Ir al contenido principal

Peter Hammill, el Poeta del Rock

Peter Hammill, siempre por delante de vanguardias, escuelas y géneros. Hace ya muchos años, décadas, Hammill fundó Van Der Graff Generator, cuyo barroquismo poético influiría decisivamente en muchas bandas de la new wave, cold wave y hasta punks, desde David Bowie a Peter Gabriel, sin olvidar a Ian Curtis (Joy Division) y John Lydon (Sex Pistols), Luca Prodan (SUMO), los Redondos y muchos más. Aunque nunca suficientemente ponderado músico y poeta, su majestuoso legado artístico, siempre alternando furia volcánica con sombras interiores, ha sido seguido de cerca por minorías incondicionales. Cantando con voz rota, juega con las palabras en círculos concéntricos –como pocos lo han hecho en el espectral mundo del rock-. Otro maestro telúrico de la pluma bañada en tinta, enigmático poeta oscurantista, mago tenebroso. Para quien no conozca a este cantautor progresivo, es hora de que despierte; para quien ya lo haya escuchado, no creo que haya nada que decir... Una entrada dedicada a nuestra amiga poeta Nena Indigo, recientemente reencontrada, a ver cuando la tenemos escribiendo nuevamente en el blog cabezón.




En esta nota vamos a meternos coon una pequeñisima parte del inmenso universo de la lírica de este gran artista... algunas de sus líricas nunca bienen mal para engalanar al blog cabezón.
"He estado perdiendo el tiempo, esperando por mi oportunidad
de decirte lo que pienso acerca de la música
(...) francamente
sabés que apesta
Pienso gritar, pienso chillar
pienso tocar mi guitarra
(...) dejame subir al escenario
te voy a demostrar de qué se trata todo esto
basta de farsas
(...) somos más que meros tontos, perpetuamente estafados
entonces vengan todos
destruyamos el sistema con una canción".
Nadir’s big chance - Van der Graaf Generator

Pocas letras de rock pueden ser definidas como poesía sin demostrar, con ello, el absoluto desconocimiento de lo que es la poesía; algunas de esas pocas letras se deben a Peter Hammill.
"He vivido en casas de ladrillo y plomo,
donde toda emoción es sagrada
y, si quieres devorar la fruta,
y poner tu cuerpo ante el altar
con poemas, ramilletes de flores y papeles
o, si descubres el ardid, tendras que elegir:
¿quedarte, como monje, o irte cual vagabundo?

¿Que es ese lugar que llamas hogar?
¿Es un sermón o una confesión?
¿Es el cáliz que utilizas para protegerte?
¿Es en realidad, sólo un lugar donde estar?
¿Es un libro de normas o una conferencia?
¿Es una paliza a manos de tu protector?
¿Tiene el ídolo pies de barro?
"El hogar es lo que tú hagas de él"- eso dicen todos mis amigos;
pero rara vez veo yo sus hogares en estos dias oscuros.
Algunos son caracoles que llevan la casa a la espalda;
otros viven en monumentos que, un dia, serán ruinas...
yo conservo mi hogar con cinta adhesiva y chinchetas,
pero, a pesar de todo, noto que hay otra Fuerza....

El que rompe los espejos
y mueve las paredes
sigue mirando por las ranuras de los ojos en los retratos del vestíbulo:
destruye mi biblioteca
e interviene mi telefono...
en realidad nunca le he visto, pero sé que está en mi casa..."
Peter Hammill

Dylan y Patti Smith citan a Rimbaud y Verlaine. Cohen canta a Lorca y Kavafis. John Cale y Laurie Anderson hablan palabras de Burroughs. Elliott Murphy insiste en Fitzgerald y Hemingway. Kate Bush se inspira en Emily Brontë y Gurdjieff. Son referentes relámpagos que vislumbran al artista que los ha embebido, rayos que atraviesan su carne mortal, casi como una radiografía cardiaca. En el caso de Peter Hammill, su admiración se metamorfosea en forma de sincero guiño a Borges (Shell), Papini (Gog / Magog), recitado de un fragmento del Enrique IV shakesperiano en "The Plays The Thing", dedicatoria a Ophelia, e incluso la osadía de componer toda una ópera basada en "La caída de la Casa Usher" de Edgar Allan Poe, coescrita junto a uno de sus más brillantes colaboradores, Chris Judge Smith, e interpretada por la cantante (¿punk?) Lene Lovich, en 1999.
Podemos contar a los letristas favoritos del gran Hammill, con su correspondiente canción, en estricto orden: Bob Dylan ("Just Like A Woman"), Stephen Sondheim ("Something’s Coming"), Walter Becker-Donald Fagen ("Haitian Divorce", Steely Dann), Hal David ("Anyone Who Had A Heart..."), Paul Simon ("America", Simon & Garfunkel), John Lennon ("Tomorrow Never Knows", The Beatles), Joni Mitchell ("Hissing Of Summer Lawns"), David Byrne ("Drugs", Talking Heads), Oscar Hammerstein ("Some Enchanted Evening", Jay & The Americans) y Chris Judge Smith ("Four Pails Of Water", que el mismo Hammill grabaría en su álbum "Skin" de 1986).

