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viernes, 15 de febrero de 2019

Go (Stomu Yamashta, Steve Winwood, Michael Shrieve) - Go (1976)

Acá aparece una tremenda sorpresa que nos la presenta Pedro Manuel, y les recomiendo que presten atención, porque aquí van a escuchar lo que sucede cuando un multiinstrumentista japonés llamado Stumo Yamashita se reúne con luminarias pocas veces juntadas en un mismo disco: Steve Winwood (Traffic, Blind Faith, etc.), Michael Shrieve (Santana, Pete Townshend, etc.), el vampiro Klaus Schulze (Tangerine Dream, Ash Ra Tempel), Rosko Gee (Traffic, Hardy Hepp), Paul Buckmaster (Miles Davis, David Bowie, etc.), Al Di Meola y varios otros, formando un supergrupo pocas veces visto (y escuchado). Aquí otra gran sorpresa para engalanar, otra vez, al blog cabezón.

Artista: Go
Álbum: Go
Año: 1976
Género: Prog-Rock / Jazz-Rock
Duración: 41:51
Nacionalidad: Multinacional



No voy comentar mucho a este disco porque realmente no sabía de su existencia hasta ayer, pero para eso está Pedro Manuel...
La súper agrupación "GO", liderada por Stumo Yamashita, nacido el 15 de marzo de 1947, en Kioto, es un baterista, percusionista, teclista y compositor japonés de jazz y de rock, reunió a grandes luminarias que para la época era difícil hacerlos, ya sea por sus egos personales o por sus agendas en este disco encontramos a Steve Winwood, fue el cantante de Traficc, reconocida banda de rock, Michael Shriev: baterista, el participó en Woodstock con la agrupación de Santana, Klaus Schulze súper conocido tecladista de la época, compositor de música electrónica, Al di Meola guitarrista de jazz súper conocido por sus trabajos junto a Paco de Lucía y Jhon Mclaughlin .. quien no conoce "Mediterranean Sun"?, otro de los grandes que participo en este disco fue Paul Buckmaster en arreglos orquestales.
Esta banda sólo saco 3 discos, el primero se llama "GO" de 1976, el segundo "Live From París" de 1976 y su tercer disco "GO TOO" fechado en 1977.
Este disco llegó a mis mano en el año 1977 gracias a mi hermano, él era medio hippie, escuchábamos música juntos y coleccionaba discos de rock. yo tendría como 11 años de edad y desde el momento, cuando escuché la primera canción "Solitude" y luego "Nature" ya han pasado 41 años y todavía lo escucho como si fuera la primera vez, creo que un disco adelantado, si se lo compara con otros de su época.
Pedro Manuel



Sume - Inuit Nunaat (1974)

Seguimos en Greonlandia para presentar esa rara mezcla entre rock clásico, progresivo, psicodélico y folk de Sume, con esa energía que da la protesta impresa en formato rock, y con este disco, su segundo y anteúltimo, cerramos la historia de una banda que hizo de su propuesta política y lucha cultural su estilo particular. El título del disco se traduce como "Tierra de los inuit" (la tribu esquimal que habita (o habitada, quizás) Groenlandia). Además, musicalmente tiene aspectos muy rescatables, hermosos solos de guitarra, mellotrones y órganos rellenando cada rincón, con mixturas interesantes y muy agradables, y con un resultado sorprendentemente alegre teniendo en cuenta que viene de un lugar tan desolado, al igual que su historia. Y seguiremos con los radares prendidos para rescatar desde el pasado o descubrir en el presente grupos de estas características. Aquí, un disco que además de ser exótico e idealista, es musicalmente muy recomendable.

Artista: Sume
Álbum: Inuit Nunaat
Año: 1974
Género: Rock / Proto prog
Duración: 37:01
Nacionalidad: Greonlandia


Las canciones hablan, en su mayor parte, sobre la vida en Greonlandia, y sobre sus ancestros que vivieron en Groenlandia, antes de que llegaran los hombres blancos y reclamaran la tierra como suya. No, no, no hablo de los pueblos originarios de América, pero en realidad también, porque en todos lados fue igual.


