Mujeres, Musas, Fundadoras de la Música Vanguardista (y la Madre del Rock Progresivo)
De
Rafa Nori
En
el día Internacional de la mujer
La música electrónica, Doctor Who y el dibujo de la voz
tuvieron un mismo principio: dar vida a lo que solo mujeres Avant-Garde fueron
capaces de imaginar y lo que solo una historia sesgada fue capaz de silenciar.
Es por ello que en Pantalla sonora presentamos a mujeres que flecharon a la
música, derrocando barreras y definiendo un antes y un después en la historia
sonora.
El sesgo de la historia por una visión masculina es casi tan
antiguo como la historia misma y la música no ha sido excluyente con este
fenómeno, pero grandes descubrimientos conllevan grandes mentes, mentes capaces
de seguir sus propios consejos delirantes y totalmente omisas de los
impedimentos de época, género, raza o religión. Así, los créditos de la
historia se ven lastimados por visiones unilaterales, mayormente masculinas y
totalmente desbalanceadas, pero que, en las manos correctas, cobran un nuevo y
poderoso sentido, donde la historia no se repite, sólo se mejora.
Es por ello que presentamos a tres mujeres inglesas que
flecharon a la producción sonora y fueron capaces de romper barreras y definir
un antes y un después en las entrañas del audio.
Oram y el arte de dibujar la música
Pasando drásticamente de la enfermería a las artes, la
inglesa Daphne Blake Oram contaba con un antecedente clásico, donde el piano,
el órgano y la composición le otorgaron una oferta en el Royal College of
Music, una institución un tanto insuficiente a las necesidades de Oram, quien,
sin mucho hesitar, rechazó el cupo.
Así, con la Segunda Guerra Mundial en puerta, la BBC y todo
aquello que no fuera el ejército se encontraba baja en elementos masculinos,
por lo que Daphne, quien hasta ese entonces era ingeniera en audio en la
radiodifusora, se encargó de mezclar los sonidos que captaban los micrófonos en
los conciertos, un trabajo meticuloso que debía hacerse en directo por las
complejidades y altos costos de lo que en ese entonces implicaban las
grabaciones.
Años después y confrontando las grandes fuerzas masculinas,
Oram se unió al también ingeniero en audio, Desmond Briscoe y juntos fundaron
el Radiophonic Workshop, una unidad que la BBC quiso dedicar a la creación de
efectos sonoros y musicales para radio, pero que, tras múltiples conflictos y
escaso financiamiento, motivaron a Oram a presentar su renuncia y montar su
propio estudio. Ahí fue donde sucedió la magia; con algunos jingles para Lego y
Nestea, el estudio mantuvo la fuerza suficiente para financiar el gran proyecto
de su vida: Oramics, una visión orgánica, imperfecta y aventurera que tenía un
principio casi místico: todo aquel que sea capaz de dibujar simples líneas, es,
por lo tanto, capaz de componer.
Un sistema basado en cintas de cristal que, al cruzar
elementos sensibles a la luz, permitían a las marcas de la película leer las
alteraciones de las ondas, traduciéndolas como modificaciones en el tono y
volumen, generando nuevos sonidos y marcando para siempre la música,
desvinculando por primera vez el sonido acústico para crear obras íntegramente
electrónicas y permitiendo sintetizar y componer al mismo tiempo. Fue también
en esta máquina que, en 1949, Daphne crearía Still Point, considerada como la
primera obra que mezclaba sonidos de orquesta acústica con manipulación
electrónica en directo.
Doctor Who, The Delian Mode y Pink Floyd
Burbujas de viento y sonido de nubes. Dos instrucciones tan
inverosímiles como complejas que llevaron a la británica Delia Derbyshire a
crear uno de los temas más reconocidos de la ciencia ficción televisiva. Así,
Doctor Who obtuvo la cereza en el pastel con una intro sideral y desenfrenada
como la serie misma.
Con una trayectoria marcada por sonidos propios del siglo
XXI, Delia Derbyshire, nacida en 1937 en Inglaterra, demostró tenacidad con dos
carreras terminadas, una en matemáticas y la otra en música, así como en su
incursión a la difícil industria musical cuando la disquera Decca Records
rechazó su petición para trabajar con ellos, dándole vuelta a la página y
llegando a la Unión Internacional de Telecomunicaciones de la ONU en Ginebra.