Hammill es un poeta, un poeta que juega al juego de la desmitificación al intentar romper ese molde de maníaco depresivo en el que se ha visto confinado. Lo cierto es que la vida es una de sus manías favoritas y la muerte una de sus depresiones periódicas. Y con la vida y la muerte pinta cuadros que son canciones. ¿Qué decir, por ejemplo, de la de "Still life", tema editado en el disco homónimo de 1976? El título es traducido corrientemente como “naturaleza muerta”, pero también puede ser vertido al español, literalmente, como “vida quieta”; una ambigüedad del todo apropiada para una canción cuyo tema es la vida de un Inmortal.
Este inmortal, que recuerda tanto al del cuento homónimo de Jorge Luis Borges, está lleno de dudas (“¿en qué nos convertimos? ¿Qué hemos elegido ser?”), lleva una “estéril” vida de “aburrimiento e inercia”, en la que “la risa no se diferencia del llanto” y, “pasando el tiempo / el cual ya no tiene ningún significado”. El final de la historia es ominoso, y recuerda el mito helénico de Titono: “pero la cama nupcial está lista / la dote ha sido pagada / los desdentados y demacrados rasgos de la eternidad / ahora me dan la bienvenida entre las sábanas / para unirme a su cuerpo marchito – mi esposa / Suyo para siempre / suyo para siempre / en la vida quieta”
Cinefania





Y dejé para el final de la sección poética una o dos interpretaciones de la canción "La Nave de los Tontos". Después meto un poco de biografía para quien no conozca de quien carajo estamos hablando y qué es eso de Van der Graaf Generator... 
"Ship of fools" ("Nave de los Tontos") había sido editado como lado B del simple "Cat’s eye – yellow fever" en 1977. La idea de una "Nave de los Locos" (o de los Tontos) como alegoría de los desatinos de un colectivo humano (alegoría de rigurosa actualidad, si tienen la costumbre de leer el diario) ha sido empleada muchas veces en la historia del arte occidental, ya sea en un famoso cuadro del pintor renacentista Hyeronimus Bosch, unas cuantas novelas, una canción de The Doors, otra de Echo & The Bunnymen, otra de Grateful Dead, y otra de Van der Graaf Generator.
Un rock con un poderoso riff de bajo y un tratamiento instrumental menos complejo de lo habitual para la banda, una interpretación vocal intensa (lo que no era ninguna novedad) y unos lúgubres comentarios musicales del saxo de Jackson, los sintetizadores de Dickie y la guitarra de Hammill. Esta letra también puede ser leída desde otro ángulo: siempre hay otra visión, suele pasar con la buena poesía, que es capaz de lecturas múltiples, sin que una lectura excluya a la otra. Pueder ser una persona que se ata a otra, en matrimonio, la falsa eternidad del matrimonio. Pasemos, por fin, a la letra:
"El capitán está en coma, el segundo está borracho;
El dueño está en su camarote con su “amigo especial”, el monje;
El enano está en el puente, dispensando lugares comunes y basura
Aquellos salvajes y especiales lugares,
Aquellos extraños y peligrosos lugares,
Aquellas tristes, dulces caras,
Es la Nave de los Tontos.
La enfermera de negro zurcía medias, ella ya está de guardia
Falsificando estrellitas con abrigos de piel, alarmadas en el bar de mala muerte;
Todo el mundo espera que el drama se desate
En estos fríos y preciados lugares,
Estos viejos y degenerados lugares;
Estas caras vacías que viven posando
Es la Nave de los Tontos.
Corre, conejo, corre, eres el único que puede hacerlo;
Gira, nena, gira, hay un anillo de fuego
Y tienes que pasar a través.
Diversión, nena, diversión, cuando las arenas han llegado al límite
Gira, nena, gira, hay un anillo de fuego y estás en él.
Buscando lógica y aventura
Bajando por el oscuro final de la calle,
Ciudad abierta, temporada abierta, labios abiertos que brillan tan dulcemente
Ofrecen besos como pirañas
A la blanda carne de tus pies,
Y el veneno de cualquier hombre es la carne de cada hombre
En aquellos locos y especiales lugares
Aquellos tristes y desesperados lugares,
Aquellos tristes, dulces abrazos del alma,
Es la Nave de los Tontos.
Aquellos extraños y especiales lugares
Aquellos extraños y peligrosos lugares
Aquellas caras tan muertas…
Es la Nave de los Tontos, no hay reglas".
Van der Graaf Generator




