#Músicaparaelencierro. De Chile con amor. Aquí vamos con más aportes de Neck, esta vez nos vamos para Chile para presentar a ihä, que es el proyecto solista del músico Ignacio Moreno Fluxà. Aquí presentamos este disco de nombre raro, con música rara, ambiental, electrónica, cercana al drone, llenas de texturas, no falto de emotividad y mucho menos de experimentación cercana a algunos trabajos de Brian Eno, al que no le falta ni un extenso tema de 18 minutos, solamente falta que lo conozcan y vean si les gusta. Y también falta que agradezcan al bueno y querido Neck! Otro de los aportes latinomaricanos, que esta semana tendremos varios y muy buenos.
Artista: ihä Álbum: Estructuras de Aire, Colonias de Soplo Año: 2018 Género: Electrónica / Ambient Duración: 42:15 Nacionalidad: Chilena
Una cuidadosa investigación sonora, con líneas sobrias y minimalista este chileno crea un efecto hipnótico a través de su música, que produce un efecto que bien podría llamarse cercano a esa cosa llamada new-age, pero que en realidad es demasiado nostálgico y oscuro como para poder siquiera pensar en encasillarlo en esa corriente.
Ihä, alias del inquieto músico chileno Ignacio Moreno Fluxà, siempre se ha caracterizado por la calidez y sencillez de sus entregas, que deambulan entre el ambient clásico y el drone contemporáneo. Sin embargo, en éste, su último disco, esto llega a un clímax glorioso, pues su visión del ambient toma una intensidad que se desmarca totalmente de la autocomplacencia conceptual, en la que suele caer usualmente el minimalismo genérico. Pero aquí no: la cadencia musical es metáfora de un animal tierno y sincero, que sufre, se calma, y supera, con toda la densidad de la vida, sin abstracciones ni justificaciones trascendentales. Un vivo y encarnado minimalismo que sube y baja como una mar, una marea sobre la cual flota la audiencia hipnótica y conmocionada, en piezas de títulos sugerentemente poéticos como ‘La única fuente de lo sagrado’ o ‘43 puestas de sol’. El sosiego y no pretensión de la dinámica de Ihä, exporta a una dimensión de meditación no-productiva. Una especie de new-age desilusionado, una terapia infinita, y también una desocultación de la belleza de lo desapercibido. El disco, masterizado por Michel Leroy de Un Festín Sagital, avanza como un bello viaje de ritmo cadencioso, de colorida e intensa emotividad, una calma dramática, que se acepta y se lamenta. Luz y melancolía se revuelven en tímidas estructuras, que se articulan y desarticulan, pero que siempre avanzan, en un movimiento sutil pero constante, palpitante. La suavidad y delicadez del devenir sonoro de este disco, acaricia desde los oídos. La percepción de flote en una suave marejada persiste en todo el disco, pero en distintas intensidades emocionales, en composiciones como ‘El sueño de la razón produce monstruos’ o los 18 minutos de ‘Arde como una vela en el sufrimiento’. Sin duda un disco totalmente recomendable para quienes no exigen espectacularidad en la música, y aprecian la intensidad de la sencillez.
En sus varias capas los sonidos se entrelazan, se fusionan y se deslizan unos sobre otros. La música no es estática, sino que está en constante movimiento, sin que uno, como oyente, note un ritmo o tempo. Todo sucede de forma natural, tranquila pero decidida.Una aquitectura compuesta por sonidos que interactúan entre sí y que te llevan donde quieren. El desarrollo es lento y cadencioso, pero sin embargo hay una dirección clara, con una intención definida.
En "Estructuras de aire, colonias de soplo", ihä te lleva a un viaje por paisajes abstractos que son similares a un cuento musical por la atmósfera que se evoca, con un estilo tranquilo y atmosférico que no se impone, pero que sin embargo obliga a una escucha atenta, simplemente por el esplendor ineludible del sonido.
Claro que merece que lo conozcan!
