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CAN - Tago Mago (40th Anniversary Edition) - (1971 / 2011)


Comenzamos la semana con una reversión de un clásico del Krautrock, una nueva versión con un disco adicional (recordemos que en 1971 este disco salió como disco doble y luego fue compilado en un solo CD). Quizás uno de los discos más extremos del Krautrock, más experimentales, con más repercusión y con más influencias en la música de todos los tiempos.Y si esa descripción les parece mucho, copio lo que escribieron para un comentario de este disco: "Tago Mago es el arte cuando trasciende al mismo creador, pero a la vez es todo el potencial del ser humano entre surcos de vinilo, su corazón ilimitado. Sin él no podríamos entender ni el krautrock, ni la electrónica, ni el punk, ni la new wave… No podríamos entender nada. UN DISCO MÁS GRANDE QUE LA VIDA." Así revivimos una genialidad, para empezar otra semana en el blog cabezón.

Artista: CAN
Álbum: Tago Mago
Año: 1971
Género: Krautrock
Duración: 121:30
Nacionalidad: Alemania


Tercer álbum de CAN, originalmente editado como doble LP en 1971 y el primero en contar en la voz con Damo Suzuki. Este álbum ha sido descripto como el más extremo trabajo de CAN en términos de sonido y estructura, fue aclamado por la crítica y citado como influencia por varios artistas.

Tago Mago es el tercer álbum de estudio de la banda alemana de krautrock Can, editado en 1971. Originalmente es un álbum doble, pero está disponible en un solo CD. Es frecuentemente considerado su álbum más importante, ya que es su álbum más experimental, arriesgado e influyente. Tago Mago incluye temas como «Aumgn», un collage de sonidos de más de 17 minutos (que ocupa toda una cara del vinilo), y «Peking O», otra pieza avantgarde donde el vocalista Damo Suzuki (es el segundo álbum que lo tiene con vocalista, y el primero que lo tiene como el único) es gran protagonista. También se destaca «Halleluwah», una jam de 18 minutos (que también ocupaba todo un lado) con influencia del funk, basado en la repetitiva y compleja percusión de Jaki Liebezeit. "Tago Mago" se ha convertido en uno de los álbumes experimentales más reconocidos y ha recibido muy buenas críticas. En redes sociales de crítica musical (donde son los usuarios quienes valoran la calidad de las obras), como Rate Your Music, está colocado en el puesto nº 6 de la categoría Rock Progresivo, solo por debajo de Pink Floyd y King Crimson- 
Wikipedia

Pero más que nada, les recomiendo que lean el siguiente  comentario de este disco, no tiene desperdicio...