Biografía

Contemporáneo sin almanaque
Still Life. El disco de Van Der Graaf Generator en el que brillan la poesía y la voz de Peter Hammill es un hito del rock progresivo.
En el principio fue el verbo: progresar. La prédica del rock debía difundir su evangelio. Y lo hizo a partir del Sgt. Pepper’s de The Beatles, el disco que aprovechó los instrumentos de la música erudita y la sala de ensayo como extensión de los propios músicos. Pero si ser parte de un género de culto ya es pertenecer a un gueto, estar dentro de él y al mismo tiempo pecar de herejía ¿qué es?
La respuesta es Van Der Graff Generator, progresivos por naturaleza gracias a su singularidad y vanguardismo, un grupo que expandió las posibilidades del credo sinfónico. Pero que al mismo tiempo sería el brote de otros adelantos musicales –el punk– que harían fila para descomponer y, sobre todo, desacralizar el género. VDGG es un transbordador de experimentos melódicos que multiplicó los límites y las contradicciones del rock progresivo y, para la posteridad, enorgulleció su predicamento.
En esa nave insignia, que tuvo diferentes formaciones y épocas –y que solo podría haber nacido entre el refrescar del glam y los ciclones de la new wave –, Peter Hammill, su guía natural, ancló un talento equilátero excepcional: letrista, compositor y cantante.
Still life , una de las obras maestras del grupo, cumple en estos días 40 años.
Descarga eléctrica, arboleda, rayo, la tapa conduce toda la tensión de un disco de cinco canciones, agresivo y pleno de una belleza resplandeciente y equilibrada que nunca satura. Desde el comienzo con “Pilgrims” hasta el final con “Childlike Faith in Childhood’s End” (Hammill, lector de ciencia ficción, cita aquí el clásico de Arthur E. Clarke El fin de la infancia ) hay un camino y un todo coherentes. De formación jesuita –en su infancia fue parte de un coro de esa orden en su Londres natal–, Hammill está interesado en una hermandad que ilumine el oscurantismo existencial de sus días. La enajenación es evidente desde el primer párrafo de la primera canción: “A veces te sentís tan lejano, distanciado de la acción y el juego”. La voz de Hammill es un torniquete de tonalidades camaleónicas: vibra del barítono al sollozo o relampaguea de la carcajada obscena al grito más primario. Se eleva caliente y grave cuando dice “ I rise ” o frasea ambigua y amanerada cuando habla de una relación humana, “ any relation ”.
La canción que da título al disco, vocifera la neurosis de la vida cotidiana a través de una aliteración de gerundios, (“ breathing, eating, defecating, screwing, drinking, sinking ”). Pero su propósito es menos retórico que el orwelliano Animals , de Pink Floyd, que saldría un año después con su descripción –esencialmente en “Dogs”– de la burguesía. Más modesto pero más cínico, Hammill elucubra sobre la “naturaleza muerta” que significa el compromiso con la pareja, sentencia el anillo de “falsa liberación”. Entre la resignación y la ironía, con su pronunciado acento británico, canta al final, ya rendido: “Suya para siempre… como en una naturaleza muerta”.
En el libro Los trabajos y los días de Peter Hammill , de Marcelo Gobello –acaso de lo poco que pueda conseguirse en castellano sobre el grupo y su líder–, el entrevistado recuenta dos influencias reveladoras de su estilo vocal: el ataque de John Coltrane en el saxo y de Hendrix en la guitarra. Si hay un elemento que separa a VDGG de la crítica a los gigantismos del progresivo/sinfónico, de cierto escarnio kitsch a una época de tapas con paisajes exóticos, es la gracia y festividad del grupo, su swing : no como estilo, sino en su esencia de la improvisación y la diversión que entregan, incluso en sus temas más sombríos.
“La Rossa” es ejemplar de la calidad de sus músicos y la performance en conjunto. David Jackson, que tocaba un saxo eléctrico, gracias a un dispositivo que él mismo desarrolló, o dos a la vez (como su admirado Roland Kirk), pasa de la flauta al tenor, en una canción donde la percusión del baterista Guy Evans es la protagonista. Los teclados de Hugh Banton terminan de reconciliar una música secular, celestial y desenfrenada al mismo tiempo. Y la voz de Hammill… aullada, doliente y sardónica. Viva. La tangueril “My room (waiting for wonderland)” con su ambiente melancólico, nocturno –no a su barrio, sino a la habitación de la infancia del enunciador– sorprende cuando al final confiesa –como en el hoy ya conocido eslogan spinettiano de que no todo tiempo por pasado fue mejor– estar esperando “que se destruyan todos los sueños, esperanzas y promesas” de su infancia.
Los retratos movidos de los músicos en la contratapa reflejan una belleza futurista en la carretera perdida del presente. Como en un film de David Lynch o un cuadro de Bacon hay en Still life velocidad cinética y alienación. Y lo que perpetúa en este disco es el oxígeno sónico embotellado que lo habita, resplandeciente y opaco al mismo tiempo. Una puesta en escena que, al oírse, puede verse.
Como cierta vanguardia –la de John Lydon de Sex Pistols (declarado fan de Hammill), Syd Barrett, Joy Division, Sumo (Luca fue también un seguidor de VDGG), Los Redondos (estos dos últimos, al igual que VDGG, grupos de rock con saxos de sonido a “mugre” y protagonismo)– VDGG está construido del material con el que el viejo y moderno under tramaba la música. Y Still life sigue sonando urbano, noctámbulo y contemporáneo.
Revista Ñ

Peter Joseph Andrew Hammill nacio el 5 de Noviembre de 1948, en Ealing (un barrio de Londres). De acuerdo a las creencias familiares, Peter Hammill crecio bajo la fe Jesuita, y este seria un elemento mas que infuenciaria mucho de su futuras composiciones y obras, ademas de sus estudios en filosofia y artes.

Conducido por esta musa tan "particular", se comienza a interesar (ya en los anios '60) por la Ciencia Ficcion y su corriente llamada "New Wave" que tenia entre sus lideres a Michael Moorcock, Thomas Disch, Harlan Ellison y otros.

Mas tarde, Peter junto a se amigo Chris Judge-Smith funda la Van Der Graaf Generator en el seno de la Universidad de Manchester. La banda se separa luego de un par de presentaciones y Hammill se convierte en solista. Despues de esto, firma contrato con Mercury Records para grabar, acompaniado por varios amigos, una breve pero intensa sesion de grabacion. De aqui, renace Van Der Graaf Generator, y comienza una extensa colaboracion con el productor John Anthony que continuaria en los siguientes albums de la banda.

El sonido monolitico y barroco de VDGG todavia no habia llegado, pero las letras de Hammill ya incuian las multiples personalidades cercanas a la oscuridad, los secretos cosmicos y los misterios de las dimensiones desconocidas (ocultas a anios luz de la cotidiana realidad en que nos vemos inmersos). Todos estos topicos convergian cual muerte subita en uno solo, que era en realidad el corazon musical de VDGG y su verdadera razon de ser.