No seguiré hablando mucho más sobre esto de lo que ya he hablado bastante. Ahora, les toca a ustedes escucharlo y apreciarlo. Espero que les guste...



jueves, 14 de febrero de 2019

Van der Graaf Generator - Live at Rockpalast: Leverkusen 2005 (2018)

He aquí el discazo de esta semana, y lo trae el Mago Alberto, como no podía ser de otra forma. Una de las bandas más grandes que ha parido la humanidad toda, en su última reunión en vivo como cuarteto, y ya saben que lo que vendría luego no sería lo mismo. Nos dice el Mago: "Van Der Graaf Generetor en versión cuarteto hasta el final de los días, última vez de verlos en vivo en concierto, viejitos, con las mochilas repletas de experiencias, de música, y dándonos el último sorbo, el último aliento, la última vibración en vivo, la pucha que vale la pena disfrutar de algo único e irrepetible, algo así como Las Bandas Eternas de Spinetta, algo UNICO, insuperable. Y tratando precisamente de trazar ese paralelismo musical, nos encontramos al igual que el tremendo carisma de Spinetta, con el tremendísimo carisma de Peter Hammill, dando forma, con una dosis exasperante de poesía dramática y momentos atonales, oscuros, al estilo personalisimo de VDGG. Aquí, el último Van der Graaf Generator en formato original, en un registro en vivo que quedará para la posteridad, y no solamente para el blog cabezón, para la historia de la buena música.

Artista: Van der Graaf Generator
Álbum: Live at Rockpalast: Leverkusen 2005
Año: 2018
Género: Progresivo ecléctico
Nacionalidad: Inglaterra


Para los que vienen siguiendo el blog cabezón desde hace tiempo, ya saben que en este espacio tenemos nuestras bandas preferidas, y una de ellas es justamente Van der Graaf Generator, obviamente por razones musicales pero también por actitud, por haber sido siempre ellos mismos más allá de las modas y los estilos que cambiaban a lo largo de los años, por toda esa carga dramática, vital, emotiva, dura y ácida en sus poemas y su lírica, y por los músicos que dieron vida a este monstruo, una banda sin recambios, única, mágica, a pesar de no haber logrado el éxito y reconocimiento merecido, pero no por ello dejan de quedar fuera del circuito de los grandes de la música de todos los tiempos.
En mayo del año pasado se publicó la remasterización del concierto que Hammill y Compañía ofrecieron el 5 de noviembre de 2005 en Leverkusen, con la formación clásica de cuarteto, Peter Hammill (voz, guitarra, piano), David Jackson (saxo, flauta), Hugh Banton (teclados) y Guy Evans (batería). Hoy el Mago Alberto pasa a presentarlo en el blog cabezón, dando paso a otro discazo que hace gala de imperdible.
Aquí, las sabias palabras del Mago Alberto que pasa a dar su reseña sobre este disquito realmente notable.
Cabezonas/es ustedes saben muy bien que hay materias obligatorias en la cuestionada Escuelita de Moe, y ésta que presentamos hoy es por demás obligatoria, nada más y nada menos que lo último que van a escuchar de Van Der Graaf Generetor en versión cuarteto hasta el final de los días, última vez de verlos en vivo en concierto, viejitos, con las mochilas repletas de experiencias, de música, y dándonos el último sorbo, el último aliento, la última vibración en vivo, la pucha que vale la pena disfrutar de algo único e irrepetible, algo así como Las Bandas Eternas de Spinetta, algo UNICO, insuperable.
Y tratando precisamente de trazar ese paralelismo musical, nos encontramos al igual que el tremendo carisma de Spinetta, con el tremendísimo carisma de Peter Hammill, dando forma, con una dosis exasperante de poesía dramática y momentos atonales, oscuros, al estilo personalisimo de VDGG.
Y que mejor encontrarlos en vivo en el Rockpalast en la reunión del 2005, con el peso propio de esas tablas y ese clima, para dejar este tremendo documento artístico, plasmado en un CD doble y dos DVDs, donde van a apreciar el sudor, la emoción, la fuerza, la dulzura, la mejor versión de VDGG... simplemente porque es la última... nada más que por eso.
Desde el primer acorde hasta el último, corre por el aire una atmósfera única, profunda, conmovedora y por supuesto eso es ni mas ni menos lo que te van a dar sin contemplacion los VDGG.
Hay un climax, hay un orgasmo, hay un nudo, y ese centro sublime es la estremecedora versión de "Man Erg" (de "Pawn Hearts") casi terminando el show, donde estos señores sagrados te van inundando tu cerebro de momentos únicos, donde Hammill te hipnotiza con su melodioso canto susurrante, y Jackson te golpea como un martillo neumático cada fraseo de su saxo, desarrollando, junto a Banton y Evans, una de sus más brillantes creaciones, sencillamente TERRIBLE:
Cabezonas/es tienen la oportunidad de disfrutar esta monumental obra en CD. Y si quieren también en el video publicado en Youtube.
Por supuesto este concierto es para escucharlo en un momento especial, hay que darle su espesura sonora, hay que abrir el alma de par en par y entregarse a la extrema belleza visual y sonora de una de las más grandes bandas que ha parido la humanidad toda.
Lo ultimo de Van Der Graaf Generator para siempre, más no se puede pedir.
Mago Alberto





