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La Imagen del Sonido (II): Sonido y Música (y Otras Yerbas)

Antes de profundizar sobre la relación entre frecuencias, imágenes visuales y sonoras, vamos a hablar un poco de la diferencia entre ruido, sonidos y música, y dado que la intención es llegar a establecer un lazo común entre esos estímulos sensoriales que nos demuestren las íntimas relaciones que hay entre ellos en arte (solamente por no ser demasiado abarcativos, pero se podría extender mucho). Pero incluso vamos más allá y metemos a la ciencia en el meollo. Esto no puede ser tan difícil de entender, ya que al fin y al cabo, las ciencias naturales han influenciado siempre al pensamiento filosófico del hombre, y en ciertos periodos de la historia la ciencia y el arte han caminado de la mano. Sin embargo, en el siglo XIX y a principios del XX, la música se alejó de ellas. Hubo entonces que esperar hasta el inicio de los años cincuenta para que jóvenes compositores (como Iannis Xenakis, por ejemplo, o el arquitecto y teórico Le Corbusier) criticaran el retardo de la música en relación a la ciencia. Y por si esto fuera poco, tampoco queda atrás la filosofía y trascendentalismo. Aquí, algunos temas para empezar a relacionar la estética, el arte, la ciencia y la metafísica, y todo gracias al sonido: la explicación de la música que escuchamos cada día se encuentra, en último término, en la física... pero también en el alma.


Iannis Xenakis (1922–2001), fue un extraño revolucionario. Fue un artista que puso en aprietos a la misma música con su loca idea de organizarla matemáticamente, de encausarla gracias a un método de composición infalible, invariable, consecuente e inmutable.
Xenakis pensaba que la música y la arquitectura eran hermanas gemelas con escasas diferencias, mínimas y a menudo imperceptibles. Creía firmemente que la música electrónica era el remedio evolutivo del hombre, el sendero ideal para llegar a la esencia misma de la naturaleza humana.
Juan Pablo Huizi Clavier

El interés hacia la complejidad de fenómenos sonoros naturales empujó a compositores como Edgar Varèse a establecer analogías entre la música y la ciencia. Esta comparación no es injustificada. La música siempre ha tenido una relación con las matemáticas puras; en cambio, ésta no ha estado siempre cerca de la física, ciencia a través de la cual explicamos algunos fenómenos de la naturaleza, entre los cuales se encuentran las características fundamentales del sonido. Pero aunque creo que se puede ir mucho más allá, empezar a relacionar la ciencia con la música es un punto de partida excelente para empezar con un desarrollo más abarcativo de este concepto.
"[...] lo que le hizo falta a Schoenberg fue un mejor conocimiento de las ciencias de su época. Si se hubiera informado mejor, en vez de intentar introducir un determinismo riguroso dentro de la atonalidad, hubiera tal vez podido entrever la música estocástica [...] En el tiempo de Rameau, la música y la ciencia hacían una buena mezcla."
Xenakis, 1972


Haciendo un raconto histórico, podemos decir que las leyes causales de la física newtoniana fueron el centro del pensamiento occidental después del siglo XVII, y todas las artes (la música incluida) estuvieron influenciadas por ellas; sin embargo, a principios del siglo XX una nueva era de la física se anunciaba con la teoría cuántica de Planck y con la teoría de la relatividad de Einstein. Estas nuevas visiones del mundo desequilibraron y alteraron la lógica occidental a causa de sus características indeterministas, e incluso sin ser conocidas en detalle por los compositores, modificaron radicalmente el pensamiento musical tradicional, que había sufrido durante varios siglos con una sobrecarga de razonamiento determinista.
Las matemáticas puras son un lenguaje abstracto que no está necesariamente ligado a los fenómenos físicos naturales. Estas fueron utilizadas y desarrolladas por los serialistas de principios de los años cincuenta (con Pierre Boulez a la cabeza). La música serial entonces se volvió demasiado abstracta, y se alejó de la realidad física del sonido.