"Veamos el cuadro completo, la situación política en Alemania, los desarrollos culturales en los sesenta. La generación posterior a la guerra se mantenía en el poder con estructuras muy conservadoras y los jóvenes fueron infectados por el virus del cambio. Un cambio a nivel político, naturalmente también en las artes. Ese fue el clima en el que crecí y mi conciencia de la situación política y cultural se hizo muy clara. La guerra de Vietman nos llevó a discutir la influencia dominante de la cultura angloamericana. Fue un proceso complicado, muchos jóvenes artistas alemanes compartían ese sentimiento y cada uno tenía su propia respuesta" declaraba Michael Rother en un reciente entrevista concedida a Ruta 66. Y pocos mejor que quien fuera guitarrista de Neu! para hablar de la génesis del krautrock.
A diferencia del "third stream" —termino con el que Gunther Schuller (neoyorquino hijo de inmigrantes alemanes, por cierto) definió esa tercera vía que mezclaba jazz con música clásica—, en el que se pecaba —a pesar del interés de ciertas grabaciones de Lee Konitz o Jimmy Giuffre— de un exceso de respeto que parecía impedir que ambas músicas confluyeran en un discurso genuino, el krautrock bebía del rock and roll, de la vanguardia atonal y del free jazz para crear su propio discurso sin limitaciones ni miedos. Los músicos del third stream parecían arrugarse ante la influencia de Stravinsky, Bartók, Ives o Ravel —aunque fueran estímulo querido y buscado—, sin que hubiera interacción posible entre ambos mundos: por un lado la partitura que asimilaba a grandes compositores del primer tercio del siglo XX; por otro, la (tímida) improvisación jazz. Neu!, Kraftwerk, Faust, Can y otros cogían todo (lo que les interesaba) para no parecerse a nada. Porque ésa era su apuesta: todo o nada.
Quizá la obra maestra del movimiento sea el tercer elepé (doble) de Can, cuyos más de setenta minutos y cuatro caras —sirva de aviso a mojigatos y cortos de miras— ocupan sólo siete temas. Con Malcolm Mooney definitivamente fuera de la formación, la voz del japonés Damo Suzuki se antoja compañera perfecta de la guitarra de Michael Karoli, los teclados espaciales de Irmin Schmidt, el bajo de Holger Czukay y la batería de Jaki Liebezeit, motor del grupo y de las esencias rítmicas de Tago Mago, publicado en 1971. Paperhouse, Mushroom y Oh Yeah, los tres primeros cortes del álbum, pueden parecer accesibles (término irrisorio si hablamos de Can) si los comparamos con los tres siguientes, que ocupan dos terceras partes del minutaje del álbum. Si en los tres primeros temas podemos hallar similitudes con King Crimson o Alice Cooper (que no influencias) en las melodías y escuchar los solos de un Karoli más cercano al rock, el catártico mantra funk de Halleluhwah radicaliza el disco para enfrentarnos —vía Schmidt y Czukay, alumnos ambos de Stockhausen— a la experimentación concreta de Aumgn y Peking O, en el que Damo Suzuki toma ejemplo de la Sequenza III de Luciano Berio, alcanzando unas frecuencias vocales que pueden (y quieren) resultar irritantes al no iniciado. Bring Me Coffee Or Tea acerca al grupo a territorios pop —hago aquí el mismo comentario que he hecho acerca del vocablo "accesibles"— para poner punto y final a una experiencia incomparable, cuyo resultado final se debe —como era habitual en el grupo— al proceso de montaje y selección de Holger Czukay de los materiales registrados en el mítico Inner Space Studio.
Pero ¿es esto rock?, se preguntará alguno. Digamos que sí, en un sentido lato de la palabra, y para no escurrir el bulto. Pero añadamos a continuación: ¿qué importancia tiene eso? La clasificación, ya lo hemos observado en Ragged Glory, puede ser útil si no sirve para restringir, si no sirve de coraza impenetrable. No digamos la división excluyente entre música culta y música popular. Los grotescos argumentos utilizados para defenderla se vienen totalmente abajo ante Tago Mago, Can, y el krautrock en general. Los referentes del movimiento se hallan en cualquiera de los lados de la frontera, buscando cada cual "su propia respuesta", como dice Rother. Se sitúa Tago Mago "en ese lugar al que pocas creaciones tienen acceso: allí donde la obra de arte se alimenta de sus propios mecanismos —los que la ponen en pie— e ilumina de esta forma endogámica todo lo que le rodea sin dejar nunca de ser ella misma, deviniendo exógeno lo que funciona a la perfección como procedimiento interno y autosuficiente", palabras que utilizamos hace unos meses para hablar de Ser o no ser, la película de Ernst Lubitsch, y que son aplicables al doble álbum de Can. Trasciende éste épocas y lugares, a pesar de pertenecer como pocas cosas a su tiempo, imposible colocarlo fuera del momento y las circunstancias que lo produjeron. Ahí reside, por supuesto, su grandeza e inmortalidad. 
Dos discos más grabaría Damo Suzuki con Can, Ege Bamyasi y Future Days, imprescindibles los dos; sin embargo, ninguno alcanzaría la extraordinaria tensión, el inaprensible equilibrio, de Tago Mago. Bitches Brew, el año anterior, y The Raise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, el siguiente, también los alcanzarían. Por si quedaba alguna duda.
Can - Tago Mago : 10 / 10



Los emperadores del rock alemán aún no habían grabado ninguna obra magna hasta que apareció el doble álbum “Tago Mago” (1971). Sus anteriores discos eran probaturas –“Monster Movie” (1969)– y recopilatorios de gemas dispersas concebidas para el cine –“Soundtracks” (1970)–, así que les faltaba aún la pieza significativa, la cristalización absoluta de su forma de fundir el rock anglosajón con las enseñanzas de Stockhausen, los ritmos tribales y la improvisación jazzística.
Después de “Tago Mago”, que es también una obra incómoda por su abierta experimentación formal –condensada en los diecisiete minutos que dura el tema “Aumgn”–, las cosas serían más fáciles: “Ege Bamyasi” (1972) y “Future Days” (1973) alargaron las enseñanzas de este disco medular, mientras que “Soon Over Babaluma” (1974) ahondó en otros paisajes rítmicos.
“Tago Mago” fue grabado con la formación más estable, o más duradera, de Can: el fallecido Michael Karoli (guitarra), Irmin Schmidt (piano eléctrico y órgano), Holger Czukay (bajo), Jaki Liebezeit (batería) y Damo Suzuki (voz). La tonalidad angosta de “Aumgn” se metaboliza en el frenesí de “Oh Yeah” y “Halleluwah”, mientras que “Bring Me Coffee Or Tea”, uno de los temas de Can utilizados por Tran Anh Hung en “Tokio Blues”, demuestra el enorme poder hipnótico de las piezas más sencillas del grupo.
Spoon, el sello de Can, reedita el disco en su 40 aniversario con un buen complemento, un compacto en directo con los temas “Mushroom”, “Halleluwah” y “Spoon”, y un libreto con oportunos textos de Bobby Gillespie y David Stubbs (repescados de la reedición de 2004), así como de Duncan Fallowell (novelista y colaborador de Irmin Schmidt).
Rockdelux

Esto hace añares lño había publicado el desaparecido Artie, ahora lo ampliamos y mejoramos un poco, pero sobretodo hablamos de una nueva versión de este clásico...

