Steve Reich - Octet · Music for a Large Ensemble · Violin Phase (1980)

Artista: Steve Reich

Álbum: Octet - Music for a Large Ensemble - Violin Phase
Año: 1980
Género: Música académica / minimalismo
Duración: 48:26
Nacionalidad: EEUU

Lista de Temas:
1. Music for a Large Ensemble
2. Violin Phase
3. Octet

Alineación:
- Steve Reich and musicians (1 y 3)
- Shem Guibbory (2)

Hace algunas semanas, cuando Moe posteó esa hermosa trilogía de Ginastera, hablábamos de subir algo de música académica y de vanguardia. Ayer tuvimos la sorpresa de tener el discazo Howl USA de Kronos Quartet, así que siguiendo con esa línea, acá dejamos uno del compositor estadounidense Steve Reich.

Steve Reich forma parte de un grupo de compositores, casi todos ellos estadounidenses, cuyos aportes a la música nacen de la experimentación sonora, tanto tecnológica y electrónica como acústica y que en conjunto se conocen como minimalismo. El nombre tiene que ver con el interés de estos creadores en reducir el número y la forma de utilizar elementos en la música, logrando trabajos que destacan por generar atmósferas y por rodear la experiencia auditiva de esquemas repetitivos que son modificados ligeramente a lo largo de la ejecución. Así, el minimalismo se convierte en una forma de vanguardia musical estadounidense que tiene sus orígenes en los años 60 y que hacia los 80 ha dado a luz una amplia gama de nuevas posibilidades para la música, abriendo el vasto campo de lo que se conoce como post minimalismo, cuyas aportaciones se siguen escuchando en nuestros días. Otros creadores adscritos a este género de la música académica son Philip Glass (probablemente el más conocido de todos), Terry Riley (cuya obra de 1967 A Rainbow in Curved Air le dio nombre a un estupendo grupo de progresivo inglés de los 70, Curved Air), Michael Nyman, Kyle Gann y La Monte Young entre otros (también se suele incorporar a John Cage en este grupo, aunque su obra, creo yo, se separa de ellos y tiene características más radicales).

Sin embargo, probablemente es Reich quien fue más lejos en este camino de investigación musical, logrando hacia los 70 y 80 trabajos extraordinarios como los que se incluyen en este album: “Music for a Large Ensemble”, para una orquesta de 30 músicos en la que la base está formada principalmente por marimbas, xilófonos y vibráfonos, mientras que cuerdas, voces y vientos aportan color armónico al persistente ritmo de los primeros, y que marca el rumbo de obras posteriores del autor.

La segunda pieza del álbum, “Violin Phase” está basada en la idea de “fases cambiantes” que Reich desarrolló en los años 60 utilizando cinta magnética y que consiste en crear un patrón melódico-rítmico específico que empieza a sufrir variaciones de tempo y de duración, más adelante de melodía (pero casi siempre en un contexto armónico monótono), que va cambiando poco a poco, mínimamente, la textura del sonido, y que al final, como completando un ciclo, vuelve al punto de inicio. A lo largo del viaje de las fases o desfases, que dura 15 minutos en esta versión, se habrán escuchado algunas de las infinitas combinaciones que esta técnica puede producir con casi cualquier sonido. Hay algo del viejo canon, tal como lo usaba Bach, en la técnica de phasing.

En “Octet” tenemos una estructura similar a la de la primera pieza, pero reducida a ocho instrumentistas; en este caso son dos pianos los que llevan la marca rítmica, y a diferencia de la primera, que por momentos tiene un sentido totalmente sinfónico, acá tenemos una ejecución que podríamos llamar “de cámara”, aunque muestra una capacidad de recoger las capacidades expresivas de cada instrumento logrando un sonido tan completo como en el ensamble grande, especialmente alrededor del minuto 6, cuando el piccolo sube sobre la base formada por los instrumentos más graves (cello y clarinete bajo).