Algunos compositores de la primera mitad del siglo XX como Luigi Russolo (recordemos "El Arte de los Ruidos"), Edgar Varèse y John Cage, sintieron la necesidad imperiosa de romper con el pensamiento musical tradicional. Ellos se acercaron a los fenómenos sonoros de la naturaleza y les concedieron cualidades musicales; llevados por este interés, utilizaron sonidos surgidos de instrumentos nuevos inclasificables dentro del sistema musical tradicional. Estos compositores se preocuparon por el sonido en sí mismo (es decir, por el timbre), y por la posibilidad de crear nuevos medios para desdoblarlo en el tiempo y para integrarlo a la forma musical.
Sin embargo, la primera gran revolución del lenguaje musical del siglo XX fue producida por Arnold Schoenberg, con la creación de un nuevo sistema musical atonal basado en los doce tonos cromáticos de la escala temperada. La intención principal de Schoenberg fue la de evadir el sistema tonal en decadencia, lo que sin duda logró; pero su sistema se encontró con el mismo problema de cuadriculación del que el antiguo sufría: la omisión del desenvolvimiento de los sonidos dentro de un continuo temporal y un continuo de frecuencias, así como de uno tímbrico que no surgiría sino hasta más tarde, particularmente con la música electrónica.


El Sonido, el Ruido y la Música

El sonido hace posible el lenguaje formal o simbólico, y por lo tanto la comunicación entre  seres humanos. Pero el sonido también permite al hombre adquirir información contextual o ambiental sobre el medio en el que se halla inmerso. Esa información abarca desde los componentes específicamente sonoros del  ambiente acústico (la "sonosfera") hasta sus cualidades espaciales.
Un sonido se produce cuando un objeto vibra y empuja el aire que lo rodea. Este empujón se traduce en una variación de la presión, una onda que viaja por el aire hasta que llega a tu oído y, ¡tachán!, escuchas un sonido. Las características de este sonido dependerán en gran medida del objeto que lo produce: de su masa, su forma, su tamaño, el material del que está hecho, etcétera. El tono del sonido, cómo de agudo o grave resulta, está relacionado con la frecuencia de la vibración (cómo de rápido “tiembla” el objeto). El volumen nos indica la amplitud de la misma. Lo que llamamos timbre, por su parte, engloba una gran cantidad de variables distintas (desde cómo es el arranque inicial de un sonido a su descomposición en armónicos) y, de manera breve, podríamos decir que es todo que no es volumen ni tono.
Hablando del sonido en referencia a la música, lo primero que tenemos que tener en cuenta es que nosotros podemos percibir solamente parte de la totalidad del sonido, una frecuencia definida y no todo el abanico de frecuencias, registrado en nuestro órgano auditivo, que registra parte el movimiento vibratorio de los cuerpos,transmitido por un medio elástico, como el aire, a través de ondas (el sonido en sí mismo, no el que nosotros somos capaces de registrar como sensación).
Además, hay que tener en cuenta el "filtro" que le aplica nuestro sistema de conciencia (filtro que aplica a todos los sentidos del ser humano, necesario para ahorrar energías innecesarias, y necesario para mantener nuestra cordura). Recordemos que las drogas alucinógenas y psicotrópicas como el LSD actúan abriendo la canilla de dichos "filtros", además de distorsionar nuestros sentidos. Pero eso ya es harina de otro costal.

Habiendo hablado del sonido, ensayaremos una definición del ruido como un sonido no deseado que pasa los filtros (tanto auditivos como sensoriales y de conciencia) y que interfiere (con alguna actividad o con el descanso) y molesta. Por ejemplo si hay dos pares de personas sosteniendo dos conversaciones diferentes en un mismo lugar, para cada par será ruido lo que conversan los otros dos. El ruido, para serlo, no necesariamente debe ser muy intenso, como lo atestigua el caso del ruido de un mosquito volando cerca del oído. Otro ejemplo clásico es el de un canilla que gotea a la noche, la cual puede producir mucha molestia a pesar de que su nivel sonoro sea muy bajo. De hecho, el ruido de las millones de gotas que forman la lluvia es mucho más intenso, y sin embargo es menos molesto y en muchos casos hasta placentero o sedante.