"Estructuras de aire, colonias de soplo" fue publicado en abril del presente año (2018) en formato digital por ihä (pronunciado como "ija"). Me cuesta poner etiquetas y en este caso, por ejemplo, no sabría si el concepto de "música ambiental" sirve. Pienso que es como si les dijera que es música de ascensor o algo que pones de fondo para hacer el aseo y es lo último que recomendaría hacer para apreciar esta música. El disco es basado en teclado y efectos, con un sonido cálido capaz de llenar la habitación donde se reproduzca. Nostálgico. Aunque 3 de las 4 canciones duren más de 9 minutos, todas parecen pasar demasiado rápido. La discografía de ihä (proyecto de Ignacio Moreno Fluxà) es extensa en comparación al tiempo que el proyecto lleva con vida (desde 2011) y particularmente este trabajo me resulta el más "amigable", si no se ha familiarizado previamente. No es que vaya a sonar de repente un ruido que no sea acorde a la música. Tal vez es el teclado que le da un peso diferente al de ejecución con guitarra que he escuchado en discos pasados. Sugiero, si existe interés en adentrarse a esta obra, que no hayan muchas distracciones mientras se le da una oportunidad. Si es válido comentar la escenografía que me evoca al escuchar el disco, es inevitable pensar en paisajes templados durante una tarde agradable.
Y a continuación compio una entrevista, para que a la reseña no le falte nada.
ihä, proyecto del chileno Ignacio Moreno Fluxa,
ha mantenido un ritmo creativo constante durante los últimos años. En
el 2016 apareció "Ironía", al año siguiente "Esperanza", y hace poco
tiempo vino al mundo "Estructuras de aire, colonias de soplo". Aunque
todos sus trabajos guardan cierta sinfonía no hace falta verlos desde un
sentido de progresión; cada uno explora una temática y sonido propios
del momento de este músico chileno. No obstante, ¿donde posicionan (y se
posicionan) estas nuevas canciones en la carrera de ihä? Esa es una
pregunta que podría haber tratado de contestar desde la intuición que
parece dar el sonido y sentimiento de este álbum, pero me pareció mas
sano charlarlo con Ignacio.
En lo personal, creo que hay un sentido de temporalidad un estas
canciones, ihä crea melodías que capturan momentos de tiempo que quedan
flotando en melodías suspendidas. Espero que este intercambio de
preguntas con Ignacio muestre como se construyó técnica y
argumentalmente este disco. "Estructuras de aire, colonias de soplo"
esta disponible un CD por Necio Recordsy en formato digital por "Ce chemin est le bon", el arte y concepto visual del disco fue hecho por el mismo Ignacio bajo su proyecto de collage y diseño No more Fluxa, el cual pueden revisar en Facebook.
Hace ya un tiempo, un año o
más, charlamos sobre cómo hacías tu música en la sección “Juguetes Para
Grandes”. ¿Consideras que algo ha cambiado, en relación a estos dos
últimos discos, en tu estilo de composición y en el equipo que usas?
Sí, ha habido una cierta deriva compositiva e instrumental a partir de Ironía.
Ese álbum fue el cierre (y quizá el punto más alto) del drone de
guitarras que venía trabajando desde el inicio de ihä, en 2011. Ironía marcó
un paso adelante por el uso de loops, algo que no había hecho antes y
que se tradujo en un sonido más complejo por la mayor cantidad de capas
que le daban forma, aunque siempre desde la improvisación. En el álbum
siguiente, Esperanza, seguí
trabajando con la guitarra, pero introduje además el teclado, lo cual
también me llevó a trabajar en piezas de más de una pista y a
desarrollar una lógica de composición espontánea, por llamarla de alguna
forma. Y finalmente, en Estructuras de aire, colonias de soplo dejé
la guitarra y me centré exclusivamente en los teclados, conservando,
eso sí, el espíritu de la composición espontánea recién aludido, que
consiste en urdir piezas a partir de líneas melódicas improvisadas en
distintas pistas. Dicho de otra manera, el trabajo compositivo se da más
a nivel de la mezcla, que se basa en pistas grabadas a partir de
improvisaciones espontáneas. Esos han sido los principales cambios.
Cuando se hace música que se
basa en el “loop” o la repetición, ¿cómo se plantea el momento de
terminar o cerrar un tema? Pregunto esto porque me llama la atención,
por ejemplo, “43 puestas de sol”, que tiene un aire circular y dura
exactamente diez minutos.
