#Músicaparaelencierro. De Chile con amor. Aquí vamos con más aportes de Neck, esta vez nos vamos para Chile para presentar a ihä, que es el proyecto solista del músico Ignacio Moreno Fluxà. Aquí presentamos este disco de nombre raro, con música rara, ambiental, electrónica, cercana al drone, llenas de texturas, no falto de emotividad y mucho menos de experimentación cercana a algunos trabajos de Brian Eno, al que no le falta ni un extenso tema de 18 minutos, solamente falta que lo conozcan y vean si les gusta. Y también falta que agradezcan al bueno y querido Neck! Otro de los aportes latinomaricanos, que esta semana tendremos varios y muy buenos.
Artista: ihä Álbum: Estructuras de Aire, Colonias de Soplo Año: 2018 Género: Electrónica / Ambient Duración: 42:15 Nacionalidad: Chilena
Una cuidadosa investigación sonora, con líneas sobrias y minimalista este chileno crea un efecto hipnótico a través de su música, que produce un efecto que bien podría llamarse cercano a esa cosa llamada new-age, pero que en realidad es demasiado nostálgico y oscuro como para poder siquiera pensar en encasillarlo en esa corriente.
Ihä, alias del inquieto músico chileno Ignacio Moreno Fluxà, siempre se ha caracterizado por la calidez y sencillez de sus entregas, que deambulan entre el ambient clásico y el drone contemporáneo. Sin embargo, en éste, su último disco, esto llega a un clímax glorioso, pues su visión del ambient toma una intensidad que se desmarca totalmente de la autocomplacencia conceptual, en la que suele caer usualmente el minimalismo genérico. Pero aquí no: la cadencia musical es metáfora de un animal tierno y sincero, que sufre, se calma, y supera, con toda la densidad de la vida, sin abstracciones ni justificaciones trascendentales. Un vivo y encarnado minimalismo que sube y baja como una mar, una marea sobre la cual flota la audiencia hipnótica y conmocionada, en piezas de títulos sugerentemente poéticos como ‘La única fuente de lo sagrado’ o ‘43 puestas de sol’. El sosiego y no pretensión de la dinámica de Ihä, exporta a una dimensión de meditación no-productiva. Una especie de new-age desilusionado, una terapia infinita, y también una desocultación de la belleza de lo desapercibido. El disco, masterizado por Michel Leroy de Un Festín Sagital, avanza como un bello viaje de ritmo cadencioso, de colorida e intensa emotividad, una calma dramática, que se acepta y se lamenta. Luz y melancolía se revuelven en tímidas estructuras, que se articulan y desarticulan, pero que siempre avanzan, en un movimiento sutil pero constante, palpitante. La suavidad y delicadez del devenir sonoro de este disco, acaricia desde los oídos. La percepción de flote en una suave marejada persiste en todo el disco, pero en distintas intensidades emocionales, en composiciones como ‘El sueño de la razón produce monstruos’ o los 18 minutos de ‘Arde como una vela en el sufrimiento’. Sin duda un disco totalmente recomendable para quienes no exigen espectacularidad en la música, y aprecian la intensidad de la sencillez.
En sus varias capas los sonidos se entrelazan, se fusionan y se deslizan unos sobre otros. La música no es estática, sino que está en constante movimiento, sin que uno, como oyente, note un ritmo o tempo. Todo sucede de forma natural, tranquila pero decidida.Una aquitectura compuesta por sonidos que interactúan entre sí y que te llevan donde quieren. El desarrollo es lento y cadencioso, pero sin embargo hay una dirección clara, con una intención definida.
En "Estructuras de aire, colonias de soplo", ihä te lleva a un viaje por paisajes abstractos que son similares a un cuento musical por la atmósfera que se evoca, con un estilo tranquilo y atmosférico que no se impone, pero que sin embargo obliga a una escucha atenta, simplemente por el esplendor ineludible del sonido.