Corría 1971… En Alemania, unos jóvenes pero desmesuradamente talentosos músicos imbuidos de una docta y pulida educación artística intentaban llevar la música a nuevos niveles de vanguardia, poseidos por esa explosión de libertad creativa y nuevas ideas que fueron el símbolo de identidad de las décadas de los 60 y 70. Con el dios Stockhausen como maestro y la Velvet Underground de referencia inmediata, Can habían debutado en 1969 de la mano de Monster Movie, un notable disco cuya única pega eran las excesivas similitudes con las huestes de Lou Reed. Un año más tarde, y ya con el japonés Damo Suzuki como nuevo vocalista, editan Soundtracks, otro disco notable pero en el que todavía se veía a una banda en busca de su personalidad, o más bien intentando destruirla, porque si algo demostró Tago Mago es que era imposible describir la propuesta de los germanos reduciéndola a conceptos técnicos, analíticos, mundanos. Con Tago Mago la libertad absoluta, el genio creativo sin mesura, la divinidad incognoscible arribaron en el campo musical para dejar boquiabierto a medio mundo.
Karlheinz Stockhausen
En Tago Mago aconteció uno de esos casos de poderosa sinergia que a veces se dan en el rock, pero casi nunca con unos resultados tan espectaculares: uno de los mejores baterías que jamás hayan existido, Jaki Liebezeit, y su obsesión con aunar su experiencia en el free jazz con los ritmos percutivos surgidos de África. Irmin Schmidt, salido de la escuela del insigne Stockhausen, aportaba unos teclados que hacían de la seducción entre bambalinas su principal acierto (no por nada a este señor se le considera uno de los padres del ambient, especialmente por su labor en el grandioso y de profético nombre Future Days). Holger Czukay, también alumno de Stockhausen, era la cementación de Can mediante su poderoso sonido de bajo. Michael Karoli era el único que provenía de la escena rock de los 60, algo que hacía notar con una labor a las seis cuerdas que fusionaba un virtuosismo inusitado con un sobriedad puesta al servicio de las necesidades de la banda. Y por último la guinda al pastel, la última pieza que necesitaba Can para catalizar toda su energía potencial, el vocalista Damo Suzuki, con un carisma desbordante y una interpretación vocal indescriptible.
El resultado de esa unión de talentos fue un disco tan vanguardista que sigue sonando vigente cuatro décadas después, y que si me apuráis todavía está preñado de futuro, porque sinceramente no conozco a ninguna banda actual con la capacidad de lanzarse hacia delante en el tiempo como lo hicieron (y hacen) Can en Tago Mago. Un álbum que durante la hora y cuarto de metraje que alberga llega tan lejos en su depuración y eliminación de los esquemas preestablecidos y las fronteras, que podríamos hablar del ejercicio de des-creación más osado y exitoso jamás realizado. Viajando a la esencia misma del proceso de composición, ese lugar donde bullen ideas y energías en estado puro, el quinteto alemán, lejos de intentar canalizar ese inmenso potencial, abrió todas la ventanas y puertas que lo contenían y cabalgó sobre él sin miedo a morir abrasados por su fuego. De esa carga de caballería surgió una amalgama insólita en la que el clasicismo contemporáneo, el rock y las más extrañas visiones proféticas se daban la mano para chapotear en un multicolor lago de LSD. El álbum, cuyo nacimiento parte de la más absoluta improvisación, se va desplegando en irreales espirales hasta alcanzar cumbres de experimentación sorprendentes, evocadoras, inquietantes y de una fuerza arrebatadora. Abriendo de manera juguetona y engañosa, Tago Mago nos seduce con sus tres primeros cortes, pegadizos y de estructuras más «clásicas», pero en los que Damo Suzuki ya daba muestras de un carisma superlativo y una interpretación más allá del raciocinio. Paperhouse o Oh Yeah son claros ejemplos de ello, pequeñas joyas de brillo seductor que nos preparan para lo que va a llegar… Y lo que llega en primer lugar son los casi 20 minutos de Halleluhwah, una jam descomunal con alma de funk y cimentada sobre la hipnótica y compleja percusión de Liebezeit (me juego el culo a que Danny Carey de Tool se masturba todas las noches con esta canción). Tras ella, y sin estar preparados porque es imposible preveer algo así, nos caen encima los 17 minutacos de Aumgn, una de las obras cumbres de los Can experimentales, donde colisiona un maelstrom indescriptible de diferentes sonoridades con la voz de Suzuki, que en este corte nos muestra sus origenes acercándose a la interpretación vocal de los monjes tibetanos. Auténtica trascendentalidad lisérgica. Pero es que la cosa no queda ahí, ya que es el momento de O Peking y su espíritu demente, encarnado por un Suzuki completamente desatado, transformado en una fuerza elemental que copula sin miramientos con un trasfondo musical desquiciado, para el que yo sinceramente no tengo adjetivos. Pero tranquilos, que tras el clímax siempre llega el relajante cigarro, en este caso de la mano de la final Bring Me Coffee Or Tea, una hipnótica y preciosa canción en la que de nuevo el funk y la complejísima batería de Liebezeit nos bajarán las pulsaciones a un ritmo tolerable para nuestro maltrecho corazón. El colofón perfecto para un disco que si aún no tiene la categoría de clásico es porque todavía no se ha asentado en el tiempo, imposible cuando nos espera en algún momento dentro de 200 años. O más.
Tago Mago es el arte cuando trasciende al mismo creador, pero a la vez es todo el potencial del ser humano entre surcos de vinilo, su corazón ilimitado. Sin él no podríamos entender ni el krautrock, ni la electrónica, ni el punk, ni la new wave… No podríamos entender nada. UN DISCO MÁS GRANDE QUE LA VIDA.  
Cosmic Tentacles  