Aunque la repetición es un elemento central en mi música, en Estructuras de aire, colonias de soplo no
utilicé loops. En el caso de los discos anteriores, donde sí los usé,
el sonido se va desmaterializando por sí mismo a medida que se suman
capas a los loops; pierde nitidez y va corrompiéndose paulatinamente,
así que los temas terminan de forma orgánica: se cierran, se ponen fin a
sí mismos. Volviendo a Estructuras de aire, colonias de soplo,
las improvisaciones que dan forma a las piezas que lo componen fluyeron
–como es propio en cualquier improvisación– de modo natural, según mi
propia emocionalidad en el momento del registro. Es difícil, entonces,
responder sobre cuál es el momento preciso para cerrar un tema; sólo
ocurre.
Me gustaría que contarás un
poco sobre qué inspiraciones hay tras de este nuevo disco. Siento que
tiene cierta relación con la memoria y su fragilidad, aunque es una
perspectiva personal.
Es difícil decir algo al respecto. No hay una
conceptualización a priori que haya marcado la creación del disco, pero
sin duda constituye un trabajo que por la vía de una exploración
introspectiva busca expresar una emocionalidad contenida, en cierta
medida inexpresable, como toda la música que he grabado. Ahora bien, sí
creo que esa expresión adquirió aquí un cariz especial, conformándose
como una especie de llamado introspectivo que más que dar respuestas, plantea preguntas, evitando, a la vez, el misticismo espiritualista del new age más
caricaturesco y desplegando, por el contrario, una búsqueda
introspectiva basada en la finitud, lejos de una espiritualidad ingenua,
delirante. De cierta forma, y para decirlo con otras palabras, es el
llamado a una introspección existencial desde lo finito, pero sin
disolver la posibilidad de lo sublime en la experiencia de esa finitud
que nos atraviesa (por la muerte, por nuestra corporalidad), es decir,
se trata de una suerte de misticismo de la finitud, en la
finitud. Una sublimidad terrenal, corpórea, si se quiere. Y
efectivamente la memoria y su fragilidad pueden ser elementos
constitutivos de eso, en cuanto forman parte de nuestra experiencia de
la finitud; en este caso, específicamente de nuestra sujeción al tiempo.
En cuanto a las guías directamente musicales que
bosquejaron el camino –aunque sé que la pregunta no apunta exactamente a
esto–, me gustaría mencionar a las tres inspiraciones principales en el
proceso creativo: Alice Coltrane, William Basinski y Philip Glass.
Estas constantemente trabajando
en música nueva, ¿cómo manejas tu tiempo? ¿Consideras que has llegado a
tener un ritmo personal creativo, o muchas cosas surgen del momento?
Francamente, no lo manejo, y por lo mismo no tengo un
ritmo de creación. Tampoco es algo que busque manejar, parametrizar; no
me gustaría que se volviera una rutina. Prefiero que las cosas surjan
espontáneamente, cuando siento el impulso genuino de hacerlas.
Obviamente esto también tiene su lado negativo: tener que lidiar con la
frustración de largos períodos de sequía creativa, pero a fin de cuentas
sirve para mantener fresca la motivación y la creatividad, en lugar de
obedecer a fines productivistas y a una lógica de la eficiencia, tan
propios del capitalismo y, por lo mismo, tan lejos de las artes.
Algunos de tus trabajos
anteriores tenían ciertos énfasis en temas económicos y políticos. Sobre
eso te quería preguntar dos cosas: haciendo música instrumental, ¿cómo
consideras que se construye un mensaje más allá de lo textual que
articule algún mensaje? Tus últimos discos se han centrado en temáticas
que podríamos definir como existencialistas, ¿por qué se dio ese interés
en los últimos años?