Sume - Sumut (1973)

Un canto de protesta en formato rock, para continuar con nuestra presentación de esta banda oriunda de Greonlandia, presentación que vino a raíz del documental  "Sume - The Sound of Revolution" donde se relata la historia, propuesta política y lucha de este grupo por definir su cultura. Con sus líricas que criticaban con sarcasmo el imperialismo danés imperante en su tierra natal, y aquí volcaron toda esa carga en este disco, donde esa rebeldía casi es palpable desde su música. En la tapa, un esquimal que está desensamblando a un yipo al parecer de origen europe nos espera con los brazos abiertos ¿nos invita a un banquete? Un nuevo material para la escuelita de rock, que ahora presenta un trabajo por demás esquivo y poco conocido. Traemos ahora su primer disco, con su estilo un tanto particular que mezclaba rockclásico, proto prog, psicodelia, elementos propios de su cultura y cantado en groenlandes. Con ustedes, el primer disco de Sume.

Artista: Sume
Álbum: Sumut
Año: 1973
Género: Rock / Proto prog
Duración: 41:34
Nacionalidad: Greonlandia


Es así como la propia portada de 'Sumut' resultó ser una verdadera provocación, ya que se trató de una copia de un grabado hecho por el artista Aron de Kangeq en 1860, el cual representa una escena del mito groenlandés en donde la figura legendaria Qasapi (mística bestia groenlandesa) cercena el brazo del colonizador nórdico Norsemen Uunangortoq, lo cual lógicamente se interpretó como una oda a la resistencia contra la influencia danesa en Groenlandia. La contraportada del LP, en tanto, correspondía a una imponente caravana de canoas inuit surcando las frías aguas del territorio, lo cual también evocaba de manera más que potente la rica cultura local que siempre defendieron los músicos.


Aquí, otra de las rarezas que deambulan por el blog cabezón, un disco que rescatamos de su pérdida en el tiempo y en la lejanía de los hielos del norte. Y convengamos que es una rareza muy interesante!



miércoles, 13 de febrero de 2019

Focus - Focus 11 (2019)

Hace poco hablamos de la cantidad de bandas clásicas y veteranas que actualmente se rearman, se rejuntan, se renuevan y se reinventan, y encima en general con excelentes resultados. Entre ellas también nos encontramos con los Focus que vienen a romper con ese esquema que dice que las segundas partes (y terceras, cuartas, quintas y las que siguen) no son buenas, porque inician este 2019 - que se anuncia lleno de buenas cosas (musicalmente hablando, dejemos el tema social de lado)- con un verdadero discazo llamado "Focus 11". Los holandeses liderados por "el gordo de la moto" -según el Mago Alberto- se mandan un tremendo trabajo digno de sus mejores épocas. El Mago Alberto nos presenta este gran lanzamiento que hará las delicias de todos (o casi todos) los cabezones. Un imperdible para este novato 2019!

Artista: Focus
Álbum: Focus 11
Año: 2019
Género: Rock sinfónico
Duración: 52:49
Nacionalidad: Holanda


Su primer nuevo álbum de estudio luego de seis años, llamado acertadamente "Focus 11", once temas para el undécimo lanzamiento para la legendaria banda.
La línea actual de Focus cuenta con Thijs van Leer (o "el gordo de la moto"), secundado por Pierre van der Linden, y a quienes se les une Menno Gootjes y Udo Pannekeet. Todos excelentes músicos que terminaron de grabar este nuevo álbum el año pasado y salió a la luz a fines de enero de este año. El álbum tiene 11 canciones y se lanzó a través de la propia discográfica de la banda, "In And Out of Focus Records", y encima presenta ilustraciones de Roger Dean.