Claro que merece que lo conozcan!
"Estructuras de aire, colonias de soplo" fue publicado en abril del presente año (2018) en formato digital por ihä (pronunciado como "ija"). Me cuesta poner etiquetas y en este caso, por ejemplo, no sabría si el concepto de "música ambiental" sirve. Pienso que es como si les dijera que es música de ascensor o algo que pones de fondo para hacer el aseo y es lo último que recomendaría hacer para apreciar esta música. El disco es basado en teclado y efectos, con un sonido cálido capaz de llenar la habitación donde se reproduzca. Nostálgico. Aunque 3 de las 4 canciones duren más de 9 minutos, todas parecen pasar demasiado rápido. La discografía de ihä (proyecto de Ignacio Moreno Fluxà) es extensa en comparación al tiempo que el proyecto lleva con vida (desde 2011) y particularmente este trabajo me resulta el más "amigable", si no se ha familiarizado previamente. No es que vaya a sonar de repente un ruido que no sea acorde a la música. Tal vez es el teclado que le da un peso diferente al de ejecución con guitarra que he escuchado en discos pasados. Sugiero, si existe interés en adentrarse a esta obra, que no hayan muchas distracciones mientras se le da una oportunidad. Si es válido comentar la escenografía que me evoca al escuchar el disco, es inevitable pensar en paisajes templados durante una tarde agradable.
Y a continuación compio una entrevista, para que a la reseña no le falte nada.
ihä, proyecto del chileno Ignacio Moreno Fluxa,
ha mantenido un ritmo creativo constante durante los últimos años. En
el 2016 apareció "Ironía", al año siguiente "Esperanza", y hace poco
tiempo vino al mundo "Estructuras de aire, colonias de soplo". Aunque
todos sus trabajos guardan cierta sinfonía no hace falta verlos desde un
sentido de progresión; cada uno explora una temática y sonido propios
del momento de este músico chileno. No obstante, ¿donde posicionan (y se
posicionan) estas nuevas canciones en la carrera de ihä? Esa es una
pregunta que podría haber tratado de contestar desde la intuición que
parece dar el sonido y sentimiento de este álbum, pero me pareció mas
sano charlarlo con Ignacio.
En lo personal, creo que hay un sentido de temporalidad un estas
canciones, ihä crea melodías que capturan momentos de tiempo que quedan
flotando en melodías suspendidas. Espero que este intercambio de
preguntas con Ignacio muestre como se construyó técnica y
argumentalmente este disco. "Estructuras de aire, colonias de soplo"
esta disponible un CD por Necio Recordsy en formato digital por "Ce chemin est le bon", el arte y concepto visual del disco fue hecho por el mismo Ignacio bajo su proyecto de collage y diseño No more Fluxa, el cual pueden revisar en Facebook.
Hace ya un tiempo, un año o
más, charlamos sobre cómo hacías tu música en la sección “Juguetes Para
Grandes”. ¿Consideras que algo ha cambiado, en relación a estos dos
últimos discos, en tu estilo de composición y en el equipo que usas?
Sí, ha habido una cierta deriva compositiva e instrumental a partir de Ironía.
Ese álbum fue el cierre (y quizá el punto más alto) del drone de
guitarras que venía trabajando desde el inicio de ihä, en 2011. Ironía marcó
un paso adelante por el uso de loops, algo que no había hecho antes y
que se tradujo en un sonido más complejo por la mayor cantidad de capas
que le daban forma, aunque siempre desde la improvisación. En el álbum
siguiente, Esperanza, seguí
trabajando con la guitarra, pero introduje además el teclado, lo cual
también me llevó a trabajar en piezas de más de una pista y a
desarrollar una lógica de composición espontánea, por llamarla de alguna
forma. Y finalmente, en Estructuras de aire, colonias de soplo dejé
la guitarra y me centré exclusivamente en los teclados, conservando,
eso sí, el espíritu de la composición espontánea recién aludido, que
consiste en urdir piezas a partir de líneas melódicas improvisadas en
distintas pistas. Dicho de otra manera, el trabajo compositivo se da más
a nivel de la mezcla, que se basa en pistas grabadas a partir de
improvisaciones espontáneas. Esos han sido los principales cambios.