La vanguardia minimalista recoge los hallazgos tanto del serialismo (ese estilo creado por Arnold Schoenberg que decide asignar a las doce notas de la escala cromática el mismo derecho de ocupar el espacio auditivo sin que ninguna de ellas se presente como “superior” o “líder”) como de la música concreta (Schaeffer, Henry, Varèse), la aleatoria (Xenaquis) y la experimentación electroacústica (Stockhausen), pero a diferencia de estas vanguardias radicales, el minimalismo emprende un camino de regreso hacia una armonía más “digerible”, un regreso a la sencillez que es propio del género. En el caso de Reich en particular, junto con estas fuentes de la vanguardia occidental hay también un importante componente de estudio de músicas étnicas africanas, enfocado en la percusión, y del gamelán, la compleja tradición musical del sureste asiátiaco.

Reich, en particular, incorporará en su obra elementos de su propia tradición familiar judía, y vivirá una relación fructífera con la música popular, trabajando con músicos de jazz y rock como Pat Metheny, David Bowie y Brian Eno. En 1999, cuando el mundo de la música electrónica popular (house) ya había alcanzado la mayoría de edad, una serie de Djs de este universo produjeron un álbum titulado Reich Remixed en el que rinden tributo a este compositor que, con su experimentación con cinta magnética y propuesta del faseo, fue en cierto modo el primer remezclador de la historia.

De las tres piezas incluidas en este disco, “Violin Phase” es la más antigua (de 1967), mientras que las otras dos datan de fines de los 70, cuando el ensamble de Reich ya contaba con un bien ganado reconocimiento, y justo antes de que su estilo de composición virara hacia temas más políticos y probablemente oscuros.

De wikipedia reproducimos el capítulo dedicado a los años 70, a los que pertenecen estos trabajos:

En 1970 volvió a la idea de Slow Motion Sound de ralentizar un sonido grabado reduciendo varias veces su longitud original, sin cambios de tono o de timbre. Compuso Four Organs (1970), para cuatro órganos eléctricos y maracas, pero ocupándose esta vez específicamente del fenómeno del aumento («augmentation»), del alargarmiento temporal de frases y fragmentos melódicos. En la obra, las maracas tocan un pulso rápido de corcheas, mientras que los cuatro órganos tensionan ciertas corcheas usando un acorde de oncenas, resaltando la repetición y el cambio rítmico sutil que poco a poco se va produciendo. Es una obra única en el conjunto de las obras de Reich, al tener un desarrollo lineal, muy diferente de las obras cíclicas de trabajos anteriores. Por ejemplo, es muy diferente de Phase Patterns, de ese mismo año y también para cuatro órganos (pero sin maracas), que como el nombre sugiere, es una obra de fase similar a otras compuestas durante el período. Four Organs fue interpretada como parte de un programa de la Boston Symphony Orchestra, y fue la primera composición de Reich que se estrenó en una sala de conciertos tradicional.

En el verano de 1970, con la ayuda de una beca del «Institute for International Education», Reich estudió percusión en el «Institute for African Studies» en la Universidad de Ghana en Accra. Durante cinco semanas, aprendió con el maestro percusionista Gideon Alerwoyie. En 1962 Reich ya había conocido el libro de A.M. Jones, Studies in African Music, acerca de la música del pueblo Ewe (una tribu ghanesa), y más tarde el trabajo de Colin Mcphee, Music in Bali, y, por fin, pudo profundizar en sus enseñanzas. De su experiencia africana, sacó la inspiración para su siguiente obra, una pieza de 90 minutos que compuso poco después de su vuelta, y que de forma significativa llamó Drumming [«Tamboreando»]. Drumming fue estrenado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en una sala que no había sido usada para la música desde un primer concierto para percusión de John Cage. Compuesta para un conjunto de nueve percusionistas con voces femeninas y flautín, Drumming marcó el principio de una nueva etapa en su carrera, ya que en esa época tomo forma definitiva su propio conjunto, «Steve Reich and Musicians», al que se dedicaría desde ese momento en exclusiva como compositor y ejecutante. «Steve Reich and Musicians» fue durante muchos años el único conjunto que interpretó sus composiciones, y aún hoy todavía permanece activo con muchos de sus miembros originales. Por esa época, 1971, Michael Nyman le consiguió su primer concierto en Londres, en el ICA. Un año más tarde, estrenó Drumming en la Hayward Gallery londinense, con ocasión de una exposición de Rothko: como Reich no tenía forma de reunir los 12 músicos, participaron el propio Nyman y Gavin Bryars.