Y al fin llegamos a la  música, que es una forma de hacer arte con el sonido (o incluso con el ruido, no nos olvidemos del "noise" y toda la experimentación que existe bajo este catálogo musical).
El  arte tiene en general tres componentes: estético, semántico y evocativo. El campo semántico en  el arte puede contener ambigüedades. En el caso de la música el campo semántico es ambiguo y predomina generalmente el aspecto evocativo. Ello tiene importancia en cuanto a las motivaciones  detrás del consumo de música, y estamos hablando aquí especialmente de aquella música que ha sido concebida como mero un artículo de consumo, algo de lo que siempre hablamos y que seguramente desarrollaremos con más desarrollo en esta misma saga de "La Imagen del Sonido".
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios. Desde tiempos inmemorables se ha empleado la música como elemento para evocar sentimientos y provocar emociones en el espectador, buen ejemplo es todo el extenso y vasto campo de la música clásica. 
Dentro del mundo del multimedia se trata de un elemento no siempre tratado con la justicia apropiada. No es raro encontrar obras en las que este aspecto se haya descuidado o se limite a ser usado de forma mínima y básica. En nuestro caso, vamos a tratar de ir incluso un paso más allá y retomar no solamente la importancia del sonido dentro de las prácticas estéticas multimedia, sino que intentaremos apuntar de que es un todo indivisible con el resto de los sentidos (aún en espectáculos donde no estén contemplados los demás sentidos).


Los Armónicos, las Notas, los Acordes...

Nuestra capacidad de reconocer la música, o mejor dicho, el tono de un sonido, está muy relacionado con algo llamado "armónicos". Los armónicos son una serie de sonidos con una relación muy particular: sus frecuencias son múltiplo de una misma frecuencia fundamental. En matemáticas, la serie armónica (1, 1/2, 1/3, 1/4…) recibe este nombre porque son las longitudes de una cuerda que producen sus armónicos.

Existen muchos sonidos diferentes, producidos por objetos diferentes. Pero a nosotros nos interesan unos muy determinados: aquellos producidos por objetos unidimensionales y homogéneos. Esta es precisamente la forma que tiene la mayoría de los instrumentos melódicos de una orquesta: los violines, violas, arpas, etcétera, tienen cuerdas. Los instrumentos de viento (flautas, clarinetes, oboes…), por su parte, son esencialmente columnas de aire. Columnas y cuerdas: objetos aproximadamente unidimensionales.
Son precisamente estos objetos los capaces de producir tonos bien definidos o, equivalentemente, sonidos cuyo espectro en frecuencia está compuesto por la serie armónica. Pero antes de entrar de lleno sobre el tema, vamos a explorar un poco el mundo de la música como la conocemos, al menos en Occidente. Nuestra capacidad de reconocer el tono de un sonido está muy relacionado, precisamente, con los armónicos. Pero, además, esta serie tiene grandes implicaciones en el lenguaje musical: desde la formación de escalas a lo que en música occidental se conoce como "consonancia" y que da sentido a un concepto de armonía omnipresente a través de los estilos. Desde el rock al jazz y a Johann Sebastian Bach: la explicación de la música que escuchamos cada día se encuentra, en último término, en la física.

Aquí, un video explicativo sobre algunos conceptos básicos de la música, que aborda en algunos temas que nos servirán posteriormente en nuestro desarrollo conceptual.