Stockhausen dando clases en 1964.
Stockhausen dando clases en 1964.
Todos en la vida hermanos debemos tener un mentor, o una figura superior que nos guie através del proceso, ustedes sean lo que se dediquen deben tener a alguien como en el caso de Holger quien comenzó como músico amateur de Jazz en 1960 y que tres años después se fué a estudiar con Stockhausen a la edad de 25 años (no pierdan la esperanza) y automaticamente se convirtió en su pupilo teniendo clases por separado mientras Holger trabajaba. Después Holger abandonó a su maestro en 1966 y se fué a buscar suerte en Suiza dando clases de francés a jovencitas adolescentes de padres millonarios (tomó el ejemplo de Stockhausen de casarse con una dama millonaria, no sabemos si Holger lo logró) pero ahí es donde en lugar de conocer a una ardiente colegiala, conoce al joven y novato guitarrista Michael Karoli y juntos deciden hacer una banda de rock (que a Holger le había gustado bastante los Beatles y la onda beat). Holger es despedido de su empleo y se dedica de lleno al rock, maldición en esa epoca aún se podía hacer eso a los 30 años!.
CAN en 1968 con Malcolm Mooney
CAN en 1968 con Malcolm Mooney
Permítaseme hacer un paréntesis aquí: Irmin Schmidt tecladista en CAN también fue estudiante de Stockhausen y a decir verdad no investigué sobre su historia (en futuros análisis de Can los haremos) el sigue aún siendo un terricola como nosotros sin embago su estilo se define muy bien trabajado pasando desde los mas sencillos acordes de acompañamiento hasta la improvisación de Free Jazz que realiza en el track “PEKIN O” y los maravillosos efectos que realiza con los osciladores análogos de despegue de nave, entre otros efectos que le dan el toque exótico a Can.
Can con Damo Suzuki en 1972.
Can con Damo Suzuki en 1972.
 Después junto con el tecladista Irmin Schmidt hicieron los primeros demos con su primer vocalista africano Malcolm Mooney, sin embargo es con Damo Suzuki cuando CAN toma forma, cuenta la leyenda que el cuarteto se encontraban en busqueda de nuevo vocalista y tomando café en la calle vieron como venía Damo pordioseando y santiguandose en la calle, (hasta el tope de drogas seguramente) y decidieron que el sería su nuevo vocalista. Para resumir la historia, encontraron un verdadero talento! Lo demás es historia hermanos!. Improvisaciones y ritmos africanos al momento.

“Sin Jaki la banda no sería nada por que es elemental que exista su batería repetitiva y guíe a estos jóvenes de regreso hacia el tema al final de la composición”.