Tras Drumming, Reich siguió investigando la técnica, que él había iniciado, del «desplazamiento de fase» («phase shifting»), y comenzó a escribir piezas más elaboradas. Por esa época, 1973, escribió trabajos como Music for Mallet Instruments, Voices and Organ y Six Pianos. En el curso 1973-1974 estudió «Balinese Gamelan Semar Pegulingan» y «Gamelan Gambang» con I Nyoman Sumandi en la American Society for Eastern Arts —en Seattle y en Berkeley (California)—. Por aquellos años el gamelan era aún bastante poco conocido y para Reich supuso una vuelta a las raíces de la música. En los años 1960 y 1970 la música no occidental era la vía quizás más atractiva para innovar la composición occidental. Bali, Java, África, India, eran maneras de reconocer las bases de la música —el centro tonal y los pulsos rítmicos— que se habían perdido con la música serial y aleatoria de esos años. Henri Cowell, John Cage, Lou Harrison, Riley, La Monte Young, Philip Glass, todos ellos estudiaron con maestros locales y sacaron provecho de esos estudios y con John Adams, Michael Torke, Michael Gordon, David Lang esa música ha llegado a ser parte de nuestro universo musical.14

Reich ya comenzaba a ser un autor muy conocido y Deutsche Grammophon (DG) le firmó un contrato, fruto del cual realizó la grabación, en enero de 1974, en Hamburgo, de un triple LP conteniendo sus obras Drumming, Six Pianos y Music for Mallet Instruments, Voices and Organ, en el que además de miembros de su ensemble, contó con las colaboraciones de Glen Vélez y de Cornelius Cardew. El lanzamiento no tuvo mucho éxito ya que se vendieron muy pocas copias (aunque fue relanzado en un doble CD más adelante con más éxito).

En 1974, Reich comenzó a escribir Music for 18 Musicians (Música para 18 músicos), el número de integrantes de su ensemble, una pieza que acabaría dos años más tarde. Seguramente es la obra de Reich que más éxito ha tenido y para muchos, es lo que se llamaría su trabajo seminal. Esta pieza implicó muchas nuevas ideas, aunque algunas ya fueron escuchadas en piezas anteriores. La obra se organiza alrededor de un ciclo de once acordes introducidos al principio, seguidos por un pequeños trozos basados en cada acorde, y por una vuelta final al ciclo original. Las secciones se nombran conveniente, «Pulses», «Section I-XI», y nuevamente, «Pulses». Este fue el primer intento de Reich de escribir una obra para conjuntos mayores, con más ejecutantes, que permitía un mayor alcance de los efectos psicoacústicos, cosa que fascinó a Reich, que ya anotó por esa época que le gustaría «explorar esta idea más» («explore this idea further»). Reich comentó que en los primeros cinco minutos, este trabajo contenía más movimiento armónico que cualquier otra obra que él hubiera escrito.

DG grabó la pieza, pero no estaba muy segura de lanzarla debido al relativo fracaso de ventas de Drumming. A Reich le propusieron entonces sacarla en el sello ECM, y recuerda que al principio lo rechazó diciendo que su obra no era jazz. Bob Hurwitz —entonces en ECM y luego al frente de Nonesuch—, le convenció y vendieron más de 100  000 copias en los siguientes dos años, promocionando la obra en emisoras de radio de rock progresivo y jazz experimental. Para Reich, fue una suerte haber accedido, ya que desde ese momento gozó de un amplio prestigio y difusión en la escena musical internacional. A mediados de los 1980 firmó un contrato con la editora Universal para sus nuevas obras. Dado que Drumming no tenía partitura, fue un problema durante bastante tiempo, ya que muchos grupos querían tocarla. Le propusieron hacerla y contrataron a un estudiante de doctorado, Mark Mellitz, que tras transcribir paciente e íntegramente la pieza grabada —en más de 400 páginas—, finalmente logró con la ayuda de Reich, hacer una notación más sencilla que pudieron acabar en 1998 y con la que se toca actualmente la obra).