A ver, que levanten la mano los que dejaron de escuchar Focus porque consideraban que ya habia pasado su cuarto de hora??? - Huuu... cuantos!!!!. Bueno van a tener que bajar la manito y ponerse a escuchar este último trabajo de Focus, se van a sorprender, realmente uno termina pensando ¡Thijs Van Leer lo hizo de nuevo!!.
Que bueno volver a escuchar un disco con la misma sensación de antaño, que bueno volver a sentir esas fibras repletas de melancolía, complejidades casi divinas.
Lo bueno en realidad es volver a disfrutar del enorme talento creativo de Van Leer, aún cuando nadie hubiera pensado que se convertiría en una especie de gordo motoquero, perdido chupando en los bares y aún andando en moto, pero detrás de ese enorme enemigo natural que nadie puede vencer (la vejez), están intactas las mismas neuronas de los años 70, y que junto a su amigo de rutas sin fin, Pierre Van Der Linden, le dan el touch "Focus" tal como uno supo descubrirlo. Y bueno, ellos son el 50% de la banda, y aunque siempre en la historia del grupo fue muy importante el sonido de Jan Akkerman, créanme que acá no se nota para nada, es más, en ciertos arpegios, arreglos y solos de Menno Gootjes, esa pérdida auditiva es superada con creces.
El Gordo Motoquero quizás pensando en la luz al final del túnel, decidió poner toda la carne al asador y no resistirse a la espera del salto al socavón, y el resultado es este "FOCUS 11", un disco que todo cabezón tiene que escuchar con los cinco sentidos a full. Qué bueno empezar el año de esta manera!.
Si uno se pone a escuchar finamente el disco hay algunos vaivenes auditivos, como la no normalización de algunos picos, especialmente de la guitarra, que fueron "limitados" muy de golpe en la masterización, pero bueno... son detalles que no modifican el resultado final para nada -mierda, ya me estoy pareciendo al Rey Carmesi!!.
Cabezones un nuevo DISCAZO de Focus, para escuchar sin complejo alguno.
Mago Alberto



martes, 12 de febrero de 2019

Canturbe Nominado a los Premios Gardel (Mejor Album de Rock 2019)

Eberhard Weber - Yellow Fields (1975)

Bueno y como lo prometido es deuda, aqui esta el segundo disco de este maravilloso bajista aleman, grabado en 1975 y publicado por el sello ECM, por supuesto la portada maravillosa, esplendida de su amada esposa Maja Weber. Este disco al igual que Silent Feet de 1978 y Little Movements de 1980. Los tres registros se encuentran entre los mejores del bajista, además de ser clásicos indiscutibles de la etiqueta de ECM, y por supuesto joyas que se traen aqui a este gran blog.

Artista: Eberhard Weber
Álbum: Yellow Fields
Año: 1975
Género: Jazz
Duración: 44:18
Nacionalidad: Alemania


Eberhard Weber, el hombre que agregó una cuerda extra a su bajo eléctrico a principios de los 70; esto amplió su rango y le dio un sonido más profundo y sorprendente. El bajo está al frente y en el centro de Yellow Fields, pero hay una buena separación en el sonido entre todos los músicos en este álbum. De todos los álbumes clásicos de Eberhard Weber, YELLOW FIELDS es probablemente el que más apela al fanático clasico y sinfonico promedio. En primer lugar, se abre con "Touch", la pieza más "sinfónica" que Weber ha grabado sin usar una orquesta: una balada instrumental majestuosa y conmovedora con un mellotrón magnífico, con la melodía principal interpretada por el saxo lírico de Charlie Mariano, El sintetizador de Brueninghaus y el propio bajo planeador de Weber tocando al unísono. El "toque" sigue siendo absolutamente encantador, un punto culminante en la obra de Weber.