Los Armónicos: Un Acceso al Plano Metafísico


El "armónico" es un término que podemos encontrar tanto en el ámbito de la música (de donde procede el término, de hecho), como en el de la física, las matemáticas y la metafísica. Matemáticamente los armónicos se expresan a través de la ecuación de la onda. Una onda está compuesta de dos conceptos bien diferenciados: a) la amplitud de la onda que expresa la máxima altura que es capaz de alcanzar y que  se  consigue en los puntos  máximos y mínimos de la función  trigonométrica, y b) la frecuencia que indica la rapidez con la que la onda completa un ciclo. La ecuación de la onda se expresa según funciones seno o coseno, como sigue: y=Asen(wx)
El concepto de "armónico" tal cual lo conocemos se encuentra, en último término, tras las bases de la armonía occidental y de nuestra percepción del tono. En el plano más metafísico, podríamos decir que todo es vibración, incluso la materia (al menos, parte de ella, además de la energía y su frecuencia). Y como todo es vibración, también todo es sonido. Dentro de  ese concepto debemos conceder a los armónicos en un lugar especial
En la guitarra, por ejemplo, los sonidos disonantes o armónicos ya vienen normalmente con la fabricación de ésta. Y se ejecutan de una manera singular (tomando nuestra guitarra en posición de tocarla tenemos en cuenta los trastes 12, 9, 7, 5, 4, y 3, ya que normalmente es donde se encuentran los armónicos en todas las guitarras. Para producir un armónico en una guitarra, se posiciona nuestro dedo en cuerda en uno de esos trastes, sin presionarla contra el traste mientras con la otra manotocamos la cuerda. Es decir, que el sonido se produce con la forma suave en la que se acarician las cuerdas.
Este tema de los armónicos toca con otros (como los armónicos en la astrología o la numerología) que por desconocimiento no puedo hablar, pero digamos que es un tema muy amplio y del que ya hemos hablado. Para quien quiera profundizar sobre esto, les recomiendo este video. A la derecha tienen un ejemplo de la "Flor Armónica" de la astrología, pero la misma incluso se aplica al Tarot y a otras ramas de las que me declaro nulo conocedor. Por lo tanto, sigamos nuestro desarrollo en base al tema musical.


Muy por el contrario a lo que sucede con los intrumentos de cuerda o muchos de los instrumentos musicales, con el canto no pasa de la misma forma, a pesar de tener los mismos principios sonoros, la fonética tiene sus propias reglas, y desde la antiguedad se lo consideró el instrumento más sagrado.
El canto es usado más que todo para prácticas médicas poco ortodoxas como la curación por medio dela música cantada, la meditación curativa entre otras. Y lo que hacen es básicamente proyectar por medio de las vocales -con una técnica especifica de la exhalación del aire- es inducir este tipo de sonidos que entonados en una nota natural (sin siquiera cambiar el tono de la voz) juegan con las frecuencias de vibración de la garganta. Sin más, recordemos el cristal que se rompe cuando un tenor canta.
Pero aclaro que no soy especialista en técnicas vocales, lo que sí les puedo decir, es que mientras esto de la curación por el sonido parece un tema de torme y obtusa ignorancia y blasfema paganía, lo ccierto es que científicos japoneses han demostrado que el sonido afectar el funcionamiento de tus genes, ya que ciertos genes "mecanosensibles" se suprimen cuando se los somete a un sonido audible (consulten este link para mayor información).

Más o menos referido a este punto, podemos tomar el caso de la caída del puente colgante de Tacoma: el 7 de Noviembre de 1940, una suave brisa hizo entrar en resonancia al puente colgante de Tacoma Narrows (Estados Unidos). La frecuencia del viento era similar a la frecuencia natural del puente, con lo cual la energía transferida al sistema era la máxima, es decir, el puente entró en resonancia y aparecieron ondas estacionarias a lo largo de su estructura que acabaron por derrumbarlo. Cambiemos frecuencia del viento por frecuencia de sonido, y tendremos algo parecido a lo que estamos exponiendo aquí: el sonido puede ser la puerta hacia planos metafísicos de implicaciones insospechadas. Conviene aclarar que a diferencia del viento, en el que lo que se mueve es efectivamente el aire, es decir, hay un desplazamiento neto de materia, en el caso del sonido lo que se mueve es una perturbación; hay un desplazamiento de energía.