Cuando se hace música que se
basa en el “loop” o la repetición, ¿cómo se plantea el momento de
terminar o cerrar un tema? Pregunto esto porque me llama la atención,
por ejemplo, “43 puestas de sol”, que tiene un aire circular y dura
exactamente diez minutos.
Aunque la repetición es un elemento central en mi música, en Estructuras de aire, colonias de soplo no
utilicé loops. En el caso de los discos anteriores, donde sí los usé,
el sonido se va desmaterializando por sí mismo a medida que se suman
capas a los loops; pierde nitidez y va corrompiéndose paulatinamente,
así que los temas terminan de forma orgánica: se cierran, se ponen fin a
sí mismos. Volviendo a Estructuras de aire, colonias de soplo,
las improvisaciones que dan forma a las piezas que lo componen fluyeron
–como es propio en cualquier improvisación– de modo natural, según mi
propia emocionalidad en el momento del registro. Es difícil, entonces,
responder sobre cuál es el momento preciso para cerrar un tema; sólo
ocurre.
Me gustaría que contarás un
poco sobre qué inspiraciones hay tras de este nuevo disco. Siento que
tiene cierta relación con la memoria y su fragilidad, aunque es una
perspectiva personal.
Es difícil decir algo al respecto. No hay una
conceptualización a priori que haya marcado la creación del disco, pero
sin duda constituye un trabajo que por la vía de una exploración
introspectiva busca expresar una emocionalidad contenida, en cierta
medida inexpresable, como toda la música que he grabado. Ahora bien, sí
creo que esa expresión adquirió aquí un cariz especial, conformándose
como una especie de llamado introspectivo que más que dar respuestas, plantea preguntas, evitando, a la vez, el misticismo espiritualista del new age más
caricaturesco y desplegando, por el contrario, una búsqueda
introspectiva basada en la finitud, lejos de una espiritualidad ingenua,
delirante. De cierta forma, y para decirlo con otras palabras, es el
llamado a una introspección existencial desde lo finito, pero sin
disolver la posibilidad de lo sublime en la experiencia de esa finitud
que nos atraviesa (por la muerte, por nuestra corporalidad), es decir,
se trata de una suerte de misticismo de la finitud, en la
finitud. Una sublimidad terrenal, corpórea, si se quiere. Y
efectivamente la memoria y su fragilidad pueden ser elementos
constitutivos de eso, en cuanto forman parte de nuestra experiencia de
la finitud; en este caso, específicamente de nuestra sujeción al tiempo.
En cuanto a las guías directamente musicales que
bosquejaron el camino –aunque sé que la pregunta no apunta exactamente a
esto–, me gustaría mencionar a las tres inspiraciones principales en el
proceso creativo: Alice Coltrane, William Basinski y Philip Glass.
Estas constantemente trabajando
en música nueva, ¿cómo manejas tu tiempo? ¿Consideras que has llegado a
tener un ritmo personal creativo, o muchas cosas surgen del momento?
Francamente, no lo manejo, y por lo mismo no tengo un
ritmo de creación. Tampoco es algo que busque manejar, parametrizar; no
me gustaría que se volviera una rutina. Prefiero que las cosas surjan
espontáneamente, cuando siento el impulso genuino de hacerlas.
Obviamente esto también tiene su lado negativo: tener que lidiar con la
frustración de largos períodos de sequía creativa, pero a fin de cuentas
sirve para mantener fresca la motivación y la creatividad, en lugar de
obedecer a fines productivistas y a una lógica de la eficiencia, tan
propios del capitalismo y, por lo mismo, tan lejos de las artes.
