Álbum: Octet - Music for a Large Ensemble - Violin Phase
Año: 1980
Género: Música académica / minimalismo
Duración: 48:26
Nacionalidad: EEUU
Año: 1980
Género: Música académica / minimalismo
Duración: 48:26
Nacionalidad: EEUU
Lista de Temas:
1. Music for a Large Ensemble
2. Violin Phase
3. Octet
1. Music for a Large Ensemble
2. Violin Phase
3. Octet
Alineación:
- Steve Reich and musicians (1 y 3)
- Shem Guibbory (2)
- Steve Reich and musicians (1 y 3)
- Shem Guibbory (2)
Hace algunas
semanas, cuando Moe posteó esa hermosa trilogía de Ginastera,
hablábamos de subir algo de música académica y de vanguardia. Ayer
tuvimos la sorpresa de tener el discazo Howl USA
de Kronos Quartet, así que siguiendo con esa línea, acá dejamos
uno del compositor estadounidense Steve Reich.
Steve Reich forma
parte de un grupo de compositores, casi todos ellos estadounidenses,
cuyos aportes a la música nacen de la experimentación sonora, tanto
tecnológica y electrónica como acústica y que en conjunto se
conocen como minimalismo. El nombre tiene que ver con el interés de
estos creadores en reducir el número y la forma de utilizar
elementos en la música, logrando trabajos que destacan por generar
atmósferas y por rodear la experiencia auditiva de esquemas
repetitivos que son modificados ligeramente a lo largo de la
ejecución. Así, el minimalismo se convierte en una forma de
vanguardia musical estadounidense que tiene sus orígenes en los años
60 y que hacia los 80 ha dado a luz una amplia gama de nuevas
posibilidades para la música, abriendo el vasto campo de lo que se
conoce como post minimalismo, cuyas aportaciones se siguen escuchando
en nuestros días. Otros creadores adscritos a este género de la
música académica son Philip Glass (probablemente el más conocido
de todos), Terry Riley (cuya obra de 1967 A Rainbow in Curved Air
le dio nombre a un estupendo grupo de progresivo inglés de los 70,
Curved Air), Michael Nyman, Kyle Gann y
La Monte Young
entre otros (también se
suele incorporar a John Cage en este grupo, aunque su obra, creo yo,
se separa de ellos y tiene características más radicales).
Sin
embargo, probablemente es Reich quien fue más lejos en este camino
de investigación musical,
logrando hacia los 70 y 80 trabajos extraordinarios como los que se
incluyen en este album: “Music for a Large Ensemble”,
para una orquesta de 30 músicos en la que la base está formada
principalmente por marimbas, xilófonos y vibráfonos, mientras que
cuerdas, voces y vientos aportan color armónico al persistente ritmo
de los primeros, y que marca el rumbo de obras posteriores del autor.
La
segunda pieza del álbum, “Violin Phase” está basada en la idea
de “fases cambiantes”
que Reich desarrolló en los años 60 utilizando cinta magnética y
que consiste en crear un patrón melódico-rítmico específico que
empieza a sufrir variaciones de tempo y de duración, más adelante
de melodía (pero casi siempre en un contexto armónico monótono),
que va cambiando poco a poco,
mínimamente, la textura del sonido, y que al final, como completando
un ciclo, vuelve al punto de inicio. A lo largo del viaje de las
fases o desfases, que dura 15 minutos en esta versión, se habrán
escuchado algunas de las infinitas combinaciones que esta técnica
puede producir con casi cualquier sonido. Hay
algo del viejo canon, tal como lo usaba Bach, en la técnica de
phasing.
En
“Octet” tenemos una estructura similar a la
de la primera pieza, pero reducida a ocho instrumentistas; en este
caso son dos
pianos
los que llevan
la marca rítmica, y a diferencia de la primera, que por momentos
tiene un sentido totalmente sinfónico, acá tenemos una ejecución
que podríamos llamar “de cámara”, aunque muestra una capacidad
de recoger las capacidades expresivas de cada instrumento logrando un
sonido tan completo como en el ensamble grande, especialmente
alrededor
del
minuto 6, cuando el piccolo
sube sobre la base formada por los instrumentos más graves (cello y
clarinete bajo).
La
vanguardia minimalista recoge los hallazgos tanto del serialismo (ese
estilo creado por Arnold Schoenberg que decide asignar a las doce
notas de la escala cromática el mismo derecho de ocupar el espacio
auditivo sin que ninguna de ellas se presente como “superior” o
“líder”) como de la música concreta (Schaeffer, Henry, Varèse),
la aleatoria (Xenaquis) y la experimentación electroacústica
(Stockhausen), pero a diferencia de estas vanguardias radicales, el
minimalismo emprende un camino de regreso hacia una armonía más
“digerible”, un regreso a
la sencillez que es propio del género.