Indian Summer - Indian Summer (1971)

"Casos de grupos progresivos que durante su carrera tan solo registraron un álbum en su historial son recurrentes y no discriminan ni países ni estilos. Tampoco calidad, ya que muchas veces se trata de obras espectacularmente bellas y magníficas. Un ejemplo de aquello es el grupo inglés Indian Summer, quienes en 1971 dieron vida a su único registro, el cual perfectamente podría considerarse como una 'joya de la corona". Así comienzala nota que inspira esta entrada, donde presentamos el único disco de esta agrupación británica que duró lo que un pedo en un canasto, pero nos dejó este disco tan disfrutable. Casi desconocidos, les presentamos el único trabajo de una banda llena de energía que prometió en los principios del prog ácido.

Artista: Indian Summer
Álbum: Indian Summer
Año: 1971
Género: Proto prog
Duración: 49:49
Nacionalidad: Inglaterra


Aires Cantebury, hard rock, toques de rock prog, rock psicodélico, atmósferas oscuras, mucho órgano Hammond, algo de Mellotron, guitarras ácidas, canciones agradables, algunos buenos solos de guitarra y buenas voces, pasajes instrumentales largos, interpretaciones brillantes, buenas estructuras compositivas y algunos momentos muy buenos. Con un sonido un tanto particular, no tan pesados ​​como Black Sabbath ni tan sinfónicos como Genesis, logran estar en el medio de ambas vertientes que se proyectaban por aquel entonces. Su sonido recuerda a un cruce entre The Doors y los Uriah Heep en ese momento pero sin sus guitarras pesadas (su guitarrista está más centrado en la psicodelia, con algunos toques jazzeros incluso), y con algunos toques de en la base de la onda Traffic.
En pocas palabras, un álbum que vale la pena conocer, muy entretenido, que no ofrece mucho más de que lo que Uriah Heep o Deep Purple ofrecieron en su momento, pero que también buscaron un sonido particular más cercano a la psicodelia,, y esta fue su fuerza. A todo aquel que le guste la mezcla de hard rock y la psicodelia de principios de los 70 imagino que realmente le gustará. Creo que esta es una de las mejores bandas de esas que tuvieron una existencia demasiado corta. Este es uno de esos álbumes en los que, una vez que te metes en él, lo apreciarás con cariño para siempre... si te gusta explorar entre los álbumes raros del mundo progresivo, ¡este es un buen descubrimiento!




lunes, 11 de febrero de 2019

Energía Para Pocos: Cínicos y Brutos


En la Argentina Amarilla hay familias que se endeudan para pagar los servicios de gas, luz y agua. Pero lo que dice Aranguren no es solamente que la energía "no es un derecho humano", sino es que durante años los sueldos aumentaron más que las tarifas de energía (como si eso estuviese mal y fuese pecado) y ahora parece que hay que compensar. No debe haber mejor definición de Corporación Cambiemos, mezcla de hijaputez y pelotudez rampante.


Los recientes dichos de Aranguren, que, entre otras cosas, afirma que "la energía no es un derecho humano", son una muestra de cuál es el proyecto de país y gobierno que propone el Felino Macri.
En la Argentina hay cada vez más familias que se endeudan para pagar los servicios. Y no lo decimos nosotros, lo dice La Nación:
En el último trimestre de 2018, la fintech (empresas que mezclan finanzas y tecnología) de pago digital y préstamos personales Moni verificó un aumento del 45% en la cantidad de préstamos solicitados para pagar servicios en comparación con el mismo período del año anterior. El monto promedio que pidieron los usuarios fue de $2750 a una tasa nominal anual (TNA) del 65% -a ese porcentaje hay que sumarle otros gastos para obtener el costo financiero total (CFT)- y una comisión por uso de la plataforma, que en el caso de los préstamos es de $500, aproximadamente.
El aumento en los servicios desde la asunción de Mauricio Macri impactó fuertemente en el bolsillo, coinciden los economistas. Según los números del estudio EcoGo, desde 2016 hasta el momento los aumentos fueron del 747%, 1643,7% y 616,2% en gas, electricidad y agua respectivamente.

Para Aranguren está mal que tu sueldo le haya ganado a las tarifas durante años. No debe haber mejor definición de Corporación Cambiemos.