En el comienzo, todo empezo de la mano de "People You Were Going To", una alegre tonada con toques de desesperacion. Hammill mas tarde regrabaria esta cancion para el disco de 1975, "Nadir's Big Chance". En esas primeras epocas, VDGG sigue los pasos de Genesis y firma un contrato con Anthony Stratton-Smith y su nuevo sello discografico Charisma. En ese punto Hammill comienza a redefinir sus composiciones hacia formas mas adornadas, obteniendo muy buenos resultados, al incluir temas que incuian pizcas de ciencia y misticismo, con movidas ocasionales hacia temas algo mas "terrenales". Los tres primeros discos de VDGG para Charisma nos muestran muchas de estas "oscuras" cascadas hacia genuinos momentos de introspeccion "sci-fi" en temas como los geniales "Pioneers Over C" o "Man-Erg", que promediaban tranquilamente los 12 minutos de duracion. Asi llega el primer opus solista de Hammill llamado "Fool's Mate" (un nombre que referia tanto a la clasica jugada ajedrecista llamada "Mate Pastor" como a una referencia del Tarot), este disco insinuaba la veta que seguiria Van Der Graaf Generator a partir del album "H to He Who Am the Only One". El primer experimento solista de Hammill consistio, en efecto, de una coleccion de canciones bastantes mas cortas de las realizadas en VDGG, un material de su juventud que habia permanecido inedito. Para realizar estas grabaciones, Hammill conto con la ayuda de miembros de Lindisfarne, otra banda contratada por Charisma, asi como de su amigo Robert Fripp. Despues, siguiendo a la momentaria disolucion de VDGG posterior a "Pawn Hearts", Hammill graba otro disco solista llamado "The Chameleon in the Shadow of the Night", que fue en efecto casi un descanso de sus tareas grupales. Hammill se dio cuenta en este punto de la historia que tenia que desnudar sus intenciones musicales un poco, llevandolas hacia terrenos un poco mas esenciales, grabando en su casa (la primera aparicion del "Sonido Sofa"); y asi sus letras se volvieron bastantes mas personales, hasta llegar a un estilo que encontraria su culminacion en "The Black Room".

Con "Silent Corner and The Empty Stage", Hammill hace que su voz tome una forma nueva mas alla del mundo de VDGG, con caracteristicas muy maduras y propias como se escucha en "Red Shift", por ejemplo. En esta tendencia, el album revela nuevos tracks que incluyen a "Modern", "Wilhelmina", "Forsaken Gardens", y "A Louse Is Not a Home". El siguiente disco, "In Camera" consiste en una ardua labor instrumental en la que Hammill experimenta en si mismo con los ambientes creados por los "soundscapes". En 1975, Peter asume la personificacion de Rikki Nadir, un tipo vestido con campera de cuero, para "Nadir's Big Chance", un album de "garage" caotico y ruidoso con el estilo de las viejas bandas de rock & roll. Este disco surge efecto en la comunidad musical britanica de la epoca y es seguido poco despues por la explosion del punk de la mano de figuras como John Lydon (o "Rotten") que rinden una publica admiracion por el trabajo de Hammill, una de las pocas viejas figuras del Rock que se salva de las distribas "Punks". El culto de adoracion hacia la figura de Hammill continuaria en los anios siguientes, creciendo aldrededor del mundo. Tambien en 1975, renace Van Der Graaf Generator en un formato que se metia mas en una tendencia en clave de "proto-jazz" con explosiones de "rock" adheridas. Las letras de Hammill en esta epoca trataban de examinar a la gente y sus cosas (como pasa por ejemplo en "Childlike Faith in Childhood's End") todo de la mano de la expresiva y (a veces) narrativa voz de Hammill. Los primeros dos discos del regreso de VDGG, "Godbluff" y "Still Life", fueron dos muy finos albums, con algunas de las mas bellas paginas musicales jamas escritas por Hammill, como la climatica "My Room (Waiting for Wonderland)". Sin embargo, el tercer album, "World Record", (a pesar de su calidad) indicaba algunos problemas estilisticos y parecia que VDGG se acercaba a su fin. En algun momento de este sendero se sintio como que Van Der Graaf Generator habia perdido el "corazon" que impulsaba a su musica. En efecto, la banda se fracturo otra vez. Entonces, Hammill se toma tiempo para grabar "Over", otro intenso trabajo solista. Sin embargo, la banda, ahora conocida como Van Der Graaf a secas, retorna brevemente para grabar "Vital", un titulo ironico para un album que marcaba el final oficial para una de las bandas mas importantes y venerada en forma subterranea en la historia del Rock. Asi, Hammill retorno a su labor como solista, otra vez, grabando discos como "A Black Box by himself"; y mas tarde, adoptando una propia agrupacion de musicos para sus subsiguientes trabajos. En ese punto, sus letras indagan en una vision mas madura, pero con varios de los ingredientes de antanio (tanto cosmicos como misticos), aunque que en este caso enfocados de forma bastante mas personal, con una vuelta de tuerca oscura e ironica por igual. Esto se nota en algunas tonadas sardonicas que lo emparentan (casi) con otras figuras como Leonard Cohen. Asi, a lo largo de los anios graba un monton de discos, que enriquecen su reputacion y catalogo, a la vez de colaborar en forma regular con varias figuras de renombre como Roger Eno, Peter Gabriel, Robert Fripp, quienes son solo tres de varias docenas de nombres. Hammill tambien ha compuesto musica de ballet, y el trabajo operistico llamado "The Fall of the House of Usher" (basado en la historia del gran Edgar Allan Poe). Tambien se caso y tuvo tres hijas, dos de las cuales hicieron regulares apariciones en los discos de "Papa" Peter.
Tambien, a pesar de ser una figura muy conocida y una persona pública, Hammill siempre se las ingenió durante todos estos años para permanecer como un personaje enigmático y privado; un hombre que creó un estilo único de música (muchas veces) sobrecogedora que ha insipirado y maravillado a muchos durante más de 35 años.
E. Acevedo.


Comentarios

  1. Muchas gracias, la terminé de leer y dejo la página abierta para volver a leerla antes de dormir. Reitero las gracias

    ResponderEliminar
  2. Gracias Cabeza, gracias una vez más por compartir tanta cultura. Gracias a los que aportaron sus textos. Ni hablar en este caso: el gran Pedro, arte en estado puro, elevando el formato canción a un nivel superlativo. Gracias!