En el caso de Reich en
particular, junto con estas fuentes de la vanguardia occidental hay
también un importante componente de estudio de músicas étnicas
africanas, enfocado en la
percusión, y del gamelán,
la compleja tradición musical del sureste asiátiaco.
Reich,
en particular, incorporará en
su obra elementos de su
propia tradición familiar judía, y
vivirá una relación fructífera con la música popular, trabajando
con músicos de jazz y rock como Pat Metheny, David Bowie y Brian
Eno. En 1999, cuando el mundo de la música electrónica popular
(house) ya había alcanzado la mayoría de edad, una serie de Djs de
este universo produjeron un álbum titulado Reich Remixed
en el que rinden tributo a este compositor que, con su
experimentación con cinta magnética y propuesta del faseo, fue en
cierto modo
el primer remezclador de la historia.
De
las tres piezas incluidas en este disco, “Violin Phase” es la más
antigua (de 1967),
mientras que las otras dos datan de fines de los 70, cuando el
ensamble de Reich ya contaba con un bien ganado reconocimiento, y
justo antes de que su estilo de composición virara hacia temas más
políticos y probablemente oscuros.
De
wikipedia reproducimos el capítulo dedicado a los años 70, a los
que pertenecen estos trabajos:
En 1970 volvió a la idea de Slow
Motion Sound de ralentizar un
sonido grabado reduciendo varias veces su longitud original, sin
cambios de tono o de timbre. Compuso Four Organs
(1970), para cuatro órganos eléctricos y maracas, pero ocupándose
esta vez específicamente del fenómeno del aumento («augmentation»),
del alargarmiento temporal de frases y fragmentos melódicos. En la
obra, las maracas tocan un pulso rápido de corcheas, mientras que
los cuatro órganos tensionan ciertas corcheas usando un acorde de
oncenas, resaltando la repetición y el cambio rítmico sutil que
poco a poco se va produciendo. Es una obra única en el conjunto de
las obras de Reich, al tener un desarrollo lineal, muy diferente de
las obras cíclicas de trabajos anteriores. Por ejemplo, es muy
diferente de Phase Patterns,
de ese mismo año y también para cuatro órganos (pero sin maracas),
que como el nombre sugiere, es una obra de fase similar a otras
compuestas durante el período. Four Organs fue
interpretada como parte de un programa de la Boston Symphony
Orchestra, y fue la primera composición de Reich que se estrenó en
una sala de conciertos tradicional.
En el verano de 1970, con la ayuda
de una beca del «Institute for International Education», Reich
estudió percusión en el «Institute for African Studies» en la
Universidad de Ghana en Accra. Durante cinco semanas, aprendió con
el maestro percusionista Gideon Alerwoyie. En 1962 Reich ya había
conocido el libro de A.M. Jones, Studies in African Music,
acerca de la música del pueblo Ewe (una tribu ghanesa), y más tarde
el trabajo de Colin Mcphee, Music in Bali,
y, por fin, pudo profundizar en sus enseñanzas. De su experiencia
africana, sacó la inspiración para su siguiente obra, una pieza de
90 minutos que compuso poco después de su vuelta, y que de forma
significativa llamó Drumming
[«Tamboreando»]. Drumming
fue estrenado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en una sala
que no había sido usada para la música desde un primer concierto
para percusión de John Cage. Compuesta para un conjunto de nueve
percusionistas con voces femeninas y flautín, Drumming
marcó el principio de una nueva etapa en su carrera, ya que en esa
época tomo forma definitiva su propio conjunto, «Steve Reich and
Musicians», al que se dedicaría desde ese momento en exclusiva como
compositor y ejecutante. «Steve Reich and Musicians» fue durante
muchos años el único conjunto que interpretó sus composiciones, y
aún hoy todavía permanece activo con muchos de sus miembros
originales. Por esa época, 1971, Michael Nyman le consiguió su
primer concierto en Londres, en el ICA. Un año más tarde, estrenó
Drumming en la Hayward
Gallery londinense, con ocasión de una exposición de Rothko: como
Reich no tenía forma de reunir los 12 músicos, participaron el
propio Nyman y Gavin Bryars.