Jaki Liebzeit en 1971.
Jaki Liebzeit en 1971.
Es algo bastante curioso como Can logra mantener compactas sus composiciones, después de tantos jams desde 1968 obviamente van adquiriendo experiencia. “PAPERHOUSE” es una muestra tribal de lo que Stockhausen odiaba, la repetición misma del beat de batería al mando de Jaki  Liebzeit “el hombre metrónomo” sin Jaki la banda no sería nada por que es elemental que exista su batería repetitiva y guíe a estos jóvenes de regreso hacia el tema al final de la composición. Y lo de Stockhausen lo digo por que leyendo en la red una opinión que el dió sobre una canción de Aphex Twin él mismo dijo que por qué la música actual siempre se enfocaba más en el ritmo tipo “africano” que en la melodía? Stockhausen mismo dijo que la música moderna carecía de melodía que el mismo no comprendía por que y hasta le recomienda al mismo Richard James una de sus composiciones para ejemplo!. Si gustan leer el articulo completo en ingles aqui se los dejo.
La leyenda Jaki con su kit de batería. Brindemos por el!
La leyenda Jaki con su kit de batería. Brindemos por el!
Lo que más se aprecia es la improvisación y esos ritmos Africanos y repetitivos que seguramente Holger dispuso a propósito para nunca vivir bajo la sombra de Stockhausen. Y ante todo esto me pregunto… ¿Por qué nos sigue cautivando este disco después de 46 años de vida? Es debido a eso hermanos, el ambiente extraño, las improvisaciones de la banda en directo y su maquinaria precisa y exacta; la batería de Jaki. UK Electronic 90’s: Techno, Drum and Bass y Big Beat. Hermanos, yo escuché esa música cuando tenía 8 años por allá de 1998 en videojuegos, documentales y videos musicales, y me pareció lo más cautivador del mundo, paisajes sonoros impresionantes, gráficos de videojuegos en 3D, videos bien realizados, cero computadoras de escritorio ni cosas hipster, y jamás me imagine escuchar la “materia prima” de la electronica noventera en tracks como “OH YEAH” o “HALLELUWHA”.
Can en vivo en 1971.
Can en vivo en 1971.

“¿Que no es lo mismo el beat característico repetitivo del drum and bass o del techno que el frenético beat a la batería de CAN?”



Por materia prima me refiero a algo que nunca se ha escuchado en tu época y lo puedes tomar prestado para hacer tus creaciones, y así le hicieron miles de adolescentes que en los 80’s les tocó la transición del Punk al Experimentalismo noventero. Dejenme decirles que este disco sin duda alguna fue fuente de inspiración para esos músicos y esos géneros musicales creando un monstruo comercial después del 2000 hasta llegar a la decadencia de la electrónica.

Chemical Brothers en vivo en 1996
Chemical Brothers en vivo en 1996
La influencia de Stockhausen, bandas como CAN y los afroamericanos con el Jazz y el Funk sin duda han logrado moverle el cerebro a miles de gentes para crear sus cosas, el ejemplo más claro es el video que abajo les comparto, este señor Squarepusher en los 90’s trabajando con samples de discos viejos de Jazz. ¿Que no es lo mismo el beat característico repetitivo del drum and bass o del techno que el frenético beat a la batería de CAN? De Europa a Estados Unidos.
James Brown con su banda en 1971.
James Brown con su banda en 1971.

“HALLELUWHA es deliciosamente funky, el baterista Jacki se desvive tocando e improvisando”.

El ritmo del Funk se deja oír en “HALLELUWHA”, ese bajeo característico de dos frases que suena a funk y se repite hasta la saciedad. Pues bien el Funk también se encuentra en los géneros mencionados en el párrafo anterior (Techno, DnB, Big Beat) el beat caracteristico del Drum and Bass viene de no se que canción de Funk, y no es falta de creatividad hermanos, es necesidad de crear e identificarse con algo nuevo.

Holger y Damo en 1971.
Holger y Damo en 1971.
“HALLELUWHA” es deliciosamente funky, el baterista Jacki se desvive tocando e improvisando en el minuto 3:20 y una guitarra con fuzz viene para crear ese tormentoso sonido de remolino con tremendos fast pickings que todo black metalero estaría orgulloso. También a los teclados el gran Irmin Schmidt creando efectos atmosféricos. A decir verdad soy muy ignorante para saber de que trata “HALLELUWHA” solamente escucho las texturas de sonido los cambios los efectos,…, el significado oculto, o psicoanalítico de lo que pueda significar se los dejo a ustedes hermanos, ocupense de esa pseudociencia, jaja!. Como consejo, con sus bandas intenten improvisar sobre una linea sencilla y repetitiva de bajo (pero que suene poderosa no cualquier porquería) y tendrán su funk al estilo CAN!. Que hermosa improvisación! AUMGN: Una historia de Miguel Lovecraft.

“En la punta de la pirámide una nave extraterrestre reina ahí y de repente la corriente te arrastra hasta miles de despojos humanos”.

Advertencia: La siguiente historia contiene copyright y puede proceder a demanda si es copiada. Jaja! La verdad no se de que fuente son esos ritmos repetitivos para decir que son ritmos africanos pero tuve la fortuna de tomar un curso de percusiones africanas hace unos años y el track AUMGN contiene esa raíz primitiva, oscura y desconcertante que nadie en su más humeda pesadilla desearía.