Pero a saber... el señor está un poco equivocado, además de ser un excelente ejemplo de cinismo. 
“La Declaración Americana de los Derechos y Deberes del Hombre; la Declaración Universal de Derechos Humanos; la Convención Americana sobre Derechos Humanos; el Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales;... en las condiciones de su vigencia, tienen jerarquía constitucional, no derogan artículo alguno de la primera parte de esta Constitución y deben entenderse complementarios de los derechos y garantías por ella reconocidos.” (Constitución Nacional, artículo 75 inciso 22).

“Derecho a la preservación de la salud y al bienestar. Toda persona tiene derecho a que su salud sea preservada por medidas sanitarias y sociales, relativas a la alimentación, el vestido, la vivienda y la asistencia médica, correspondientes al nivel que permitan los recursos públicos y los de la comunidad.” (Declaración Americana de los Derechos y Deberes del Hombre, artículo XI)

“Toda persona tiene derecho a un nivel de vida adecuado que le asegure, así como a su familia, la salud y el bienestar, y en especial la alimentación, el vestido, la vivienda, la asistencia médica y los servicios sociales necesarios;...” (Declaración Universal de Derechos Humanos, artículo 25 punto 1.)

“Los Estados Partes se comprometen a adoptar providencias, tanto a nivel interno como mediante la cooperación internacional, especialmente económica y técnica, para lograr progresivamente la plena efectividad de los derechos que se derivan de las normas económicas, sociales y sobre educación, ciencia y cultura, contenidas en la Carta de la Organización de los Estados Americanos...” (Convención Americana sobre Derechos Humanos, artículo 26)

“Reconociendo que, con arreglo a la Declaración Universal de Derechos Humanos, no puede realizarse el ideal del ser humano libre, liberado del temor y de la miseria, a menos que se creen condiciones que permitan a cada persona gozar de sus derechos económicos, sociales y culturales, tanto como de sus derechos civiles y políticos,...” (Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales, Preámbulo)

“Los Estados Parte en el presente Pacto reconocen el derecho de toda persona a un nivel de vida adecuado para sí y su familia, incluso alimentación, vestido y vivienda adecuados, y a una mejora continua de las condiciones de existencia. Los Estados Parte tomarán medidas apropiadas para asegurar la efectividad de este derecho,...” (Pacto Internacional de Derechos Económicos, Sociales y Culturales, artículo 11 punto 1.)

“A los efectos de la presente ley, denomínase servicio público de electricidad la distribución regular y continua de energía eléctrica para atender las necesidades indispensables y generales de electricidad de los usuarios de una colectividad o grupo social determinado de acuerdo con las regulaciones pertinentes.” (Ley 15.336, artículo 3)
Nota original



After Crying - Show (2003)

Un día, los prog rockeros húngaros (mejor dicho de Europa del Este) tomaron el rock sinfónico por asalto, creando material nuevo, original y fresco, y enriqueciendo el género con las influencias étnicas de su país de origen y su particular sensibilidad, estos músicos entrenados en la música clásica se niegan a seguir los patrones creados en Europa occidental para crear su propio sonido nuevo y único. El Mago Alberto nos trae otro de los discos de una de las bandas que más hemos destacado en el blog cabezón (y eso que hemos hemos destacado infinidad de bandas y músicos del carajo), y es que hablamos de After Crying, y estamos hablado de lo más refinado de la propuesta progresiva húngara, o sea, algo así como la crème de la crème de mejor rock que uno puede escuchar en este puto mundo. Un álbum raro en la discografía de los húngaros, donde su música no se clasifica fácilmente, con mucha crítica social, mucho eclecticismo, salidas musicales no esperadas (como ejemplo está el primer track), dando como resultado un rock sinfónico veces entrando en el mismo territorio que los alucionados Höyry-kone y otras veces más hacia el estilo King Crimson, y generando un disco que no tiene términos medios, al que vas a odiar o amar sin grises de por medio, pero que siempre tiene, como dice el Mago Alberto: "una instrumentación copada hasta por el orto". Con un ejército de músicos invitados, otra vez estos húngaros crean una de las más extraordinarias combinaciones entre instrumentos tradicionales de rock con los elementos propios de la música de cámara y la música clásica, y nos dieron este "Show" en el año 2003. Hoy lo volvemos a recordar, para no olvidarnos nunca de la buena música. Aquí, otro disco de After Crying en el blog cabezón, por lo tanto, esto es... ¡Muy recomendable!