Un año después y de vuelta en Inglaterra, entró como
asistente de gerente de estudio en la BBC, donde encontraría el taller de la
recién mencionada Daphne Oram y se dejaría seducir por las infinitas
posibilidades experimentales que dicho departamento tenía para ofrecer.
Apasionada por teorías de la percepción del sonido y de los cambios en el
estado de ánimo de la audiencia a través de fuentes electrónicas, recibió a sus
26 años una solicitud importante: debía interpretar una composición de Ron
Granier para un nuevo show que narraba las aventuras de un viajero en el tiempo
y el espacio. Por su larga trayectoria creando proyectos de corte fantástico,
en donde monstruos, robots y hombres del espacio eran los protagonistas de la
historia, Delia entregó una pieza capaz de capturar el tono fantasioso del
programa.
En una década donde los ordenadores y los softwares de
edición de audio eran una cuestión de tinta y papel, Delia trabajaba de manera
rudimentaria. Cintas magnéticas dejaban rastro de los instrumentos o de los
sonidos de la naturaleza que posteriormente, mezclaba con grabadoras que le
permitían explorar agudos, graves, ecos, y todo tipo de modificaciones que
volvieran a la fuente inicial, un elemento prácticamente indistinguible.
Años después, la inglesa estaría recibiendo en su estudio a
bandas como The Beach Boys, The Beatles y Pink Floyd, volteando la mirada de
estos dos últimos grupos al estudio como un instrumento por sí mismo, y dándole
a Delia el título de Madre del Rock Progresivo.
Flores de voz de Watts
Reino Unido, 1842. Margaret Watts Hughes se estrena en el
mundo. Una cantante, compositora y posteriormente científica galesa, que uniría
las dos grandes pasiones de su vida para asombrar al ojo humano con un logro
inesperado: visualizar la voz humana.
Su invento, el eidófono, era un instrumento de funcionalidad
aparentemente sencilla; compuesto de un tubo, un receptor y una membrana
flexible de goma muy fina cubierta inicialmente de arena y después de polvo de
licopodio, permitía dibujar sobre estas figuras geométricas extraordinariamente
bien definidas y frecuentemente muy bellas, todo a partir de la resonancia de
la voz.
Su invento atravesaría pequeñas metamorfosis con sus debidas
mejoras, utilizando algún líquido como agua o leche, lo que le permitió
comprobar que el tono de su voz modificaba la imagen, y que era preciso hacer
un uso específico, pues una nota cantada con gran fuerza elevaba el líquido,
generando movimientos violentos que impedían mantener el registro. Después la
sustancia se sustituyó por glicerina y talco humedecido, donde la densidad
facilitaba el elemento de la volatilidad, generando imágenes aún más sofisticadas
y controladas.
Siguiendo sus experimentos, Watts plasmó en su texto de 1891
Sonido visible: Figuras-voz, que, en su aparato, además de plasmar el
movimiento emitido por la voz, ciertas curvas registraban sobre tonos
inaudibles, permitiéndole al ojo percibir lo que el oído no.
Quizás hay que aclararlo de entrada: la siguiente lista no está armada por nosotros, y la idea de presentarla aquí no es porque se propone como una demostración objetiva de cuales obras tenemos o no que tener en cuenta, ya que en ella faltan (y desde mi perspectiva, también sobran) muchas obras indispensables del rock argento, aunque quizás no tan masificadas. Pero sí tenemos algunos discos indispensables del rock argentino que nadie interesado en la materia debería dejar de tener en cuenta. Y ojo que en el blog cabezón no tratamos de crear un ranking de los "mejores" ni los más "exitosos" ya que nos importa un carajo el éxito y lo "mejor" es solamente subjetivo, pero sobretodo nos espanta el concepto de tratar de imponer una opinión, un solo punto de vista y un sola manera de ver las cosas. Todo comenzó allá por mediados de los años 60, cuando Litto Nebbia y Tanguito escribieron la primera canción, Moris grabó el primer disco, Almendra fue el primer