En cuanto a la primera pregunta, creo que la
experiencia estética de la música se puede expandir más allá de una
literalidad demasiado pedagógica, pese a que los músicos recurran
habitualmente a esa fórmula. Dado que mi música es instrumental, muchas
veces –y creo que aquí tu pregunta se basa sobre todo en el caso de Ironía,
de 2016– he sentido el impulso de incluir textos que expliquen la
posición desde la cual he orientado el proceso creativo de cada disco,
pero me he abstenido de hacerlo porque trazar una ruta demasiado
definida también reduce el rol activo del oyente y limita el potencial
creador de sentido que la propia interpretación supone. Por lo demás,
aunque uno marque una dirección o plasme un mensaje (en mi caso, por
ejemplo, por medio de los títulos de las canciones y el arte de los
discos), la música termina siendo independiente de uno como creador y
será el oyente, finalmente, quien le dé sentido a lo que escucha. Por lo
mismo, creo que la experiencia estética de la música es ante todo
abierta, y no debería verse obturada por la búsqueda personal de quien
la crea, por mucho que haya espacio para trazar una ruta, sea esta
literal o no. En suma, entonces, lo que intento hacer es tan sólo
esbozar, sin demasiada nitidez, mi posición originaria (si la hay) como
creador. Y en el caso específico de mi música, esa posición originaria
(si la hay) a menudo se vincula con una búsqueda introspectiva que,
según creo, queda muy bien plasmada en las atmósferas que le dan forma a
mi sonido, y hay en ello, entonces, el esbozo de un mensaje más allá de
lo textual.
Por otro lado, tampoco se trata, ciertamente, de caer
en el extremo del silencio en el discurso, que es un riesgo latente (el
silencio es la peor de todas las violencias, dijo Derrida) y que en la
práctica opera como instrumento reaccionario. Por lo que, si en la
música solamente trazo esbozos, en otros espacios busco la manera de
contravenir el silencio y dar mensajes claros. Y lo hago sin rodeos, por
ejemplo, al definir a ihä como un proyecto abiertamente
anticapitalista, antifascista, antirracista, antixenófobo, pro-feminista
y pro-LGBTQ+. Es un proyecto de apertura; en ello no puede haber dobles
lecturas, e intento asegurarme constantemente de que no haya
ambigüedades al respecto.
Con respecto a la segunda pregunta, no se trata de un
interés particular de los últimos años. Ese espíritu introspectivo y
tal vez existencialista es parte de quien soy y ha estado presente en mi
música desde que comencé con ihä, por el sencillo motivo de que ha
estado presente en mi vida siempre. Lo que pasó fue lo contrario: llegó
un punto en que pese a que lo político está siempre presente, me
complicó no estar haciendo más explícito mi posición crítica, lo cual es
una necesidad que atraviesa a todo arte, y que para mí es esencial para
no quedar a la deriva de la superficialidad propia de la lógica
burguesa de la creación artística, que habitualmente se manifiesta, como
decía antes, en un silencio cómplice, reaccionario. De ahí surgió,
entonces, el interés por desarrollar un disco que hablara desde esa
posición (Ironía). En el caso de Estructuras de aire, colonias de soplo,
la búsqueda introspectiva ya descrita constituye su elemento central,
retomando con ello el foco existencialista que ha teñido siempre mi
trabajo creativo.
“Estructuras de aire, colonias
de soplo” saldrá a través de tu sello "Ce chemin est le bon" y por Necio
Records en Perú. ¿Cuáles son tus planes a futuro? ¿Piensas presentarlo
en vivo?
Como empecé a trabajar con atmósferas más
intrincadas, no es factible reproducir en vivo mis composiciones, lo que
se suma al hecho de que tocar en vivo en solitario constituye un
desafío inabarcable para mi personalidad. No obstante esas
circunstancias, por un impulso irrefrenable y que aún no halla forma, en
octubre volveré a tocar en vivo, después de más de un año sin hacerlo.
Por el motivo ya mencionado, no es posible presentar en vivo el disco
nuevo específicamente, pero tampoco he definido bien cuál será la nueva
modalidad.
En cuanto a otros planes a futuro, tengo algunos
lanzamientos planeados para 2018. El más concreto por ahora es la
preparación de un compilado de registros en vivo entre 2015 y 2017. Los
otros son un par de trabajos colaborativos con otros proyectos, que
prefiero mantener en reserva hasta que se hayan definido un poco más.
Sumado a eso, este año han cobrado mayor relevancia
mis proyectos paralelos. El segundo álbum de Yaca (dúo de improvisación
libre junto a Rodrigo Montoya, del Coletivo Abaetetuba), grabado en vivo
en agosto de 2017, ya se encuentra mezclado y está a la espera de ser
masterizado. Adicionalmente, este año formé dos nuevas bandas (Degú y
Huillín) con las que espero tocar en vivo y eventualmente publicar algo.