Jungla densa del Congo.
Jungla densa del Congo.
Esta composición se me figura un viaje dentro de la espesa jungla pero ahí de repente encuentran una civilización de otro planeta establecida y jamás descubierta por el hombre. El pizzicato del violin entra en el minuto 2:18 y maldición, pone los pelos de punta y después esa voz grave cantando una extraña melodía… la puta madre! Un coloso ciclope descansa en un pantano, y su ojo observa la nave donde vas con tu equipo de músicos. Después tu bote naufraga y caes en lo profundo de una caverna primitiva oscura donde se sigue escuchando el canto del coloso. Y es ahi donde descubres construcciones piramidales y una raza de enanos caníbales vive ahí. En la punta de la pirámide una nave extraterrestre reina ahí y de repente la corriente te arrastra hasta miles de despojos humanos.
Can en vivo en 1971.
Can en vivo en 1971.
Tu te quieres desmayar del impacto que esto tiene a tus pensamientos de internet posmodernos, la nave comienza a flotar encima de la pirámide en el minuto 9:30, todo está perdido deberás morir o quedarás mal de por vida. La nave descubre que estas ahí y te atrapa con un láser inmovilizador, tu te sorprendes por que puedes ver las formulas matematicas de que está hecho el láser sin embargo estos seres son demasiado inteligentes,… la preparación comienza y tu serás el sacrificio y cena de esos enanos deformes caníbales y sus grotescos dioses colosales. El ritual comienza tu sangre es probada por el verdugo y eres puesto sobre una hoguera. La danza comienza en el minuto 13:10 y estás perdido! Los perros despellejados también quieren tu carne asada y en formas contorsionistas comienzan a danzar al ritmo de percusiones africanas fabricadas con piel humana, la nave sigue girando sobre la gran pirámide y…. joder el ruido es ensordecedor, las luces del platillo volador giran sobre toda la comarca subterránea y extraños simbolos de la galaxia andromeda se dibujan sobre el techo. El fuego es prendido y comienzas a oler tu carne quemada!…
Can tal vez tocando AUGMN en vivo.
Can tal vez tocando AUGMN en vivo.
Escuchen con que sencillez hacen sus cosas hermanos: percusiones, un oscilador análogo, guitarra con flanger u otros efectos, etc) no es necesario saberse todas las malditas escalas como dice Dimebag, lo que se necesita es pasión y claro, tiempo para dedicarse a ello sin importar lo que el imbécil del facebook en la sección de comentarios diga o las burlas que puedas recibir si dices que eres fanático de los Prodigy noventeros!. La locura de la caja de ritmos.

“Aquí la maravillosa caja de ritmos primitiva toma el lugar de Jaki para crear un frenético beat donde Damo se desata a decir muchas estupideces gritadas”.

Hermanos, “PEKIN O” es como una pesadilla en tonalidades del Trout Mask Replica que no me atrevo a escuchar mas de dos veces. Contiene guitarras disonantes, muchos efectos, un Damo enloquecido, subídas espontáneas de volúmen,… en conclusión una joya perfecta para malviajarse y quedarse atrapado en el viaje. Está aún más pesada que AUMGN, escuchenla bajo su responsabilidad. Aquí la maravillosa caja de ritmos primitiva toma el lugar de Jaki para crear un frenético beat donde Damo se desata a decir muchas estupideces gritadas pero que combinan con la temática, aquí ya no hay historia, es pura locura, junto con Irmin improvisando con los efectos creados por los demás miembros de la banda. En este collage de sonidos podemos ver la creatividad explotando de este quinteto, sonidos de cualquier tipo, cintas, violines, palmadas, ecos, resortes, laminas, la caja de ritmos de Irmin, hojas de papel, viento,… todo para crear esa pesadilla sónica que no necesariamente tiene estructura ni ritmo variable. Por momentos me recuerda al DUB que realizó African Head Charge, no es el DUB cálido y amigable de los lados B de King Tubby, es más bien un DUB bastante pesado y denso con miles de capas de efectos, les recomiendo escuchar a estos African Head Charge.

Give me Some Tea or Coffe!…
Tengo algún deja vu de haber escrito para este disco y para este track anteriormente. Salimos de la pesadilla y despiertas en el piso, el viaje no fue para nada placentero despues de todo, solo disfrutaste el comienzo y que más que volver a la realidad, y respirar el ambiente frio de una mañana, sinceramente hermanos prefiero mil veces ser un terrícola bebedor de cerveza que tener viajes cósmicos mentales, no se ustedes pero esta canción me reconforta bastante en cualquier momento que la escucho. Y hasta dan ganas de salir a agarrar un poco de tierra de bosque fresca, apoco no? Como plus, este mismo track relajante lo contiene sus contemporáneos como Hawkwind y los mas noventeros Chemical Brothers en su segundo disco, también disfruto de la electrónica noventera, joder por que no?