La realeza de la música rock se reunió para recrear uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia, la obra maestra de King Crimson de 1969, "In The Court Of The Crimson King", y Jorge Nuñez se volvió a acordar de ustedes y es por ello que ahora lo presentamos en sociedad: uno de los álbumes más icónicos de la historia de la música, considerado por los críticos como una grandiosa obra maestra, vuelve a ser noticia porque recién salió del horno su última resurrección, con reversiones a cargo de miembros de King Crimson, como Mel Collins y Jakko M. Jakszyk, así como de Todd Rundgren, Chris Polonia (Megadeth), Ian Paice (Deep Purple), Joe Lynn Turner (Rainbow), James LaBrie (Dream Theater), Carmine Appice (Vanilla Fudge, Cactus, Pappo's Blues, etc.), Steve Hillage (Gong) y más. Y lo más divertido es que seguramente quedarás paralizado de oír como cada tema es interpretada por esta extraordinario banda de músicos. Para que te entretengas en el finde, es
Nuestro amigo Julio Moya sigue con su tarea de palentólogo del rock latinoamericano y ahora nos presenta la historia de Los Grillos, y resumiendo les diría que si Jethro Tull hubiera sido andino, probablemente hubiese grabado este disco, ya que encontrarás flautas similares a Ian Anderson, junto con instrumentos de viento autóctonos. Un disco con 8 temas con una duración total que no alcanza la media hora. De alguna manera puede trazarse un paralelismo con Los Jaivas de Chile, pero se debe tener en cuenta que la raíz folclórica es diferente y con un sonido propio de altiplano. Aquí, uno de los discos más importantes de la historia del rock en Bolivia, y una de las mayores joyas del rock boliviano, expresión del folk rock temprano donde Los Grillos fundadon el sonido del Neo Folclore Andino, incursionando en el Moog a modo de "sintetizador andino". Si disfrutaste de "Alturas de Macchu Picchu" de Los Jaivas, o los bolivianos Wara o los argentinos Contraluz, descubrirá
“Si vinieron para que les hable de mí, me voy –dijo Luis Alberto Spinetta al tomar el micrófono–. Yo les voy a hablar de la música en una faz filosófica: del origen de la materia sonora y su repercusión en la civilización. Y solo contestaré preguntas sobre eso, no sobre Spinetta.” Eran pasadas las 19.30 del lunes 2 de julio de 1990 cuando el Flaco dio comienzo a su “clínica de poesía musical” en la Casa Suiza –ubicada en Rodríguez Peña 254 de la ciudad de Buenos Aires–, con entrada libre y gratuita, ante más de cuatrocientas personas. Años después, esa charla se convertiría en un libro apócrifo: El sonido primordial. Por Patricio Féminis Esta es la historia de aquella conferencia de Spinetta que llegaría a tener una edición pirata, como si fuera un libro suyo, y que llegaría a venderse por dos editoriales distintas en Mercado Libre. Aquel lunes invernal de 1990, el guitarrista, cantante y creador asistió para exponer en la Casa Suiza (hoy tapiada por un edificio en construcción)
Buenos días desde La Barra Beatles, hoy nos vamos rumbo a la Inglaterra de los 70´s, una era de oro que pone melancolía en La Barra. La idea es rememorar a una de las grandes bandas de rock progresivo, que en Argentina empezamos a conocer años después de sus primeros lanzamientos. En 1976 Genesis publica el primer disco luego de la traumática partida de su cantante y miembro fundador Peter Gabriel. Representó todo un reto, porque mucha gente teorizó que con esa separación el grupo había sufrido una herida de muerte. Perder un cantante y compositor de la talla de Peter creo que preocupa a cualquiera, pero los muchachos no arrugaron y decidieron continuar, el resultado fue uno de sus mejores trabajos: “A trick of the tail”. Para algunos la traducción literal sería “Un truco de la cola”, otros hablan de un giro idiomático que sería algo así como “El diablo estuvo metiendo la cola”, también lo traducen como “Un golpe de timón”. Por Jorge Garacotche Este bellísimo álbum fue grabado entre
Para John Berger, "las tiranías no solo son crueles por sí mismas, sino que, además, ejemplifican la crueldad y, por consiguiente, fomentan la capacidad para serlo y la indiferencia frente a ella entre los tiranizados". Estamos frente a una avanzada masiva sobre nuestras vidas. Hacia donde miremos vemos catástrofe. Despidos, comedores sin comida, cierre de programas que garantizaban derechos, desfinanciamiento de las universidades públicas, desregulación de las tarifas, represión de la protesta, el endeudamiento como mecanismo de reducción de la posibilidad de vivir y una larga lista que se actualiza día tras día. Frente a esto, se suceden expresiones que intentan revalorizar las vidas dañadas: "Nuestro trabajo era importante", "no todos somos ñoquis" o ―peor aún― "yo no era ñoqui", "lxs docentes no adoctrinamos", "perdimos compañerxs que hacían". Tenemos que producir valor a partir de la desgracia. Vivir se convirtió en