    ResponderEliminar

Publicar un comentario









Autonautas de la Cosmoogpista...


Este espacio fue gestado con la intención de compartir sonidos, melodías que nos conmueven día a día, que nos reciben al abrir los ojos, quizás para muchos el primer contacto con la realidad, antes que un mate o un desayuno como la gente. Estos sonidos nos causan extremo placer y por eso queremos convidarles un poquito, para juntos escapar a la dominación del hemisferio izquierdo.
Pasen, vean, lleven lo que gusten. Pero si tienen la posibilidad de hacerse con el material tangible, no lo duden, es la forma que tenemos de colaborar con los artistas para que sigan creando.
Sí alguna persona o ente se siente ofendido por encontrar material en este sitio le rogamos nos lo haga saber, todavía creemos en las palabras.
Si por alguna razón no pueden leer estas lineas, usted ya no es, usted ya no existe, usted tiene un moog en la cabeza.


Aclaración...

Este espacio se reserva el derecho de publicar sobre cualquier tema que parezca interesante a su staff, no solamente referidos a la cuestión musical sino también a lo político y social.
Si no estás de acuerdo con lo expresado podrás dejar tu comentario siempre que no sea ofensivo, discriminador o violento...

Y no te confundas, no nos interesa la piratería, lo nuestro es simplemente desobediencia civil y resistencia cultural a favor del libre acceso al conocimiento (nuestra música es, entre otras tantas cosas, conocimiento).

Información y estadísticas









Lo más visto de la semana pasada

Lizard - Half-Live (2018)

Los que siguen al blog cabezón saben que me gustan mucho estos King Crimson polacos, así que para comenzar la semana vamos a presentar su último disco, un nuevo y encantador álbum de estudio de estos maravillosos Lizard, con un disco que es un solo tema dividido en dos partes. Ya desde su portada y su arte gráfico, se nota que esto va de mucho arte, "Half-Live" es, en última instancia, una continuación coherente y sustancia del propio microcosmos de la banda. Quienes hayan escuchado alguna vez algunos de los discos de la banda y le haya gustado, puede entrar sin miedo a esta última producción, porque es como la continuación natural de todo su desarrollo anterior. Un gran disco para comenzar la semana!

Artista: Lizard
Álbum: Half-Live
Año: 2018
Género: Rock progresivo
Duración: 43:52
Nacionalidad: Polonia



Curiosamente, este álbum solo tiene un tema largo de 44 minutos. Se podría pensar que está compuesto por un montón de pasajes no relacionados, pegados sin demasiada coherencia, p…

Captain Beefheart & His Magic Band - Trout Mask Replica (1969)

Hace unos días se cumplieron 50 años del lanzamiento de este clásico que desata pasiones. Es otro de esos discos que no admiten medias tintas: lo amas o lo odias. Lo que no se puede negar es su sorprendente novedad, introduciendo elementos disruptivos en el rock como nunca antes se había hecho. Trout Mask Replica, el mejor álbum de Captain Beefheart según el consenso de la crítica, para rendir homenaje a este gran cabezón que estaba casi ausente del blog.

Artista: Captain Beefheart & His Magic Band
Álbum: Trout Mask Replica
Año: 1969
Género: Antipsicodelia, RIO, experimental, poesía
Duración: 1:18:41
Nacionalidad: EUA


El nivel de vanguardismo que Don Van Vliet aportó al rock no tiene igual. Lo más cercano a lo que Captain Beefheart estaba haciendo a fines de los 60 vendría recién a mediados de los 70 con algunas de las locuras de la escena francesa como Magma o Gong, o ya en pleno post punkismo, donde muchas bandas parecieron inspirarse en las ideas que plasmó este genial creador.





Miles & Coltrane, la Batalla de Genios y el Inicio de "A Love Supreme". O la Creación del Jazz Supremo

La sociedad entre Miles y Coltrane ya había producido en 1959 el icónico disco "Kind of Blue", y el quinteto estaba en su apogeo, todos querían escuchar a Miles y a Coltrane, entonces cuesta creer que Miles Davis y John Coltrane hayan sido silbados en el Teatro Olympia de París. En 1960, encararon una gira europea que marcó el final de una sociedad irrepetible en la historia del jazz, y quizás el puntapié inicial para lo que podríamos llamar una de las obras cumbres de la historia músical de la Humanidad: Coltrane ya tenía en su cabeza el siguiente paso de su búsqueda y sobrevolaba los acordes con una amplia libertad expresiva y una energía arrolladora, que solía descolocar a la base rítmica. . Estructurado como álbum conceptual, "A Love Supreme" documenta, con sus aires de trascendencia e infinitud, el apetito religioso no institucional de una generación, aspecto no siempre bien resaltado cuando hablamos de la época de John Lennon y el Che Guevara. Tan cerca de ra…

Cosmograf - Mind Over Depth (2019)

Que disco!!! Antes de empezar, les recomiendo mucho este trabajo. Como el diablo que mete la cola en todos lados, otra vez Colin Edwin (ex Porcupine Tree) está metiendo la cola en otro gran disco de este mismo año. Muy buenos climas, buena instrumentación, un baterista de excelencia, buenas voces, buenos temas, amplios juegos atmosféricos y mucha dinámica y bastante poder ofrecen un trabajo digerible sin ser agotador y un disco propio de esta época, que toma cosas del pasado pero para ser incorporadas al presente. Creo que el disco está pensado para que el temor se sienta vívidamente y que la amenaza sea real, y realmente lo han conseguido, mientras la música exclama el "adiós a todas las ilusiones". Opresivo, poderoso, angustiante, pero también bello y cautivador, aquí hace su entrada Cosmograf al blog cabezón.