Algunos de tus trabajos
anteriores tenían ciertos énfasis en temas económicos y políticos. Sobre
eso te quería preguntar dos cosas: haciendo música instrumental, ¿cómo
consideras que se construye un mensaje más allá de lo textual que
articule algún mensaje? Tus últimos discos se han centrado en temáticas
que podríamos definir como existencialistas, ¿por qué se dio ese interés
en los últimos años?
En cuanto a la primera pregunta, creo que la
experiencia estética de la música se puede expandir más allá de una
literalidad demasiado pedagógica, pese a que los músicos recurran
habitualmente a esa fórmula. Dado que mi música es instrumental, muchas
veces –y creo que aquí tu pregunta se basa sobre todo en el caso de Ironía,
de 2016– he sentido el impulso de incluir textos que expliquen la
posición desde la cual he orientado el proceso creativo de cada disco,
pero me he abstenido de hacerlo porque trazar una ruta demasiado
definida también reduce el rol activo del oyente y limita el potencial
creador de sentido que la propia interpretación supone. Por lo demás,
aunque uno marque una dirección o plasme un mensaje (en mi caso, por
ejemplo, por medio de los títulos de las canciones y el arte de los
discos), la música termina siendo independiente de uno como creador y
será el oyente, finalmente, quien le dé sentido a lo que escucha. Por lo
mismo, creo que la experiencia estética de la música es ante todo
abierta, y no debería verse obturada por la búsqueda personal de quien
la crea, por mucho que haya espacio para trazar una ruta, sea esta
literal o no. En suma, entonces, lo que intento hacer es tan sólo
esbozar, sin demasiada nitidez, mi posición originaria (si la hay) como
creador. Y en el caso específico de mi música, esa posición originaria
(si la hay) a menudo se vincula con una búsqueda introspectiva que,
según creo, queda muy bien plasmada en las atmósferas que le dan forma a
mi sonido, y hay en ello, entonces, el esbozo de un mensaje más allá de
lo textual.
Por otro lado, tampoco se trata, ciertamente, de caer
en el extremo del silencio en el discurso, que es un riesgo latente (el
silencio es la peor de todas las violencias, dijo Derrida) y que en la
práctica opera como instrumento reaccionario. Por lo que, si en la
música solamente trazo esbozos, en otros espacios busco la manera de
contravenir el silencio y dar mensajes claros. Y lo hago sin rodeos, por
ejemplo, al definir a ihä como un proyecto abiertamente
anticapitalista, antifascista, antirracista, antixenófobo, pro-feminista
y pro-LGBTQ+. Es un proyecto de apertura; en ello no puede haber dobles
lecturas, e intento asegurarme constantemente de que no haya
ambigüedades al respecto.
Con respecto a la segunda pregunta, no se trata de un
interés particular de los últimos años. Ese espíritu introspectivo y
tal vez existencialista es parte de quien soy y ha estado presente en mi
música desde que comencé con ihä, por el sencillo motivo de que ha
estado presente en mi vida siempre. Lo que pasó fue lo contrario: llegó
un punto en que pese a que lo político está siempre presente, me
complicó no estar haciendo más explícito mi posición crítica, lo cual es
una necesidad que atraviesa a todo arte, y que para mí es esencial para
no quedar a la deriva de la superficialidad propia de la lógica
burguesa de la creación artística, que habitualmente se manifiesta, como
decía antes, en un silencio cómplice, reaccionario. De ahí surgió,
entonces, el interés por desarrollar un disco que hablara desde esa
posición (Ironía). En el caso de Estructuras de aire, colonias de soplo,
la búsqueda introspectiva ya descrita constituye su elemento central,
retomando con ello el foco existencialista que ha teñido siempre mi
trabajo creativo.
“Estructuras de aire, colonias
de soplo” saldrá a través de tu sello "Ce chemin est le bon" y por Necio
Records en Perú. ¿Cuáles son tus planes a futuro? ¿Piensas presentarlo
en vivo?
