia intencionalmente a música disco y podemos unos coros satíricos que dicen "Don't stop dancing" haciendo referencia a la falsedad de la música disco bailada en la televisión. La verdad es que la canción tiene una increíble variedad de ritmos hechos por el habilidoso Moro, los cuales juegan con la intencionalidad de la letra y los arreglos dementes de García en las teclas. Se buscaba que la letra tuviese partes pegajosas para jugar con la mente de la gente y causar el mismo efecto que tenía la música disco en esa época.
San Francisco y el lobo es una balada que tiene una historia en forma de fábula. Está contada como si fuera una historia infantil, haciendo referencia a la típica figura del lobo en los cuentos infantiles. Sin embargo, cuenta con un final bastante triste, se siente personal. Este es el único tema realmente acústico, y la voz de Lebón resalta con mucha suavidad, dándole forma a la canción.
Perro Andaluz es una canción bastante enérgica con una estructura muy peculiar. Empieza leve, y después se pone bastante energética en el coro. La letra es como una especie de reclamo, una crítica hacia alguien. En lo personal, mi parte favorita de la canción es "Te encanta caretear, ser aceptada donde te odian más" haciendo referencia a alguien falso, que solo buscar ser aceptado por la sociedad. La batería y el piano de Charly son los mejores amigos.
Frecuencia Modulada tiene un comienzo poderoso, con sus respectivas partes de reposo. La letra es una crítica a la música cliché de la radio, aquella música sin alma hecha solo para simpatizar a la audiencia. Los arreglos son fabulosos, en especial una guitarra acústica, la cual sospecho que fue idea de Aznar. La parte más firme de la canción es la siguiente:

“Si en la música que escuchas ya no hay vida, si la letra ya no tiene inspiración, si aunque aumentas el volumen ya no hay fuerza, son los tiempos que están huecos de emoción”.

Ahora viene el oscuro reposo del disco. Todo se torna un poco más oscuro, introspectivo. Las críticas se callan, comienza a hablar lo que hay dentro de cada integrante. Entonces comienza la fantástica pieza de Pedro Aznar, Paranoia y soledad. Su primera composición y también su aparición en la banda como voz principal. Es un tema con mucho jugo musical, caracterizado por una línea de bajo muy de Pedro y una guitarra acústica bastante melancólica.
La voz de Pedro comienza firme, sin duda. "¿Cuánto tiempo más de Paranoia y soledad"? canta Pedro. Es un tema muy nocturno, trae miedo, paranoia e incertidumbre cargada consigo. Y es que aquí es cuando descubrimos que las habilidades vocales de Pedro son magníficas, la forma en que trabaja la melodía vocal enlazada con el resto de los instrumentos es lo que ocasiona esa melancolía y ese jugo musical tan valioso, propio de Serú Girán.

¿Qué es lo que hay que hacer para evitar enloquecer? - Pregunta un Pedro taciturno.
Después de esta canción descubrimos la instantánea conexión entre lo que sería una increíble transición musical embarcada en 3 temas del disco. Continúa Lebon como voz principal, cantando "Noche de perros", una transición musical completamente lógica con Paranoia y Soledad. Lebón empieza suave, hablando de la oscuridad, de la soledad que mata. "Es muy tarde ya y estoy harto de llorar" exclama. La melodía es muy triste, un poco tétrica y muy introspectiva.
Y después de esta canción, soltamos un triste respiro y continuamos con el final de la transición musical "Viernes 3 am". Comienza un piano muy triste, con las voces de Charly García casi espectrales. La canción está conectada con "Noche de perros", como les contaba antes. Es una respuesta a todo lo anterior, es el final de toda esta tristeza, toda esta paranoia, toda esta noche aterradora. La canción es muy profunda y horrible pero en un sentido hermoso, es una forma de relatar el proceso de un suicidio y el final de la vida. La última parte de la depresión, de las noches de llanto y miedo. Todo fue un proceso, y de esto nos habla las 3 canciones. Desde los pensamientos tristes hasta el final de ellos, el suicidio.