Tras Drumming,
Reich siguió investigando la técnica, que él había iniciado, del
«desplazamiento de fase» («phase shifting»), y comenzó a
escribir piezas más elaboradas. Por esa época, 1973, escribió
trabajos como Music for Mallet Instruments,
Voices and Organ y Six
Pianos. En el curso 1973-1974
estudió «Balinese Gamelan Semar Pegulingan» y «Gamelan Gambang»
con I Nyoman Sumandi en la American Society for Eastern Arts —en
Seattle y en Berkeley (California)—. Por aquellos años el gamelan
era aún bastante poco conocido y para Reich supuso una vuelta a las
raíces de la música. En los años 1960 y 1970 la música no
occidental era la vía quizás más atractiva para innovar la
composición occidental. Bali, Java, África, India, eran maneras de
reconocer las bases de la música —el centro tonal y los pulsos
rítmicos— que se habían perdido con la música serial y aleatoria
de esos años. Henri Cowell, John Cage, Lou Harrison, Riley, La Monte
Young, Philip Glass, todos ellos estudiaron con maestros locales y
sacaron provecho de esos estudios y con John Adams, Michael Torke,
Michael Gordon, David Lang esa música ha llegado a ser parte de
nuestro universo musical.14
Reich ya comenzaba a ser un autor
muy conocido y Deutsche Grammophon (DG) le firmó un contrato, fruto
del cual realizó la grabación, en enero de 1974, en Hamburgo, de un
triple LP conteniendo sus obras Drumming,
Six Pianos y Music
for Mallet Instruments, Voices and Organ,
en el que además de miembros de su ensemble, contó con las
colaboraciones de Glen Vélez y de Cornelius Cardew. El lanzamiento
no tuvo mucho éxito ya que se vendieron muy pocas copias (aunque fue
relanzado en un doble CD más adelante con más éxito).
En 1974, Reich comenzó a escribir
Music for 18 Musicians
(Música para 18 músicos), el número de integrantes de su ensemble,
una pieza que acabaría dos años más tarde. Seguramente es la obra
de Reich que más éxito ha tenido y para muchos, es lo que se
llamaría su trabajo seminal. Esta pieza implicó muchas nuevas
ideas, aunque algunas ya fueron escuchadas en piezas anteriores. La
obra se organiza alrededor de un ciclo de once acordes introducidos
al principio, seguidos por un pequeños trozos basados en cada
acorde, y por una vuelta final al ciclo original. Las secciones se
nombran conveniente, «Pulses», «Section I-XI», y nuevamente,
«Pulses». Este fue el primer intento de Reich de escribir una obra
para conjuntos mayores, con más ejecutantes, que permitía un mayor
alcance de los efectos psicoacústicos, cosa que fascinó a Reich,
que ya anotó por esa época que le gustaría «explorar esta idea
más» («explore this idea further»). Reich comentó que en los
primeros cinco minutos, este trabajo contenía más movimiento
armónico que cualquier otra obra que él hubiera escrito.
DG grabó la pieza, pero no estaba
muy segura de lanzarla debido al relativo fracaso de ventas de
Drumming. A Reich le
propusieron entonces sacarla en el sello ECM, y recuerda que al
principio lo rechazó diciendo que su obra no era jazz. Bob Hurwitz
—entonces en ECM y luego al frente de Nonesuch—, le convenció y
vendieron más de 100 000 copias en los siguientes dos años,
promocionando la obra en emisoras de radio de rock progresivo y jazz
experimental. Para Reich, fue una suerte haber accedido, ya que desde
ese momento gozó de un amplio prestigio y difusión en la escena
musical internacional. A mediados de los 1980 firmó un contrato con
la editora Universal para sus nuevas obras. Dado que Drumming
no tenía partitura, fue un problema durante bastante tiempo, ya que
muchos grupos querían tocarla. Le propusieron hacerla y contrataron
a un estudiante de doctorado, Mark Mellitz, que tras transcribir
paciente e íntegramente la pieza grabada —en más de 400 páginas—,
finalmente logró con la ayuda de Reich, hacer una notación más
sencilla que pudieron acabar en 1998 y con la que se toca actualmente
la obra).
En 1976 Recih se casa por segunda
vez, con la videoartista, Beryl Korot (Nueva York, 1945). A partir de
ese momento, Reich siente un renovado interés por su herencia judía,
se vuelve más religioso, y comienza a estudiar, sobre todo en 1977,
las formas tradicionales del «cantillation» (el cantar) de las
escrituras hebreas, tanto en Nueva York como en los viajes que
realiza a Jerusalén. Este interés no se reflejará en ese momento
en su obra, y solo fructifirá a partir de obras como Tehilim (1981).