Como empecé a trabajar con atmósferas más
intrincadas, no es factible reproducir en vivo mis composiciones, lo que
se suma al hecho de que tocar en vivo en solitario constituye un
desafío inabarcable para mi personalidad. No obstante esas
circunstancias, por un impulso irrefrenable y que aún no halla forma, en
octubre volveré a tocar en vivo, después de más de un año sin hacerlo.
Por el motivo ya mencionado, no es posible presentar en vivo el disco
nuevo específicamente, pero tampoco he definido bien cuál será la nueva
modalidad.
En cuanto a otros planes a futuro, tengo algunos
lanzamientos planeados para 2018. El más concreto por ahora es la
preparación de un compilado de registros en vivo entre 2015 y 2017. Los
otros son un par de trabajos colaborativos con otros proyectos, que
prefiero mantener en reserva hasta que se hayan definido un poco más.
Sumado a eso, este año han cobrado mayor relevancia
mis proyectos paralelos. El segundo álbum de Yaca (dúo de improvisación
libre junto a Rodrigo Montoya, del Coletivo Abaetetuba), grabado en vivo
en agosto de 2017, ya se encuentra mezclado y está a la espera de ser
masterizado. Adicionalmente, este año formé dos nuevas bandas (Degú y
Huillín) con las que espero tocar en vivo y eventualmente publicar algo.
Así que se avecina un período muy fértil.
Lista de Temas:
1. La única Fuente de lo Sagrado
2. 43 Puestas de Sol
3. El Sueño de la Razón Produce Monstruos
4. Arde como una Vela en el Sufrimiento
Quizás hay que aclararlo de entrada: la siguiente lista no está armada por nosotros, y la idea de presentarla aquí no es porque se propone como una demostración objetiva de cuales obras tenemos o no que tener en cuenta, ya que en ella faltan (y desde mi perspectiva, también sobran) muchas obras indispensables del rock argento, aunque quizás no tan masificadas. Pero sí tenemos algunos discos indispensables del rock argentino que nadie interesado en la materia debería dejar de tener en cuenta. Y ojo que en el blog cabezón no tratamos de crear un ranking de los "mejores" ni los más "exitosos" ya que nos importa un carajo el éxito y lo "mejor" es solamente subjetivo, pero sobretodo nos espanta el concepto de tratar de imponer una opinión, un solo punto de vista y un sola manera de ver las cosas. Todo comenzó allá por mediados de los años 60, cuando Litto Nebbia y Tanguito escribieron la primera canción, Moris grabó el primer disco, Almendra fue el primer
Nuestro amigo Julio Moya sigue con su tarea de palentólogo del rock latinoamericano y ahora nos presenta la historia de Los Grillos, y resumiendo les diría que si Jethro Tull hubiera sido andino, probablemente hubiese grabado este disco, ya que encontrarás flautas similares a Ian Anderson, junto con instrumentos de viento autóctonos. Un disco con 8 temas con una duración total que no alcanza la media hora. De alguna manera puede trazarse un paralelismo con Los Jaivas de Chile, pero se debe tener en cuenta que la raíz folclórica es diferente y con un sonido propio de altiplano. Aquí, uno de los discos más importantes de la historia del rock en Bolivia, y una de las mayores joyas del rock boliviano, expresión del folk rock temprano donde Los Grillos fundadon el sonido del Neo Folclore Andino, incursionando en el Moog a modo de "sintetizador andino". Si disfrutaste de "Alturas de Macchu Picchu" de Los Jaivas, o los bolivianos Wara o los argentinos Contraluz, descubrirá