Así que se avecina un período muy fértil.
Lista de Temas:
1. La única Fuente de lo Sagrado
2. 43 Puestas de Sol
3. El Sueño de la Razón Produce Monstruos
4. Arde como una Vela en el Sufrimiento
Quizás hay que aclararlo de entrada: la siguiente lista no está armada por nosotros, y la idea de presentarla aquí no es porque se propone como una demostración objetiva de cuales obras tenemos o no que tener en cuenta, ya que en ella faltan (y desde mi perspectiva, también sobran) muchas obras indispensables del rock argento, aunque quizás no tan masificadas. Pero sí tenemos algunos discos indispensables del rock argentino que nadie interesado en la materia debería dejar de tener en cuenta. Y ojo que en el blog cabezón no tratamos de crear un ranking de los "mejores" ni los más "exitosos" ya que nos importa un carajo el éxito y lo "mejor" es solamente subjetivo, pero sobretodo nos espanta el concepto de tratar de imponer una opinión, un solo punto de vista y un sola manera de ver las cosas. Todo comenzó allá por mediados de los años 60, cuando Litto Nebbia y Tanguito escribieron la primera canción, Moris grabó el primer disco, Almendra fue el primer ...
Y seguimos con nuestra saga de algo de lo mejor que ha dado Chile a la música universal, y recordamos al grupo de "fusión subversivo", uno de los mejores grupos que nos ha dado Chile, revolucionarios, talentosos, experimentales, lindando entre el rock progresivo, el jazz rock y el RIO, con Frank Zappa y Hermeto Pascoal como referencias principales, se dedicaron a la revolución cultural y con una postura ácida y contestataria en plena dictadura militar. Su arte fue reconocido mundialmente y han influido en gente como Mike Patton, por ejemplo. Fulano inventó uno de los sonidos más novedosos escuchados en la tradición de música chilena, con teclados, percusiones e instrumentos de viento como eje de su lenguaje, el sexteto se puso por encima de categorías, y encabezando la vanguardia. Sus discos nunca fueron masivos ni tuvieron éxitos comerciales, pero abrieron caminos insospechados en los sonidos hechos en Chile. Aquí con un recopilatorio de algunos de sus mejores temas hasta el...
Otro disco desconocido y recontra recomendado. Recordamos otra belleza desconocida, otro genial disco que aterrizó en el blog cabezón, un discazo de una genial agrupación francesa, otra joya desconocida que hizo su aparición en el blog y no podemos dejar de recomendar encarecidamente que lo escuchen y conozcan. Zeuhl de la vieja escuela pero en los tiempos de hoy, para oídos expertos, o para espíritus jóvenes repletos de búsqueda musical, VAK los va a mantener un buen rato con los oídos ocupados, otra gran aventura que te propone el blog cabezón: "Ya hacía falta por aquí algo de Zeuhl puro sin disolver. Zeuhl recién horneado pero en esta ocasión hediondo a vieja escuela. Hecho en Francia para que la cuña apriete, Aedividea rebosa de momentos muy familiares para el escucha kobaiano, quien rapidamente se sentirá identificado con el más clásico Magma, Weidorje, Eider Estellaire y hasta Eskaton (lo juro por sus 4 visiones...). Con el obvio añadido de la tecnología actual, VAK recrea ...
Y seguimos con Ficción y su rock sinfónico venezolano que ya hemos presentado oportunamente, aquí vamos con su segundo disco. Quizás menos inspirado que el primero, el disco entrega 8 temas nuevos, y 5 son instrumentales, y se nota la química y la gran interacción entre los músicos, entregando potencia y dinámica, porque si hay un baluarte histórico y oculto dentro del rock progresivo y sinfónico latinoamericano que decidió desafiar el paso del tiempo con una entrega de madurez y virtuosismo instrumental, ese es este emblemático grupo. "Sobre La Cresta De La Ola", los encuentra consolidando una propuesta que cruza el pulso clásico de las grandes catedrales sinfónicas de los setenta con la pegada enérgica del jazz-rock instrumental y la vanguardia. Hablamos de un disco donde la instrumentación toma el rol protagónico absoluto con una predominancia de temas donde el diálogo musical habla por sí solo, demostrando que la química de la banda seguía tan afilada como en sus mejor...