Artista: Cosmograf
Álbum: Mind Over Depth
Año: 2019
Género: Neo-prog / Rock progresivo
Duración: 45:33
Nacionalidad: Inglaterra


Cosmograf es un proyecto creado por Robin A…

Vender la Patria: Malvinas No. Falkland Islands, Sí

Otra vez el gobierno amarillo cometió un error relacionado con las Islas Malvinas. En un mapa que ofrece la Secretaria de Cultura para identificar los "puntos de cultura" en todo el país, el archipiélago aparecía bajo la denominación "Falkland Islands", el nombre asignado por el Reino Unido. No es la primera vez que un aparente error pone en duda la posición del Gobierno en torno al reclamo de soberanía sobre las islas. En 2017, el entonces Ministerio de Modernización incurrió en el mismo fallido. Ese mismo año, desde Desarrollo Social enviaron como saludo por año nuevo una ilustración del mapa de la Argentina pero sin ninguna alusión a las islas, directamente no figuraban en el mapa. No se equivocaron, no es ingenuo ni de brutos. El anuncio de la concesión a una corporación británica de áreas de exploración y explotación de petróleo en aguas de la plataforma submarina y en la región aledaña a las Malvinas, coloca al petróleo en el centro de nuestra escena política…

Rock Progresivo: el Sonido del Futuro de la Historia

En la década de 1970, una nueva ola de bandas miró más allá de la drogues de la psicodelia a la música clásica como la guía verdadera. Peter Bebergal explora las raíces ocultas del género del rock progresivo. Aquí. otra interpretación sobre los conceptos ideológicos globales del rock progresivo, aspecto que hemos ensalsado en la nota "El Rock Progresivo y la Contracultura". Con una postura bastante relacionada en su visión, no creo que se trate de buscar una razón sino múltimples puntos de vista para comprender un movimiento pasado que se direcciona al futuro sin mirar modas o ejes temporales. Copio un tramo: "(Roger) Dean había perfeccionado la fusión de la ciencia ficción con el misticismo, la invocación de la imaginación de los oyentes del rock progresivo que estaban convencidos de que había alguna historia mayor detrás de su arte, y pasaban horas escuchando y estudiando detenidamente la portadas de los discos, con la intención de convivir de una forma ideológica.&qu…

Djabe feat. Steve Hackett - In The Footsteps of Attila and Genghis (2011)

Pedro Col andaba en la búsqueda de este disquito, y lo sumamos en nuestro listado de discos a conseguir, y aparecieron el Mago Alberto y Carlos el Menduco para darle una alegría sin fin. Otro disco de los húngaros Djabe, banda que le pone mucho jazz y mucho folk y "música del mundo" a la música del maestro Hackett. Ya los habíamps presentado en otro disco que había traido el Mago Alberto, y ahora vamos con un disco doble. Un material de disfrute de todo cabezón hecho y derecho. 

Artista: Djabe & Steve Hackett
Álbum: In The Footsteps of Attila and Genghis
Año: 2011
Género: Eclectic Prog / World Music
Duración: 61:00 + 55:58
Nacionalidad: Hungría / Inglaterra


El legendario guitarrista de Genesis aparece otra vez en el blog cabezón, junto con el espectacular grupo húngaro Djabe. Ya los conocemos y ya los presentamos, una fascinante fusión de estilos que va desde el jazz al rock muy particular y creando un estilo propio que no deja nunca de lado su historia musical folklórica y …

La Historia del Rock Progresivo en el Ámbito Cristiano

Esta semana (y la anterior) estuvimos revisando diferentes puntos de vista referidos a la historia de este género tan controversial y particular, representando distintos (y a veces opuestos) intereses y perspectivas. En este post nos vamos a centrar en lo referido a las bandas mas representativas durante las décadas en que este género ha evolucionado, pero ahora específicamente en el ámbito cristiano. Porque resulta que no solamente tenemos a Neil Morse metido en el tema religioso. Vayamos a explorar un poco....


Jorge Mario - Conocedor de la música y en especial del rock y el metal cristiano.
El rock progresivo se origina en el Reino Unido en los 60s y se perfecciona en Italia, Francia y España.
Su desarrollo consistió en gran parte, en tomar elementos del acid rock, la psicodelia, la música clásica, el jazz, y adaptar mucho de su virtuosismo, complejidad, y el deseo de experimentar e improvisar, muchas veces trabajando con base a historias conceptuales, aventuras fantásticas, cien…

La Sociedad de los Perros Rabiosos... El Efecto de la Doctrina Chocobar

El Frankenstein neoliberal se sigue morfando niños: una chica de 17 años, madre de dos niños de 2 años y un mes, falleció por haber recibido un balazo en frente luego de que un grupo de siete policías intentara allanar su casa, en el barrio Gas del Estado, de Santiago del Estero, y ella no les permitiera ingresar sin orden de allanamiento. Lo peor es que seguiremos acumilando niños e inocentes muertos gracias a quienes nos deberían defender y salvaguardar nuestras vidas. Cuando se caotiza a la sociedad desmenbrando cualquier red solidaria, organización colectiva, inclinaciones meramente culturales, y para ello impone los valores del disciplamiento social a fuerza de balazos impunes de los que se puede presumir, suceden estas atrocidades. Nos siguen pegando abajo... y seguirán matando niños.