"Y llevas el caño a tu sien apretando bien las muelas, y cierras los ojos y ves todo el mar en primavera ¡Bang, bang, bang! Hojas muertas que caen, siempre igual, los que no pueden más se van..."
Estamos hablando de una persona que no aguantó la situación, que no aguantó tanta tristeza y que optó por acabar con su vida. Definitivamente es mi tema favorito, y la melodía es muy hermosa. Entender esta canción es entender a Serú Girán y a la juventud de aquel entonces (algo que sigue pasando, pero nos enmarcamos principalmente en la situación de Argentina), aquella que se rendía y no podía aguantar más. La canción es tan poderosa a nivel sentimental que Pedro Aznar admitió hace mucho tiempo que las primeras veces cuando la ensayaban no podía aguantar y se ponía a llorar. Y es que sólo ellos saben bien las razones detrás de aquella letra, o quizás no.
En una entrevista le preguntaron a Spinetta cuáles serían las canciones de Charly García que hubiese querido componer. "Viernes 3 am, por supuesto" - respondió. "Hasta los mismos beatles hubiesen querido componer esa obra maestra".
Después de esta increíble transición musical, comienza "Los sobrevivientes" una canción escrita por Charly hace mucho tiempo atrás. Es una canción que aplica para cualquier época, con una crítica ruda, saliendo de la introspección. Todos los instrumentos fueron grabados por Charly, excepto la batería, que por supuesto fue grabada por Oscar Moro.
Para finalizar el disco, nos acompaña "Canción de Hollywood", una canción bastante agradable al oído. Nos describe sobre la escena perfecta de Hollywood. Los besos, los primeros amores, la ropa, el ambiente, el vino y la constante felicidad. La excelente entonación de la melodía nos muestra un tono satírico pero muy bien realizado, una ambientación musical perfecta para el cierre de lo que fue una obra maestra, "La grasa de las capitales".

Aquí les dejo el link del disco entero para que puedan apreciar y analizar en dicho orden las canciones de este trabajo histórico.

Aspectos técnicos

Podemos darnos cuenta de que el bajo de Aznar es fretless, es decir, sin trastes. Esto le ofrece una peculiaridad sonoridad, perfecta para Serú Girán. El bajo buscaba sonar como un contrabajo y era mezclado como un contrabajo, donde las frecuencias medias eran las protagonistas. El bajo se encontraba muy en la delantera en la mezcla de los instrumentos, ya que los arreglos de Pedro eran musicalmente jugosos y le daban cuerpo y llenura a las canciones.

Pedro Aznar y su bajo fretless.

La voces del primer tema fueron mezcladas con la técnica de hard panning, esto con el fin de otorgarle espacialidad al tema, lo cual no se acostumbraba a hacer en las bandas de rock. La voz principal se encontraba se encontraba centrada, pero en el resto de los temas se llevó a cabo el double-tracking, posiblemente emulado con el procesador ultraharmonizer o haciendo captura de dos micrófonos, ya que se utilizaba exclusivamente la marca Newman y por esto los micrófonos eran parejos y no había cancelación de fases.

Estudio Ion

En cuanto a la mezcla de la batería, se mantuvo mucho el estilo tradicional, pero el uso de equipos análogos ayudó a conseguir una saturación muchísimo más cálida que lo que estábamos acostumbrados a escuchar en las mezclas de la musica latinoamericana. Esto brindaba un sonido mucho más agresivo, toms claramente saturados que aunque para algunos puede que sea un error, los que conocen bien el proceso de mezcla por tape-reel saben que es consecuencia de una sumación.

La consola utilizada es una MCI JH-500, la cual fue la primera consola automatizada en Argentina. Esta consola estaba par con su tape recorder MCI de 24 tracks, el cual contaba con 23 tracks de grabación y 1 de sincronización. EL perfecto par que se conseguía con estos dos equipos dio como resultado uno de los sonidos análogos más nítidos de toda latinoamérica, siendo este el preferido de artistas como mercedes sosa y Les Luthiers.

El proceso de mastering se realizó con un limitador y un corrector de amplificación ortofón cps-741, el cual a su vez coincidía con el equipo ortofon de grabación de vinilo. Todos los micrófonos del estudio eran marca newman, ya que su fundador Tiberio Kertesz trajo estos equipos de Europa por ser su marca preferida. Contó con los micrófonos u47s, u67s creado especialmente para piano, SM69 y KM84S. Todos estos micrófonos permanecen intactos en la actualidad y se encuentran en funcionamiento en el estudio Ión.

En resumen, todo el proceso de este disco estuvo lleno de eventualidades que le brindaron un éxito rotundo. La banda estaba integrada por excelentes músicos, y por supuesto, por personas reales que sentían la situación del país. El álbum se encuentra en el top 20 de los mejores discos de la música Argentina, otorgándole una importancia significativa en la cultura latinoamericana. Y es que en Latinoamérica tenemos demasiado de qué hablar, pero hay trabajos que marcan la historia, y este es uno de ellos, un trabajo lleno de alma, de dolor y de realidad, la realidad que cubre a Latinoamérica en distintos aspectos y que aún no se ha sepultado. La historia de Serú Girán me causó adicción, es por ello que decidí hacer un análisis realmente profundo más allá de lo que todos hemos podido leer alguna vez.

Gracias por leer! Me encantaría leer sus feedbacks en los comentarios y que me pudieran contar qué artista les gustaría que analizara la próxima vez. Ando muy sumergida en la historia de la música argentina, así que me encantaría que pudiera ser algún artista de dicho país. ¡Gracias nuevamente! Quiero darle las gracias a @exzorltg por su aporte tan maravilloso en los aspectos técnicos del disco, una información que sin duda marcó pauta en toda mi investigación.

Aida Rojas