Miguel Krieg

     


With the band in full artistic flower and Suzuki's sometimes moody, sometimes frenetic speak/sing/shrieking in full effect, Can released not merely one of the best Krautrock albums of all time, but one of the best albums ever, period. Tago Mago is that rarity of the early '70s, a double album without a wasted note, ranging from sweetly gentle float to full-on monster grooves. "Paperhouse" starts things brilliantly, beginning with a low-key chime and beat, before amping up into a rumbling roll in the midsection, then calming down again before one last blast. Both "Mushroom" and "Oh Yeah," the latter with Schmidt filling out the quicker pace with nicely spooky keyboards, continue the fine vibe. After that, though, come the huge highlights -- three long examples of Can at its absolute best. "Halleluwah" -- featuring the Liebezeit/Czukay rhythm section pounding out a monster trance/funk beat; Karoli's and Schmidt's always impressive fills and leads; and Suzuki's slow-building ranting above everything -- is 19 minutes of pure genius. The near-rhythmless flow of "Aumgn" is equally mind-blowing, with swaths of sound from all the members floating from speaker to speaker in an ever-evolving wash, leading up to a final jam. "Peking O" continues that same sort of feeling, but with a touch more focus, throwing in everything from Chinese-inspired melodies and jazzy piano breaks to cheap organ rhythm boxes and near babbling from Suzuki along the way. "Bring Me Coffee or Tea" wraps things up as a fine, fun little coda to a landmark record.    

 
Lista de Temas:
Disc 1
1. Paperhouse
2. Mushroom
3. Oh Yeah
4. Halleluhwah
5. Aumgn
6. Peking O
7. Bring Me Coffee or Tea

Disc 2
1. Mushroom (Live 1972)
2. Spoon (Live 1972)
3. Halleluhwah (Live 1972)    


Alineación:
- Damo Suzuki / vocals
- Holger Czukay / bass, engineering, editing
- Michael Karoli / guitar, violin
- Jaki Liebezeit / drums, double bass, piano
- Irmin Schmidt / keyboards, vocals on "Aumgn"
 
 

Comentarios

  1. Muchas gracias por el disco!!!! , se te agradece.

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  2. No se pudo descargar, pero aún así mil gracias por todos los aportes, que gran trabajo!!!!!!!

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Lista de Temas:
1. Quaterna Requiem
2. Caverna
3. Serenata
4. Ciclos Das Mares
5. O Setimo Selo
6. Index

Alineación:
- Jones Junior / 6 & 12 string acoustic guitars, elecric guitars
- Eliane Pisetta / hammond organ, piano, mini-Moog, synthesizers
- Fabricio Santalucia / bass
- Otaviano Kury / drums, percussion

En estas resubidas de bandas brazucas que está haciendo el Mago Sandy, no podía faltar Index, una muy buena banda de la que vamos a publicar su discografía (creo) completa. Muy buenos músicos para muy buena música progresiva Made in Brazil.

¿El Origen del Coronavirus? Los Cuatro Monocultivos del Apocalipsis

El origen del coronavirus tiene una estrecha relación con las fórmulas de agricultura y ganadería industrial de la actualidad; concretamente por la expansión de los monocultivos (vegetales y animales) que provocan la destrucción de la biodiversidad en la naturaleza posibilitando la aparición, incremento y virulencia de nuevas zoonosis. Aunque el virus es microscópico, propongo un viaje planetario —sin romper el confinamiento— que nos puede ayudar a reconocer con nuestros propios ojos esta contundente afirmación. Es importante interiorizarlo para evitar un futuro entre pandemias.Por Gustavo DuchEste viaje, al que podemos llamar «la ruta de los monocultivos», nos permite conocer muy bien de qué hablamos cuando hablamos de agricultura industrial. Aunque la tierra agraria en el mundo ocupa 1.500 millones de hectáreas, cuatro ejemplos serán suficientes para retratar el sistema agrario mundial actual, puesto que alrededor de un 80 % de todas estas tierras, según el agrónomo Miguel Altieri d…

Camel - Live at the Royal Albert Hall (2019)

#Músicaparaelencierro. Si yo tuviera que definir a Camel en pocas palabras, lo catalogaría sencillamente como "pura emoción". Y hoy, luego de un largo recorrido por el mundo de la música, Camel sigue teniendo el mismo cariz y las mismas características que lo viera nacer. Y para confirmar este comentario, nada mejor que este disco doble en vivo, lo último de Camel salido del horno, y que nos trae el Mago Alberto, que nos cierra su comentario de este modo; "sería redundante hablar de una banda que forma parte de lo más encumbrado de la historia del progresivo, solo podría agregar que este proyecto ya es considerado como un hito por la prensa especializada dentro de todos los discos en vivo editados en la historia, así que es imposible no rescatar esta obra impresionante". Latimer, Bass, Jones y Clement vuelven a emocionarnos como en los mejores tiempos, y más porque es en vivo, en un registro que nos presenta el Mago Alberto que está catalogado como esencial (creo q…