Demostración de Canto Polifónico Armónico

Una cualidad que permite distinguir dos sonidos, por ejemplo, entre la misma nota (tono o altura) con igual intensidad producida por dos instrumentos musicales distintos, se define como la calidad del sonido, pues cada cuerpo sonoro vibra de una forma distinta. Las diferencias se dan no solamente por la naturaleza del cuerpo sonoro (madera, metal, piel tensada, etc), sino también por la manera de   hacerlo sonar (golpear, frotar, rascar). También influye en la variación del timbre la calidad del material que se utilice. Una misma nota suena distinta si la toca una flauta, un violín, una trompeta... cada instrumento tiene un timbre que lo identifica o lo diferenciade los demás. Con la voz sucede lo mismo. El sonido dado por un hombre, una mujer, un niño, tienen distinto timbre. El   timbre nos permitirá distinguir si la voz es áspera, dulce, ronca o aterciopelada.
Cerrando esta entrega (humilde en realidad, porque todos estos temas son dignos de amplificar y extender su estudio), les dejo este estupendo y sorprendente vídeo de canto armónico polifónico, obra de Anna-Maria Hefele, en el que exhibe precisamente su capacidad del todo extraordinaria para crear una armonía de dos notas a la vez con una sola respiración. ¡Una fascinante locura!



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Este espacio fue gestado con la intención de compartir sonidos, melodías que nos conmueven día a día, que nos reciben al abrir los ojos, quizás para muchos el primer contacto con la realidad, antes que un mate o un desayuno como la gente. Estos sonidos nos causan extremo placer y por eso queremos convidarles un poquito, para juntos escapar a la dominación del hemisferio izquierdo.
Pasen, vean, lleven lo que gusten. Pero si tienen la posibilidad de hacerse con el material tangible, no lo duden, es la forma que tenemos de colaborar con los artistas para que sigan creando.
Sí alguna persona o ente se siente ofendido por encontrar material en este sitio le rogamos nos lo haga saber, todavía creemos en las palabras.
Si por alguna razón no pueden leer estas lineas, usted ya no es, usted ya no existe, usted tiene un moog en la cabeza.


Aclaración...

Este espacio se reserva el derecho de publicar sobre cualquier tema que parezca interesante a su staff, no solamente referidos a la cuestión musical sino también a lo político y social.
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Y no te confundas, no nos interesa la piratería, lo nuestro es simplemente desobediencia civil y resistencia cultural a favor del libre acceso al conocimiento (nuestra música es, entre otras tantas cosas, conocimiento).

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Año:2007
Género: Jazz
Duración: 1:58
Nacionalidad: Suecia
Lista de Temas:
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2. "The Rube Thing"
3. "Where We Used To Live", 
4. "Eighthundred Streets By Feet"
5. "Definition Of A Dog"
6. "The Goldhearted Miner"
7. "Dolores In A Shoestand"
8. "Sipping On The Solid Ground"
9. "Goldwrap"
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Lista de Temas:
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03. Garzas
04. Flores de invierno
05. En cada movimiento
06. La tercera joya desde el sol
07. El futuro más distante
08. Campos de batalla
09. Sequía
10. Siempre joven
11. El tiempo es olvido


Alineación:
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- Adolfo Romero / guitarras.
- Navi Naas / batería.
Invitados;
Enrique Castro / marimba, percusión, piano, kalimba.
Alfonso André / batería.
Cecilia Toussaint / coros.
Yamil Rezc / percusión, juno, batería.
Agustín Bernal / contrabajo.
Darío González / rhodes, mellotron, hammond.
Daniel Zlotnik / sax soprano, sax tenor, flauta, hulusi.
Erick Rodríguez / trombón.
César Barreiro / trompeta.
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Erika Ramírez Sánchez / viola.