Una parte importante de la población razona la vida y el castigo a la propiedad privada desde una concepción neoliberal. Es uno de los grandes logros culturales del neoliberalismo. Una cuestión fund…

Coltrane y "A Love Supreme": La Belleza Como Erupción Volcánica

Pese a que ya han pasado muchos años de su fallecimiento, John Coltrane es al día de hoy uno de los músicos más influyentes no sólo del jazz, siendo imposible saber hasta dónde hubiera expandido los límites de su música de no ser por su temprana muerte. No es casual que su nombre aparezca en todas las selecciones que intentan compilar los mejores discos del jazz. Otro homenaje del blog cabezón a una de las obras máximas de la música moderna (no sólo hay hablamos de él, en un posteo que toca la historia de Coltrane y sus chisporroteos con Miles Davis, sino que ya habíamos hecho otras entradas hablando de este disco, como este, o este otro). La obra maestra de John Coltrane grabada durante un sólo día de 1964 y editada en 1965. Revisitarla sirve no sólo para pensar su lugar en la historia del jazz sino también para reflexionar sobre el valor cultural de un disco, sobretodo teniendo en cuenta que es un objeto en vías de extinción... ¿Cómo se editará el "A Love Supreme" del futu…

Unordered List

"La desobediencia civil es el derecho imprescriptible de todo ciudadano. No puede renunciar a ella sin dejar de ser un hombre".

Gandhi, Tous les hommes sont frères, Gallimard, 1969, p. 235.

Entradas populares de este blog

Denuncia en Primera Persona. El Desprecio a la Discapacidad

Quizás el rostro más duro y paradigmático de la política se pueda captar con precisión con las personas más vulnerables de la sociedad y el respeto que reciben por parte del poder político. Y esto va mucho más allá de las ideologías: es simple humanidad, o anti-humanidad. Aquí nos deja su mensaje, reclamo y denuncia nuestra amiga cabezona Natalia, quien partiendo de su historia personal, toca la problemática de la precarización laboral existente en el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en general, y repasando las actuales dificultades para la obtención del Certificado Único de Discapacidad, enfatizando la necesidad del pase a planta permanente de las y los integrantes del colectivo que actualmente se encuentran precarizados. Los datos demuestran que la crisis afecta de manera más significativa a las personas que pertenecen a colectivos que ya venían sufriendo discriminación. Por eso la crisis también ha empeorado las condiciones laborales y sociales de las personas con discapacidad…

Esbjorn Svensson Trio - Live In Hamburg (2007)

Artista: Esbjorn Svensson Trio Álbum: Live In Hamburg
Año:2007
Género: Jazz
Duración: 1:58
Nacionalidad: Suecia
Lista de Temas:
1. "Tuesday Wonderland"
2. "The Rube Thing"
3. "Where We Used To Live", 
4. "Eighthundred Streets By Feet"
5. "Definition Of A Dog"
6. "The Goldhearted Miner"
7. "Dolores In A Shoestand"
8. "Sipping On The Solid Ground"
9. "Goldwrap"
10."Behind The Yashmak"
Alineación:
Esbjörn Svensson / Piano
Dan Berglund / Contrabajo
Magnus Öström / Batería
Lino, nuestro cabezón venezolano, se pega una vuelta por el blog y resube este buen disco de jazz contemporáneo. Si te gusta el jazz, no dudes de escuchar este trabajo. Gracias Lino!

Las 100 Mejores Canciones del Prog

Aquí, las 100 mejores canciones de rock progresivo de todos los tiempos, según la revista "Prog". Y aunque habitualmente no le damos bola a la lista de mejores discos o canciones de rock progresivo de la historia ofrecida por algunos portales, webs y demás publicaciones, quizás está bueno darle importancia a la lista que ofrece ahora la revista "Prog" (esa misma que da los premios que mencionamos el otro día) ya que es armada según la opinión de gran parte de su público. En concreto, la revista "Prog" ofrece un total de 100 canciones y la lista la ha elaborado a partir de una encuesta muy trabajada donde han participado tanto lectores como expertoso, artistas y autores de música consultados por la publicación. Una recopilación de lo más compleja que creo merece la pena.

Aquí está la lista de las mejores canciones de rock progresivo del puesto 100 al 1:

100) Inca Roads - Frank Zappa & The Mothers Of Invention
99) The Life Auction - Strawbs
98) In The Ca…

La Barranca - Eclipse de memoria (2013)

Artista: La Barranca
Álbum: Eclipse de memoria
Año: 2013
Género: Rock poético mexicano
Duración: 45:04
Nacionalidad: México

Lista de Temas:
01. El alma nunca deja de sentir
02. Ante la ley
03. Garzas
04. Flores de invierno
05. En cada movimiento
06. La tercera joya desde el sol
07. El futuro más distante
08. Campos de batalla
09. Sequía
10. Siempre joven
11. El tiempo es olvido


Alineación:
- Federico Fong / bajo, piano, percusión.
- José Manuel Aguilera / voz, guitarras, órgano, charango.
- Adolfo Romero / guitarras.
- Navi Naas / batería.
Invitados;
Enrique Castro / marimba, percusión, piano, kalimba.
Alfonso André / batería.
Cecilia Toussaint / coros.
Yamil Rezc / percusión, juno, batería.
Agustín Bernal / contrabajo.
Darío González / rhodes, mellotron, hammond.
Daniel Zlotnik / sax soprano, sax tenor, flauta, hulusi.
Erick Rodríguez / trombón.
César Barreiro / trompeta.
Magali / piano.
Mónica del Águila Cortés / cello.
Arturo González Viveros / violín.
Erika Ramírez Sánchez / viola.