Un Drama Urbano: "Peliculas" de La Máquina de Hacer Pájaros

Corría el año 1977, y Argentina se teñía del color más oscuro de la historia reciente. La dictadura militar impuesta un año antes, atentaba vilmente contra la libertad, y la cultura se veía afectada por la censura que sólo aceptaba lo que no afectaba la realidad construida oficialmente. Pero había otra realidad, y había artistas dispuestos a contarla. Charly García había formado un año antes una nueva banda, después de la separación de Sui Generis y el fugaz Porsuigieco: La máquina de hacer pájaros, una banda de rock progresivo con sonidos desconocidos para este lado del mundo. Y tenía mucho para decir: luego de su primer disco, de nombre homónimo, lanzó “Peliculas” un disco totalmente crítico a la sangrienta dictadura que regía en el país. Pero, ¿cómo hicieron para lograr traspasar las barreras de la censura? ¿cómo lograron decir “lo que no se podía”? Las herramientas de la poesía surrealista (en especial la metáfora) y la relación que se establece entre esas herramientas y la realid…

Genesis - Selling England By The Pound (1973)

#Músicaparaelencierro. El Mago Alberto se pregunta, en su comentario sobre este disco: ¿El mejor disco de Genesis? ¿Uno de los mejores discos de la historia de la música?. Sea como sea, "Vendiendo Inglaterra por la Libra" es una deuda que teníamos pendiente (aún tenemos muchísimas más) y ahora lo recordamos con el aporte de Torrentinto, una gema del rock sinfónico de todos los tiempos que marcó un hito e hizo escuela y hace escuela hasta el día de hoy. Aquí, cinco personas crearon un disco y un mundo místico, sobrenatural y perfecto.

Artista: Genesis Álbum: Selling England By The Pound
Año: 1973
Género: Rock sinfónico
Nacionalidad: Inglaterra Antes que nada, vamos con algunos comentarios jugosos de nuestros amigos cabezones del Face:--------------------------------- 
Lejos el mejor. En mi caso fue una iniciación, ocurrida al regreso de mi padre de Inglaterra en el 74. Trajo de regalo ese disco, yo tenia 8. Se me voló el bocho y supe cómo no era. Teo Nurnberg-----------------------…

Idiotez y Codicia en Tiempos de Pandemia

Cuando la pandemia arrasaba en Europa y en Argentina solo teníamos unos pocos casos, todas las noches, puntuales, a las nueve, salíamos a los balcones, nos asomábamos a las ventanas para aplaudir a los médicos que estaban dejando el alma y la vida por atender enfermos. Aplaudíamos a los médicos europeos. Cuando los enfermos empezaron a arreciar acá, y los muertos se cuentan por miles, al personal médico que incluye mucamxs, enfermerxs, laboratoristas, personal del lavadero y cocina, médicxs, administrativxs, choferes de ambulancia, y todos los demás, NADIE LOS APLAUDE. Ni allá ni acá. No cuentan. Ni siquiera sabemos cuántos integrantes del ámbito de la salud murieron por ayudarnos. Pero no solo se dejó de aplaudirlos, sino que la mezquindad y la negación (siempre tan de la mano) priorizaron la "libertad" de ir al gimnasio y tomarse un cafecito, libertades inalienables para los republicanistas de su ombligo, por sobre la vida de sus vecinos, el personal de salud y los enfermo…

Nick Mason's Saucerful of Secrets - Live at the Roundhouse (2020)

#Músicaparaelencierro. El Mago Alberto se zarpa y nos trae el proyecto del viejo y querido Mason. Pues Nick Mason acaba de publicar el primer registro de su banda Saucerful of Secrets, sobre el cual copio unas líneas para darle el contexto necesario: "Cuando hace dos años Nick Mason anunció un proyecto que pretendía recrear en directo el material de Pink Floyd anterior a 1973, no fuimos pocos los que sentimos curiosidad. ¿Una puesta al día de su etapa psicodélica, pasando de lo facturado tras su conversión en dinosaurio? Al menos no olía a refrito, ni al enésimo saqueo del legado familiar. Con el buen criterio además de no fichar jovenzuelos sino maduritos con mili de sobras, Gary Kemp y Guy Pratt entre ellos, no tardamos en comprobar que el invento no reverdecía laureles (un tanto ingenuo quien lo esperara a estas alturas) pero sí sonaba lo suficientemente fresco como para descartar el mínimo sonrojo.  Ejerciendo de director tras los tambores, el viejo Nick daba el tempo a una b…

Ideario del arte y política cabezona

Ideario del arte y política cabezona


"La desobediencia civil es el derecho imprescriptible de todo ciudadano. No puede renunciar a ella sin dejar de ser un hombre".

Gandhi, Tous les hommes sont frères, Gallimard, 1969, p. 235.