Artista: After Crying
Álbum: Show
Año: 2003
Género: Rock sinfónico
Duración: 72:09
Nacionalidad: Hungría


Seis años luego de su anterior disco, After Crying lanza este álbum titulado "Show", con esa emocionante combinación de instrumentos de rock tradicional con instrumentos acústicos clásicos, y combinando elementos del rock progresivo y de la música clásica. Música pesada, dramática y llena de contrastes entre la pesada guitarra distorsionada y las partes acústicas y/o clásicas.

After Crying es una banda que como tantas otras tuvo su "antes" y su "después", provocado por la salida del grupo en este caso de Csaba Vedres, sin dudas una parte fundamental del núcleo creativo de la banda.
"SHOW" es un album pos-Csaba Vedres, pero con una característica muy particular, el primer track del disco parece producido por el mismísimo Bon Jovi, un tema totalmente fuera de contexto y concepto del singular estilo de After Crying, pero ¿quién no tiene un muerto en el placard?, lo que continúa después son 12 tracks plagados de una instrumentación compleja, oscura por momentos, como siempre lo supieron hacer estos muchachos húngaros.
Los arreglos de cuerdas y vientos continúan con ese sabor y esa tonalidad tan puntual, cristalina y poderosa, los arreglos de voces están tratados con una diversidad y mixtura como nunca lo habían hecho, y es quizás por esta característica y algunos sonidos de teclados muy poco producidos, es que a este álbum lo pueden odiar o amar con la misma intensidad, ha... y por supuesto no se dejen llevar por una precepción propia, a la música de After Crying hay que darle su tiempo, su momento, y este trabajo lo amerita.
Un disco que los seguidores de la banda y los curiosos audiófilos tienen que escuchar.
After Crying una banda recurrente acá en el blog, y a quienes el Vampiro (en sus pocos momentos de lucidez que tiene), le supo dar un espacio de privilegio.
Instrumentación copada hasta por el orto.
Mago Alberto

La discografía de After Crying está llena de verdaderas obras maestras que deberían estar en una colección de los mejores discos. Quizás este trabajo no llegue a los puntos máximos que ha alcanzado la banda, pero sigue siendo una experiencia musical alucinante.



Cientificidio: Llave de Defunción para el Conicet

El origen de la fuga de crerebros: desde el principio de la gestión Amarilla se ejecutan una serie de políticas tendientes a destruir el sistema científico y tecnológico público a través de distintas modalidades. "La Ciencia en Argentina, en general, está en jaque. Y las ciencias experimentales, en particular, están en jaque mate", disparó el biólogo argentino Federico Ariel en el recibimiento del Premio Estímulo que le entregó la Academia Nacional de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales.


Nuria Giniger y Rocco Carbone, dos investigadores del Conicet e integrantes de Liberación-Corriente de Universidad, Ciencia y Tecnología, calificaron de “cientificidio” los tres años de gobierno de la Alianza Cambiemos.
A manera de síntesis, señalaron cinco aspectos del cientificidio en 2018:
  1. La degradación del Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva (MinCyT) a Secretaría (SinCyT) -esta última sigla en realidad significa “Sin Ciencia y Tecnología”. Es el sinónimo más visible del cientificidio. Esta desjerarquización no implica solo un problema económico sino especialmente simbólico. Indica la distancia entre el discurso pro-ciencia de la Alianza Cambiemos y la acción de desguace del sistema de CyT.
  2. El desfinanciamiento de los Centros Científico-Tecnológicos (CCT) a través de la sub ejecución presupuestaria (se les otorgó solo el 40 % de lo estipulado) y el aumento inflacionario, particularmente de las tarifas. Lxs trabajadorxs de los CCT están aportando de sus propios salarios para pagar la boleta de luz de los institutos en los que trabajan. La “solución” que planteó el Conicet ha sido que se paguen los gastos con ventas de servicios a terceros.
  3. La falta de disponibilidad presupuestaria para reuniones científicas anunciada a fines de diciembre pasado implica que lxs trabajadorxs del sistema de CyT no podremos organizar congresos, jornadas, seminarios, conferencias financiadxs por Conicet. Esta decisión implica que no podremos planificar una parte esencial de nuestro trabajo y que estaremos aislados de los debates científicos que se articulan tanto en la región como en el mundo.
  4. El desfinanciamiento de subsidios a los proyectos de investigación: esto implica anular de hecho la posibilidad de seguir produciendo conocimiento. Lxs investigadorxs trabajamos en el seno de equipos de investigación que concursan por subsidios destinados a financiar lo que realizamos. Sin ese dinero no hay producción. Pero no solo no se giran los fondos de los subsidios ya asignados, sino que no se readecuaron a la devaluación. Estas decisiones políticas generan desigualdad, profundizan la meritocracia y el elitismo entre los equipos que consiguen financiamiento externo (de agencias extranjeras o países centrales) y los que no los consiguen. Los equipos que no consiguen financiamientos internacionales trabajan problemas ligados a temas de educación, salud, vivienda, desarrollo productivo y tecnológico, laboral y un largo etcétera. Problemas propios de nuestra región y nuestros pueblos, que no son de interés para las agencias internacionales.
  5. Lxs trabajadorxs del sistema científico tecnológico han obtenido un 25 % de aumento salarial anualizado frente a una inflación que se acerca al 50 %. Y en el caso específico de lxs administrativxs y lxs becarixs, no alcanzan la canasta básica. Esto se suma a la reducción de cupos en becas e ingresos. Se trata de decisiones políticas que impactan en un éxodo de trabajadorxs: “fuga de cerebros”, expulsadxs del sistema por reducción de cupos (becas e ingresos), aumento de la carga laboral, destrucción de equipos de investigación.