Y ya p…

Egberto Gismonti & Naná Vasconcelos - Duas Vozes (1985)

Artista: Egberto Gismonti & Naná Vasconcelos Álbum: Duas Vozes
Año: 1985
Género: Jazz Fusión / Latin Jazz
Nacionalidad: Brasil

Lista de Temas:
1. Aquarela do Brasil
2. Rio de Janeiro
3. Tomarapeba
4. Dancando
5. Fogueira
6. Bianca
7. Don Quixote
8. O Dia, À Noite

Alineación:
- Egberto Gismonti / guitar, piano, dilruba, wood flutes, voice
- Naná Vasconcelos / percussion, berimbau, voice



Robert Dimery, Editor - 1001 Albums You Must Hear Before You Die (2006)

Libro de referencia de la música pop aparecida entre 1955 y 2005, abarcando los géneros desde el rock, blues, folk, jazz, pop, electrónica y world music. Las reseñas fueron realizadas por un equipo de unos 90 críticos de distintas latitudes y gustos. El trabajo se basa en discos originales, quedando así por fuera las recopilaciones de varios artistas, quedando excluido así, el mítico álbum de Woodstock. Sin embargo el panorama es muy amplio y uno siempre encontrará artistas que no ha oído.

Editor: Robert Dimery Prefacio: Michael Lydon
Primera Edición: 2005
Cubierta:Jon Wainwright
Género: Catálogo
Páginas: 960
Nacionalidad: EEUU Editorial:Universe Publishing
Reediciones:2008, 2011, 2013 Otros Idiomas: español, portugués, noruego, finés, sueco, y otros.



Presentación del Editor de libros de Amazon.com 

The ultimate compendium of a half century of the best music, now revised and updated.1001 Albums You Must Hear Before You Die is a highly readable list of the best, the most important, and the most in…

La Barranca - Denzura (2002)

Artista: La Barranca
Álbum: Denzura
Año: 2002
Género: Rock alternativo
Nacionalidad: México

Lista de Temas:
01. fascinacion
02. animal en extincion
03. hasta el fin del mundo
04. donde la demasiada luz forma paredes con el polvo
05. la vision
06. no mentalices
07. denzura
08. montana
09. la rosa
10. madreselva
11. minotauro
12. kalenda maya

bonus ep: cielo protector
13. cielo protector
14. rendicion
15. tsunami
16. el agua que cae
17. cielo protector (demo)


Alineación:
- José Manuel Aguilera / guitarra, voz, órgano
- Alejandro Otáloa / guitarra, piano, teclados
- José María Arréola / batería
- Alonso Arréola / bajo, guitarra acústica
Músicos Invitados:
Federico Fong - piano eléctrico (6)
Cecilia Toussaint - voces femenina (2,10)
Marco Antonio Campos - percusiones (2, 4, 9, 10)
Joe D'Etiene - trompeta (8 )
Cherokee Randalph - viola (3, 6, 7)
Mónica del Aguila - chelo (3, 7, 6)
José del Aguila - violín (3, 6, 7)
Arturo González - violín (3, 6, 7)
Eduardo del Aguila - platillo tibetano (1)

Manantial - Manantial (1977)

Nuestro amigo Julio Moya sigue con su tarea de palentólogo del rock latinoamericano y ahora nos presenta la historia de Manantial, algo así como los Arco Iris de Bolivia (incluso en su historia hay puntos de contacto con la banda de Santaolalla). Manantial fue una de las bandas mas representativas del rock boliviano producido en la decada setentera, con una clara influencia inclinada al rock progresivo y experimental, creando una verdadera joya perdida del rock boliviano (no van a encontrar referencia alguna por ningún lado de esto, salvo lo escrito por el cabezón Julio) que ahora presentamos en el blog cabezón gracias al trabajo investigativo de Julio Moya.

Artista: Manantial
Álbum: Manantial
Año: 1977
Género: Rock progresivo / Rock psicodélico
Nacionalidad: Bolivia


Este tiempo Julio estuvo viajando de lado a lado, ahora se encuentra en Bolivia consiguiendo material para "Años Luz", y nos deja la reseña de este disco, una nueva banda que damos a conocer en el blog cabezón, una …

Argentina Kamikaze

La Fiesta Amarilla (a la que no estás invitado, dicho sea de paso) sigue su curso y no va a parar hasta el iceberg. Después de los tristes anuncios desmentidos sobre los horizontes inflacionarios de 2018 llegan las primeras atenciones del gobierno PRO para con sus gobernados y a partir del 1 de febrero (2018) rigen los primeros aumentos del año: boletos de colectivos, boletos de trenes, facturas de luz, facturas de gas, medicina prepaga y peajes. Aumenta todo menos tus ingresos.

Hoy entran en vigencia los tarifazos del transporte (colectivo 32% y tren 35%), luz (24%) y prepagas (4%). Decisiones que afectan a la mayoría de los argentinos de un gobierno de empresarios en un año no electoral. Casualmente.
La catarata de aumentos tiene impacto no sólo en los bolsillos sino también en los índices de inflación, lo cual complica de entrada el cumplimiento de la meta de inflación anual que puso del Banco Central, del 15%. Según las estimaciones de las consultoras, el avance de los precios pod…

The Flower Kings - Retropolis (1996)

El segundo disco de estudio de The Flower Kings refuerza su pertenencia a la más sólida tradición prog, homenajeando sutilmente a algunos de los clásicos. Con este disco la banda se dio a conocer más ampliamente, con una propuesta musical entre el reconocimiento a los gigantes que crearon el género y la recreación de sus posibilidades en su presente. Retropolis ayudó en el resurgimiento del prog de los años 90 con su propuesta ecléctica y sus acertijos: “¿De quién estoy hablando?”, parecen decir en ciertas frases del texto y la música, ¡para que respondan lxs cabezonxs!

Artista: The Flower Kings
Álbum: Retropolis
Año: 1996
Género: Progresivo sinfónico ecléctico
Duración: 1:08:45
Nacionalidad: Suecia


El título y la carátula parafrasean el clásico cinematográfico Metropolis de Fritz Lang (1927), aunque la referencia se detiene ahí (a no ser porque la temática general de aquella visionaria película —la condena de una sociedad tecnológica que oprime al pueblo— es también una de las preocupacion…