"Akenathon en vivo tiene ese aire místico mezcla con taller mecánico, la complejidad y la simpleza..." se ha dicho de esta buena banda platense, un álbum relativamente sencillo pero efectivo y sumamente ecléctico, donde conviven lo sinfónico, el rock, el tango, el blues, y mil cosas más, dando como resultado un álbum único, personal y muy bueno, ya que el grupo plasmó en este trabajo un sonido principalmente encuadrado en el rock progresivo y sinfónico, mechado con influencias del jazz, blues, matices de hard rock, sutiles pasajes folklóricos y baladas. Se los recomiendo mucho si aún no los conocen. Artista: Akenathon Álbum: Peregrino Año: 2010 Género: Eclectic Prog Nacionalidad: Argentina Vamos a recordar el primer álbum de Akenathón , una de las bandas que más empuje le viene dando a esta gran muestra de dinamismo y actividad que tiene hoy en día la ciudad de La Plata en cuanto la cultura prog. Y para quienes no los conozcan, Akenathon "La mística del ...
Otro de los discos destacados del blog, disco solista de Farrugia, fundador de Psiglo y ex miembro de Crucis, quien supo tocar con Días de Blues y Pappo, quien fuera responsable de la nueva versión del Himno Nacional Mexicano, la cual fue adoptada como la versión oficial... una bestia en la batería que dejó su nombre grabado a fuego en el rock latinoamericano. Y les dejo las siguientes palabras de Carlos M.: "Sin duda me quedo pensando que algo debe suceder en el Uruguay, una ciudad y una cultura que permite que los pensamientos y la creatividad vuelen por todas partes y con todos los elementos que para algunos no sería bueno mezclar, pero para estos uruguayos les importa poco y fusionan todo lo que se les da la gana". Aquí, su disco solista... Artista: Gonzalo Farrugia Álbum: Stellium Año: 1999 Género: Progresivo ecléctico Duración: 50:42 Nacionalidad: Uruguay No sé si catalogarlo como un disco histórico, sino más bien un disco de un histórico, y si no saben ...
Definieron su música como "eclectisismo antihegemonico", y con eso tenemos una cierta idea de lo que desarrollaron tan bien. Comenzamos la semana con más Fulano y más del mejor rock chileno, en uno de los rescates culturales de cosas que nunca tendrían que quedar en el olvido, esta vez con uno de los grupos musicales más inquietos de Chile, en un registro en vivo donde el histriónico Jaime Vivanco aún estaba en el mundo de los vivos (un artista que no dejó de sorprender aún luego de su trágica muerte), junto a monstruos como Jorge Campos, Arlette Jequier, Cristian Crisosto, Jaime Vasquez y Paul Aliaga. Siempre fieles a su inquietud más que a cualquier otra convicción, generando un espacio de contracultura y resistencia musical en tiempos de dictadura, y creando esa especie de R.I.O. y Avant Garde contestatario que a pesar de todas las predicciones y suposiciones, tuvo éxito! Aquí, una extrañeza tremendamente particular, fuera de lo común y por demás talentosa, demostrando por...
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Seguimos con los buenos discos chilenos en nuestra saga especial, y continuamos también con el enorme grupo Fulano, en uno de los discos emblemáticos de esta banda de culto. Excelencia al por mayor con el supergrupo Fulano (miren su alineación, para caerse de culo), un proyecto que surge en los años ochenta, en plena dictadura y en un contexto de represión creativa que veía nacer ídolos de dudoso talento, su mezcla vanguardista y alocada juega en un eje de Jazz-fusión y R.I.O. a la chilena. Lograron un sonido tan enfermizamente lúdico que hacía vibrar; la banda desafió los límites musicales, límites impuestos por el consumo, por la represión, por la falta de ideas, y en ese contexto se convirtieron en una ola de aire fresco en una sociedad asfixiada, creando una mixtura de jazz-rock, avant-garde y todo aquello que les pareciese conveniente. A pesar de sus innegables influencias de Frank Zappa, Henry Cow y bandas de Canterbury, Fulano tuvo siempre una identidad propia, quizás por su ape...
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