Reich siguió explorando ideas en
sus siguientes obras, en Music for a Large Ensemble (1978)
(una de sus obras más grabadas) y en Octet
(1979). En estos dos trabajos, Reich experimentó con «la
respiración humana como la medida de duración musical… los
acordes tocados por las trompetas se escriben para que el músico
pueda respirar cómodamente». Las voces humanas son parte de la gama
de colores musical en Music for a Large Ensemble,
pero la parte vocal, muda, simplemente forma parte de la textura
(como lo hace en Drumming).
Con Octet y sus
primeras variaciones de orquesta, las Variations for Winds,
Strings and Keyboards (también
1979), la música de Reich demostró la influencia del «Cantillation»
bíblico, que había estudiado en Israel desde el verano de 1977.
Después de esto, la voz humana que canta un texto desempeñaría un
papel cada vez más importante en la música de Reich: “La técnica
[…] consiste en tomar patrones melódicos preexistentes y
encadenarlos juntos para formar una melodía más larga al servicio
de un texto santo. Si quitas el texto, te dejan con la idea de juntar
motivos pequeños para hacer largas melodías —una técnica que no
había encontrado antes”.
A finales de los años 1970, Reich
publicó un libro, Writings about Music,
conteniendo ensayos con su filosofía, estética, y proyectos
musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección actualizada,
Writings on Music
(1965-2000), fue publicada en 2002.
Sobre “Violin Phase”:
“Violin Phase” is an example of Reich's phasing technique,
previously used in “It's Gonna Rain”, “Come Out”, “Reed
Phase”, and “Piano Phase”, in which the music itself is created
not by the instruments but by interactions of temporal variations on
an original melody. Music of this kind is generally referred to as
process music. It is the third in a series of instrumental
compositions (together with “Reed Phase” and “Piano Phase”)
in which Reich explored the possibility of phasing in music for a
live player with tape accompaniment or, in the case of “Piano
Phase”, for just two players (Potter 2000, 180).
In “Violin Phase”, two violins are recorded and played back,
together at first. They are then made to go slowly out of sync by
adding silence to one of the tapes. A new melody is formed by the
interaction of the two out of sync instruments and is then accented
by a third violin. This process is repeated with variations
throughout the rest of the piece.
The most conspicuous difference between a "live" process
piece like “Violin Phase” and Reich's tape pieces is that the
latter consist of “pure phasing”, with a slow and regular rate of
change, whereas the live pieces are “stepped”, alternating
sections of gradual dephasing with sections of temporary rhythmic
stability (Warburton 1988, 144).
Reich also arranged the piece for electric guitar and tape (or four
electric guitars). In this form the work was recorded as “Electric
Guitar Phase” by Dominic Frasca.
Sobre “Music for
a Large Ensemble”:
“Music for a Large Ensemble” is a piece of music written by Steve
Reich in 1978. It is scored for violin 1, violin 2, cellos, 2 flutes,
2 clarinets, 2 soprano saxophones, 4 trumpets, 4 pianos, 2 marimbas,
vibraphone, 2 xylophones and two female voices.
It had its first performance in Utrecht on June 14, 1979. It was a
commissioned work by the Holland Festival and it was first performed
by Reich's musicians as well as members of the Netherlands Wind
Ensemble. Reich noted that this piece was developed out of two pieces
he had previously written, “Music for Mallet Instruments, Voices
and Organ” and “Music for 18 Musicians”. The piece was written
for more musicians that Reich had previously worked with, and
included instruments from all sections of the orchestra, including
strings, woodwinds, brass and percussion, and female voices. The
piece is divided into four sections, each marked by a key change
initiated by the metallophone.
As in some of his other works from the same time, Reich uses the
technique of augmentation in this work, whereby short, rapid phrases
are stretched out to become longer lines, which combine
contrapuntally with other melodies, then using diminution they are
returned to their shorter length. Each of the piece's four sections
develop in an “arch” structure, ABCBA, characteristic of Reich's
work at this time.
Reich explained that this piece was part of his experiment with using
“the human breath as the measure of musical duration ... the chords
played by the trumpets are written to take one comfortable breath to
perform” (liner notes for “Music for a Large Ensemble”). Human
voices are part of the musical palette in “Music for a Large
Ensemble”, but there are no lyrics.
Although the piece is not one of Reich's most popular, it has been
recorded several times, most recently in a performance conducted by
Alan Pierson. The first recording was a release by ECM Records in
1980 along with “Octet” and a much older piece: “Violin Phase”.