En 1976 Recih se casa por segunda vez, con la videoartista, Beryl Korot (Nueva York, 1945). A partir de ese momento, Reich siente un renovado interés por su herencia judía, se vuelve más religioso, y comienza a estudiar, sobre todo en 1977, las formas tradicionales del «cantillation» (el cantar) de las escrituras hebreas, tanto en Nueva York como en los viajes que realiza a Jerusalén. Este interés no se reflejará en ese momento en su obra, y solo fructifirá a partir de obras como Tehilim (1981).

Reich siguió explorando ideas en sus siguientes obras, en Music for a Large Ensemble (1978) (una de sus obras más grabadas) y en Octet (1979). En estos dos trabajos, Reich experimentó con «la respiración humana como la medida de duración musical… los acordes tocados por las trompetas se escriben para que el músico pueda respirar cómodamente». Las voces humanas son parte de la gama de colores musical en Music for a Large Ensemble, pero la parte vocal, muda, simplemente forma parte de la textura (como lo hace en Drumming). Con Octet y sus primeras variaciones de orquesta, las Variations for Winds, Strings and Keyboards (también 1979), la música de Reich demostró la influencia del «Cantillation» bíblico, que había estudiado en Israel desde el verano de 1977. Después de esto, la voz humana que canta un texto desempeñaría un papel cada vez más importante en la música de Reich: “La técnica […] consiste en tomar patrones melódicos preexistentes y encadenarlos juntos para formar una melodía más larga al servicio de un texto santo. Si quitas el texto, te dejan con la idea de juntar motivos pequeños para hacer largas melodías —una técnica que no había encontrado antes”.

A finales de los años 1970, Reich publicó un libro, Writings about Music, conteniendo ensayos con su filosofía, estética, y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección actualizada, Writings on Music (1965-2000), fue publicada en 2002.

Wikipedia

Sobre “Violin Phase”:

“Violin Phase” is an example of Reich's phasing technique, previously used in “It's Gonna Rain”, “Come Out”, “Reed Phase”, and “Piano Phase”, in which the music itself is created not by the instruments but by interactions of temporal variations on an original melody. Music of this kind is generally referred to as process music. It is the third in a series of instrumental compositions (together with “Reed Phase” and “Piano Phase”) in which Reich explored the possibility of phasing in music for a live player with tape accompaniment or, in the case of “Piano Phase”, for just two players (Potter 2000, 180).

In “Violin Phase”, two violins are recorded and played back, together at first. They are then made to go slowly out of sync by adding silence to one of the tapes. A new melody is formed by the interaction of the two out of sync instruments and is then accented by a third violin. This process is repeated with variations throughout the rest of the piece.

The most conspicuous difference between a "live" process piece like “Violin Phase” and Reich's tape pieces is that the latter consist of “pure phasing”, with a slow and regular rate of change, whereas the live pieces are “stepped”, alternating sections of gradual dephasing with sections of temporary rhythmic stability (Warburton 1988, 144).

Reich also arranged the piece for electric guitar and tape (or four electric guitars). In this form the work was recorded as “Electric Guitar Phase” by Dominic Frasca.

Wikipedia

Sobre “Music for a Large Ensemble”:

“Music for a Large Ensemble” is a piece of music written by Steve Reich in 1978. It is scored for violin 1, violin 2, cellos, 2 flutes, 2 clarinets, 2 soprano saxophones, 4 trumpets, 4 pianos, 2 marimbas, vibraphone, 2 xylophones and two female voices.