La realeza de la música rock se reunió para recrear uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia, la obra maestra de King Crimson de 1969, "In The Court Of The Crimson King", y Jorge Nuñez se volvió a acordar de ustedes y es por ello que ahora lo presentamos en sociedad: uno de los álbumes más icónicos de la historia de la música, considerado por los críticos como una grandiosa obra maestra, vuelve a ser noticia porque recién salió del horno su última resurrección, con reversiones a cargo de miembros de King Crimson, como Mel Collins y Jakko M. Jakszyk, así como de Todd Rundgren, Chris Polonia (Megadeth), Ian Paice (Deep Purple), Joe Lynn Turner (Rainbow), James LaBrie (Dream Theater), Carmine Appice (Vanilla Fudge, Cactus, Pappo's Blues, etc.), Steve Hillage (Gong) y más. Y lo más divertido es que seguramente quedarás paralizado de oír como cada tema es interpretada por esta extraordinario banda de músicos. Para que te entretengas en el finde, es
“Si vinieron para que les hable de mí, me voy –dijo Luis Alberto Spinetta al tomar el micrófono–. Yo les voy a hablar de la música en una faz filosófica: del origen de la materia sonora y su repercusión en la civilización. Y solo contestaré preguntas sobre eso, no sobre Spinetta.” Eran pasadas las 19.30 del lunes 2 de julio de 1990 cuando el Flaco dio comienzo a su “clínica de poesía musical” en la Casa Suiza –ubicada en Rodríguez Peña 254 de la ciudad de Buenos Aires–, con entrada libre y gratuita, ante más de cuatrocientas personas. Años después, esa charla se convertiría en un libro apócrifo: El sonido primordial. Por Patricio Féminis Esta es la historia de aquella conferencia de Spinetta que llegaría a tener una edición pirata, como si fuera un libro suyo, y que llegaría a venderse por dos editoriales distintas en Mercado Libre. Aquel lunes invernal de 1990, el guitarrista, cantante y creador asistió para exponer en la Casa Suiza (hoy tapiada por un edificio en construcción)
Buenos días desde La Barra Beatles, hoy nos vamos rumbo a la Inglaterra de los 70´s, una era de oro que pone melancolía en La Barra. La idea es rememorar a una de las grandes bandas de rock progresivo, que en Argentina empezamos a conocer años después de sus primeros lanzamientos. En 1976 Genesis publica el primer disco luego de la traumática partida de su cantante y miembro fundador Peter Gabriel. Representó todo un reto, porque mucha gente teorizó que con esa separación el grupo había sufrido una herida de muerte. Perder un cantante y compositor de la talla de Peter creo que preocupa a cualquiera, pero los muchachos no arrugaron y decidieron continuar, el resultado fue uno de sus mejores trabajos: “A trick of the tail”. Para algunos la traducción literal sería “Un truco de la cola”, otros hablan de un giro idiomático que sería algo así como “El diablo estuvo metiendo la cola”, también lo traducen como “Un golpe de timón”. Por Jorge Garacotche Este bellísimo álbum fue grabado entre
Para John Berger, "las tiranías no solo son crueles por sí mismas, sino que, además, ejemplifican la crueldad y, por consiguiente, fomentan la capacidad para serlo y la indiferencia frente a ella entre los tiranizados". Estamos frente a una avanzada masiva sobre nuestras vidas. Hacia donde miremos vemos catástrofe. Despidos, comedores sin comida, cierre de programas que garantizaban derechos, desfinanciamiento de las universidades públicas, desregulación de las tarifas, represión de la protesta, el endeudamiento como mecanismo de reducción de la posibilidad de vivir y una larga lista que se actualiza día tras día. Frente a esto, se suceden expresiones que intentan revalorizar las vidas dañadas: "Nuestro trabajo era importante", "no todos somos ñoquis" o ―peor aún― "yo no era ñoqui", "lxs docentes no adoctrinamos", "perdimos compañerxs que hacían". Tenemos que producir valor a partir de la desgracia. Vivir se convirtió en