Joan LaBarbara (2005, p. 17) describes the work as “a very colorful
work, bright in its opening, a little dark in the second section,
brighter again as it moves into the third. The first section's
timbral blending of women's voices with cellos and basses is very
effective within the texture. The mallet instruments, clear and solid
at the beginning, gradually blend into the background as trumpets and
soprano saxophones surge forward. One could watch and feel the
rhythmic patterns lock into place as the players relaxed into the
performance. It is a bright, joyous, and exciting work”.
Sobre “Octet”:
Under its original title, “Octet”, the work was commissioned by
the Hessischer Rundfunk (Radio Frankfurt) and completed in April
1979. It was premiered at Radio Frankfurt on June 21, 1979, by
members of the Netherlands Wind Ensemble, conducted by Reinbert de
Leeuw (Reich 2002, 98). It was originally scored for string quartet,
two pianos, and two woodwind players each playing clarinet, bass
clarinet and flute as well as piccolo. Reich later rescored it, in
order to make performance easier, by adding a second string quartet,
and retitling the work “Eight Lines”. The additional two violins
solve “the difficulty of playing rather awkward double stops in
tune,” and the additional viola and cello “allow the rapid
eighth-note patterns to be broken up between ... two players” to
prevent fatigue (Reich 2001, 119). The wind parts were originally
conceived for two clarinet players doubling both bass clarinet and
flute as well as piccolo, though right from the world premiere in
Frankfurt in 1979 ten players were used, dividing the wind parts
among four musicians. The composer regarded this as a perfectly
ordinary option, while pointing out “whether there are eight, nine,
or ten performers, the piece is always musically an octet” (Reich
2002, 98).
In 1985 New York City Ballet balletmaster Jerome Robbins made an
eponymous dance to this music.
The structure but not the sound of Jewish cantillation influenced the
composition, particularly of the flute and piccolo melodies (Reich
2002, 113–14, 118).
The work is cast in a single movement about 15 to 18 minutes long, in
a quick 5/4 meter. Its core is a syncopated piano ostinato,
superimposed over transposed and shifted versions of itself. The
woodwinds and strings play fragmented versions of these figures in
unison with the pianos, as well as melodies of their own and slow
drones in the background. The piece makes extensive use of imitative
polyphony and incremental building of melodies.
The work is divided into five sections. The first and third share a
similar texture of rapid piano, cello, and bass clarinet figures,
while the second and fourth sections are marked by sustained tones in
the cello. The fifth and final section combines these materials. The
divisions between sections, however, involve smooth transitions with
some overlapping in the parts. As a result, it is often difficult to
tell just when one section ends and the next begins (Reich 2002, 99).
Les dejo entonces esta genial producción del sello ECM (honor a
quien honor merece; este sello ha grabado gran parte de la mejor
música de las últimas décadas) como ingreso a la obra de este
genio para quienes no lo conocen, y como homenaje de quienes lo hemos
escuchado.
Acá está (flac - cue - no log - scans):
ResponderEliminarhttp://pastebin.com/iXEKwyep
Aviso: como verán en los scans, el cd se ve viejo y deteriorado, pero escuché completo el rippeo y está perfecto. Espero que les guste y aguardo sus comentarios... Hay algunos otros discos de este genio en mi estante.
Maravilloso....
ResponderEliminarSiiiiiiii Steve Reich!!!!!!
ResponderEliminarGracias-------------------------------------------Gilgamesh
Genial, mil gracias por Reich. El año pasado en una muestra de guitarra, tuve el placer de integrar un ensamble que ejecutó Electric Counterpoint, la obra de Reich para 10 guitarras y dos bajos. Un placer! si no la tienen me avisan....
ResponderEliminarGracias Nico! Qué maravilla de experiencia haber tocado el Electric Counterpoint! Tengo la versión tocada por Pat Metheny que apareció con "Different Trains" (Kronos Quartet)... Una joya
EliminarNico, sería un lujo que pudieses compartir esa maravilla, sobretodo si hasta aportado allí ¿será eso posible? ojalá!!!!
EliminarLa version que hicimos con ese grupo (donde además tocaron tres musicos de Genetics) lamentablemente no esta grabada, hay un crudo pero nunca se llego a editar (para ver algunas fotos de esa muestra, https://www.facebook.com/groups/303550347206/?fref=ts). La versión de Metheny, por supuesto que la tengo, así como una versión del violero de Radiohead, Johnny Greenwood que salió en un disco que se llama Steve Reich - Radio Rewrite. Todo eso lo tengo en mp3 lamentablemente, pero si quieren puedo bucear alguna versión en FLAC para cumplir con los standards del blog, que afortunadamente son altos!
ResponderEliminarYo lo subo compañeros! Eso no se lo pueden perder.
ResponderEliminarMe encanta! Gracias por compartir!!!
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