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Egberto Gismonti & Naná Vasconcelos - Duas Vozes (1985)

Artista: Egberto Gismonti & Naná Vasconcelos Álbum: Duas Vozes
Año: 1985
Género: Jazz Fusión / Latin Jazz
Nacionalidad: Brasil

Lista de Temas:
1. Aquarela do Brasil
2. Rio de Janeiro
3. Tomarapeba
4. Dancando
5. Fogueira
6. Bianca
7. Don Quixote
8. O Dia, À Noite

Alineación:
- Egberto Gismonti / guitar, piano, dilruba, wood flutes, voice
- Naná Vasconcelos / percussion, berimbau, voice



Robert Dimery, Editor - 1001 Albums You Must Hear Before You Die (2006)

Libro de referencia de la música pop aparecida entre 1955 y 2005, abarcando los géneros desde el rock, blues, folk, jazz, pop, electrónica y world music. Las reseñas fueron realizadas por un equipo de unos 90 críticos de distintas latitudes y gustos. El trabajo se basa en discos originales, quedando así por fuera las recopilaciones de varios artistas, quedando excluido así, el mítico álbum de Woodstock. Sin embargo el panorama es muy amplio y uno siempre encontrará artistas que no ha oído.

Editor: Robert Dimery Prefacio: Michael Lydon
Primera Edición: 2005
Cubierta:Jon Wainwright
Género: Catálogo
Páginas: 960
Nacionalidad: EEUU Editorial:Universe Publishing
Reediciones:2008, 2011, 2013 Otros Idiomas: español, portugués, noruego, finés, sueco, y otros.



Presentación del Editor de libros de Amazon.com 

The ultimate compendium of a half century of the best music, now revised and updated.1001 Albums You Must Hear Before You Die is a highly readable list of the best, the most important, and the most in…

La Barranca - Denzura (2002)

Artista: La Barranca
Álbum: Denzura
Año: 2002
Género: Rock alternativo
Nacionalidad: México

Lista de Temas:
01. fascinacion
02. animal en extincion
03. hasta el fin del mundo
04. donde la demasiada luz forma paredes con el polvo
05. la vision
06. no mentalices
07. denzura
08. montana
09. la rosa
10. madreselva
11. minotauro
12. kalenda maya

bonus ep: cielo protector
13. cielo protector
14. rendicion
15. tsunami
16. el agua que cae
17. cielo protector (demo)


Alineación:
- José Manuel Aguilera / guitarra, voz, órgano
- Alejandro Otáloa / guitarra, piano, teclados
- José María Arréola / batería
- Alonso Arréola / bajo, guitarra acústica
Músicos Invitados:
Federico Fong - piano eléctrico (6)
Cecilia Toussaint - voces femenina (2,10)
Marco Antonio Campos - percusiones (2, 4, 9, 10)
Joe D'Etiene - trompeta (8 )
Cherokee Randalph - viola (3, 6, 7)
Mónica del Aguila - chelo (3, 7, 6)
José del Aguila - violín (3, 6, 7)
Arturo González - violín (3, 6, 7)
Eduardo del Aguila - platillo tibetano (1)

Manantial - Manantial (1977)

Nuestro amigo Julio Moya sigue con su tarea de palentólogo del rock latinoamericano y ahora nos presenta la historia de Manantial, algo así como los Arco Iris de Bolivia (incluso en su historia hay puntos de contacto con la banda de Santaolalla). Manantial fue una de las bandas mas representativas del rock boliviano producido en la decada setentera, con una clara influencia inclinada al rock progresivo y experimental, creando una verdadera joya perdida del rock boliviano (no van a encontrar referencia alguna por ningún lado de esto, salvo lo escrito por el cabezón Julio) que ahora presentamos en el blog cabezón gracias al trabajo investigativo de Julio Moya.

Artista: Manantial
Álbum: Manantial
Año: 1977
Género: Rock progresivo / Rock psicodélico
Nacionalidad: Bolivia


Este tiempo Julio estuvo viajando de lado a lado, ahora se encuentra en Bolivia consiguiendo material para "Años Luz", y nos deja la reseña de este disco, una nueva banda que damos a conocer en el blog cabezón, una …