Mucho antes de agitar la primavera alfonsinista de la recién llegada democracia con la segunda encarnación de Los Abuelos de la Nada allá por los años 80, había nacido en Francia la primera versión de esta agrupación, pariendo además un disco maldito del que poco se llegó a conocer por estos parajes, e inclusive la primera edición para el mercado argentino de este disco salió no hace mucho. Un disco particular, donde hay hard rock, psicodelia, experimentación, y además una historia muy rica donde terminan apareciendo muchos de los máximos referentes del rock argentino, y donde Miguel Abuelo, ese niño de la calle devenido en poeta iluminado por la psicodelia y el folclore del noroeste es el protagonista casi casi, principal. Recién lo acabamos de presentar y ahora revivimos este disco tan particular. Un disco de culto que no puede estar afuera del blog cabeza. Artista: Miguel Abuelo & Nada Álbum: Miguel Abuelo & Nada Año: 1973 Género: Hard rock / Rock psicodélico Duració
Una reedición de la discografía completa de I.E.M., y convengamos que estos temas de I.E.M. eran muy difíciles de encontrar dado que sus ediciones fueron de una tirada muy limitada que ya se había por descatalogada ya hace mucho tiempo. Otro enorme aporte de LightbulbSun, y para aquellos que no están familiarizados con esto, les cuento que estos son los álbums en formato boxset de I.E.M., o Incredible Expanding Mindfuck, o el apodo de Steven Wilson para sus exploraciones psicodélicas y krautrock creadas entre lo que va de 1996 hasta el 2001 que pueden resultarte una especie de shock. Este compilado reúne con los 3 álbumes de estudio en este período, y definitivamente har algunas joyas aquí que seguramente serán muy apreciadas por el público cabezón. E ideal para cerrar otra semana a pura música en el blog cabeza, aquí tienen mucha música por si el fin de semana se presenta feo y lluvioso y se te joda el asado... con esto no te vas a aburrir. Artista: Incredible Expanding Mindfuck Á
"No puedo evaluar lo que hago con el aplausómetro. Me importa un belín. La pregunta es, si un pintor que sabe que es bueno sabe también que no va a poder mostrar sus cuadros, ¿los pintaría? Más bien. Le chupa un huevo. Un novelista, un poeta que es capaz de escribir versos, ¿qué necesita? Nada; va a Pippo, se pide un fresco y batata, se sienta y en el mantel, nomás, escribe LAS palabras. ¿Tecnología? Nada ¿Costo? Cero. Si uno hace música y sabe que suena bien, no importa si otro cree que no es tan buena. ¿Qué? ¿La voy a parar y no la voy a componer? No. Me importa un pito. Es el aire para quien yo la estoy haciendo y es el aire el que me va a devolver lo que yo quiera sembrar allí. ¿Acaso una novela se aplaude? Se lee en soledad. El arte es un trabajo individual y suena dentro del recinto en el que se lo trabaja. De ahí a que se crea que es una necesidad que otro lo escuche hay un largo espacio. Y, por otro lado, cuando la música es buena, cura. Cura. Sólo eso. Entonces, ahí sí
Comenzamos la semana a lo grande con el último disco del legendario ensamble belga Present (uno de los grandes valuartes del mejor avant-garde, rock de cámara y Rock In Opposition) y, pesar de su título, lamentablemente será el último lanzamiento de la banda ya que su líder y compositor Roger Trigaux (ex Univers Zero) murió durante su grabación. El disco es una verdadera bestialidad que combina como ninguno el rock pesado con música de cámara de influencias clásicas y zeuhl, y al igual que todas sus demás obras, es una deslumbrante exposición de maestría musical, donde abundan precisas combinaciones de instrumentos sincopados, todos aparentemente provenientes de diferentes ángulos pero que en última instancia trabajan juntos como un todo cohesivo. Unos tipos que lanzaban un disco cada muerte de obispo, imagino que por el trabajo que conlleva lanzar este tipo de obras, pero cada vez que publicaron un trabajo rompieron el molde tanto por lo imaginativo de su obra como por su calidad
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