It had its first performance in Utrecht on June 14, 1979. It was a commissioned work by the Holland Festival and it was first performed by Reich's musicians as well as members of the Netherlands Wind Ensemble. Reich noted that this piece was developed out of two pieces he had previously written, “Music for Mallet Instruments, Voices and Organ” and “Music for 18 Musicians”. The piece was written for more musicians that Reich had previously worked with, and included instruments from all sections of the orchestra, including strings, woodwinds, brass and percussion, and female voices. The piece is divided into four sections, each marked by a key change initiated by the metallophone.

As in some of his other works from the same time, Reich uses the technique of augmentation in this work, whereby short, rapid phrases are stretched out to become longer lines, which combine contrapuntally with other melodies, then using diminution they are returned to their shorter length. Each of the piece's four sections develop in an “arch” structure, ABCBA, characteristic of Reich's work at this time.

Reich explained that this piece was part of his experiment with using “the human breath as the measure of musical duration ... the chords played by the trumpets are written to take one comfortable breath to perform” (liner notes for “Music for a Large Ensemble”). Human voices are part of the musical palette in “Music for a Large Ensemble”, but there are no lyrics.

Although the piece is not one of Reich's most popular, it has been recorded several times, most recently in a performance conducted by Alan Pierson. The first recording was a release by ECM Records in 1980 along with “Octet” and a much older piece: “Violin Phase”.

Joan LaBarbara (2005, p. 17) describes the work as “a very colorful work, bright in its opening, a little dark in the second section, brighter again as it moves into the third. The first section's timbral blending of women's voices with cellos and basses is very effective within the texture. The mallet instruments, clear and solid at the beginning, gradually blend into the background as trumpets and soprano saxophones surge forward. One could watch and feel the rhythmic patterns lock into place as the players relaxed into the performance. It is a bright, joyous, and exciting work”.

Wikipedia

Sobre “Octet”:

Under its original title, “Octet”, the work was commissioned by the Hessischer Rundfunk (Radio Frankfurt) and completed in April 1979. It was premiered at Radio Frankfurt on June 21, 1979, by members of the Netherlands Wind Ensemble, conducted by Reinbert de Leeuw (Reich 2002, 98). It was originally scored for string quartet, two pianos, and two woodwind players each playing clarinet, bass clarinet and flute as well as piccolo. Reich later rescored it, in order to make performance easier, by adding a second string quartet, and retitling the work “Eight Lines”. The additional two violins solve “the difficulty of playing rather awkward double stops in tune,” and the additional viola and cello “allow the rapid eighth-note patterns to be broken up between ... two players” to prevent fatigue (Reich 2001, 119). The wind parts were originally conceived for two clarinet players doubling both bass clarinet and flute as well as piccolo, though right from the world premiere in Frankfurt in 1979 ten players were used, dividing the wind parts among four musicians. The composer regarded this as a perfectly ordinary option, while pointing out “whether there are eight, nine, or ten performers, the piece is always musically an octet” (Reich 2002, 98).

In 1985 New York City Ballet balletmaster Jerome Robbins made an eponymous dance to this music.

The structure but not the sound of Jewish cantillation influenced the composition, particularly of the flute and piccolo melodies (Reich 2002, 113–14, 118).

The work is cast in a single movement about 15 to 18 minutes long, in a quick 5/4 meter. Its core is a syncopated piano ostinato, superimposed over transposed and shifted versions of itself. The woodwinds and strings play fragmented versions of these figures in unison with the pianos, as well as melodies of their own and slow drones in the background. The piece makes extensive use of imitative polyphony and incremental building of melodies.

The work is divided into five sections. The first and third share a similar texture of rapid piano, cello, and bass clarinet figures, while the second and fourth sections are marked by sustained tones in the cello. The fifth and final section combines these materials. The divisions between sections, however, involve smooth transitions with some overlapping in the parts. As a result, it is often difficult to tell just when one section ends and the next begins (Reich 2002, 99).

Wikipedia 

Les dejo entonces esta genial producción del sello ECM (honor a quien honor merece; este sello ha grabado gran parte de la mejor música de las últimas décadas) como ingreso a la obra de este genio para quienes no lo conocen, y como homenaje de quienes lo hemos escuchado.