Mucho antes de agitar la primavera alfonsinista de la recién llegada democracia con la segunda encarnación de Los Abuelos de la Nada allá por los años 80, había nacido en Francia la primera versión de esta agrupación, pariendo además un disco maldito del que poco se llegó a conocer por estos parajes, e inclusive la primera edición para el mercado argentino de este disco salió no hace mucho. Un disco particular, donde hay hard rock, psicodelia, experimentación, y además una historia muy rica donde terminan apareciendo muchos de los máximos referentes del rock argentino, y donde Miguel Abuelo, ese niño de la calle devenido en poeta iluminado por la psicodelia y el folclore del noroeste es el protagonista casi casi, principal. Recién lo acabamos de presentar y ahora revivimos este disco tan particular. Un disco de culto que no puede estar afuera del blog cabeza. Artista: Miguel Abuelo & Nada Álbum: Miguel Abuelo & Nada Año: 1973 Género: Hard rock / Rock psicodélico Duració
Una reedición de la discografía completa de I.E.M., y convengamos que estos temas de I.E.M. eran muy difíciles de encontrar dado que sus ediciones fueron de una tirada muy limitada que ya se había por descatalogada ya hace mucho tiempo. Otro enorme aporte de LightbulbSun, y para aquellos que no están familiarizados con esto, les cuento que estos son los álbums en formato boxset de I.E.M., o Incredible Expanding Mindfuck, o el apodo de Steven Wilson para sus exploraciones psicodélicas y krautrock creadas entre lo que va de 1996 hasta el 2001 que pueden resultarte una especie de shock. Este compilado reúne con los 3 álbumes de estudio en este período, y definitivamente har algunas joyas aquí que seguramente serán muy apreciadas por el público cabezón. E ideal para cerrar otra semana a pura música en el blog cabeza, aquí tienen mucha música por si el fin de semana se presenta feo y lluvioso y se te joda el asado... con esto no te vas a aburrir. Artista: Incredible Expanding Mindfuck Á
"No puedo evaluar lo que hago con el aplausómetro. Me importa un belín. La pregunta es, si un pintor que sabe que es bueno sabe también que no va a poder mostrar sus cuadros, ¿los pintaría? Más bien. Le chupa un huevo. Un novelista, un poeta que es capaz de escribir versos, ¿qué necesita? Nada; va a Pippo, se pide un fresco y batata, se sienta y en el mantel, nomás, escribe LAS palabras. ¿Tecnología? Nada ¿Costo? Cero. Si uno hace música y sabe que suena bien, no importa si otro cree que no es tan buena. ¿Qué? ¿La voy a parar y no la voy a componer? No. Me importa un pito. Es el aire para quien yo la estoy haciendo y es el aire el que me va a devolver lo que yo quiera sembrar allí. ¿Acaso una novela se aplaude? Se lee en soledad. El arte es un trabajo individual y suena dentro del recinto en el que se lo trabaja. De ahí a que se crea que es una necesidad que otro lo escuche hay un largo espacio. Y, por otro lado, cuando la música es buena, cura. Cura. Sólo eso. Entonces, ahí sí
Para terminar la semana presentamos un disco doble muy especial, desde Ecuador presentamos a una banda que ya tiene un nombre particular que los define: Boson de Higgs, que como ópera prima se manda con un concepto inspirado en el cosmos, la astronomía en un viaje interestelar de 15 temas que tienen además su versión audiovisual, en un esfuerzo enorme que propone la divulgación científica y cultural de un modo nuevo, donde se aúnan la lírica en castellano, el rock alternativo, la psicodelia, el space rock, el hard rock y el rock progresivo. Un álbum doble sumamente ambicioso, con muy buenas letras y musicalmente muy bien logrado y entretenido en todos sus temas (algo muy difícil de conseguir, más pensando si es su primera producción) y donde puede verse en todo su esplendor en su versión audiovisual que obviamente no está presentado aquí salvo en algunos videos, pero que pueden ver en la red. En definitiva, dos discos muy buenos y realmente asombrosos para que tengan para entretenerse
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