Serú Girán & Spinetta Jade - Serú Girán & Spinetta Jade (Bootleg - 1980)

Alguna vez tocaron juntos en un mismo escenario, alguna vez quisieron hacer un album en conjunto, pero no resulto... Desde el blog del santafecino Grunkel Abramov (alias el Payaso Barricada), así que no me hago cargo de lo que escribe, y simplemente lo copio por la importancia histórica para nuestro rock, a lo que también agrego un gran artículo de Roque Di Pietro sobre este memorable hecho publicado en Recorplay que les recomiendo porque no tiene desperdicio. Sobretodo teniendo en cuenta la tan habitual y estúpida dicotomía antagónica entre Spinetta - García, cual si fueran los "River y Boca" del rock nacional. Ambos músicos con sus respectivas bandas (nada menos que Spinetta Jade y Serú Giran) brindaron un show memorable en conjunto en el estadio Obras en los 80s. Lo que había entre ellos era admiración mutua y un profundo respeto. Ambos cantan temas del otro (Charly canta "Quiero verte bailar", y Luis "Cuando ya me empiece a quedar solo"), y terminan el concierto las dos bandas en el escenario, en un derroche de virtuosismo pocas veces visto.

Artista: Seru Giran & Spinetta Jade
Álbum: Seru Giran & Spinetta Jade (Bootleg)
Año: 1980
Género: Rock nacional
Nacionalidad: Argentina


En setiembre de1980 Spinetta Jade pisa por segunda vez el escenario del Estadio Obras para realizar un concierto junto a Serú Girán, considerado por la crítica como "el evento musical del año": por primera vez tocaban juntos Charly García y Luis Alberto Spinetta, dos próceres del Rock Argentino a quienes la imaginería popular los veía como rivales. Era un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario.
La función comenzó con Spinetta cantando su canción "Qué ves el cielo" de la época de Invisible. A mitad del tema se agregó Charly García, y luego hicieron juntos "Cuando ya me empiece a quedar solo" (de Sui Generis). Bajo un clima enfervorizado, se agregó el guitarrista David Lebón e interpretaron "Música del alma" y luego entraron el bajista Pedro Aznar y el baterista Oscar Moro, para dar inicio a la actuación de Serú Girán.
Luego fue el turno de Spinetta Jade, con el baterista Pomo, el bajista Beto Satragni, y los tecladistas Diego Rapoport y Juan del Barrio. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" (de García y Lebón), "Cristálida" (de Spinetta) y como bis "Despiértate nena" (de Spinetta) con el agregado del guitarrista Gustavo Bazterrica.

A continuación, el contenido del posteo en cuestión...
Toda casa santafesina decente que se precie de tal debe tener su propio Cejas. Ya tengo mi cuadro. Ahora voy por la casa.

El dibujo hace referencia a dos recitales de Seru Giran y Spinetta Jade. Fueron el 13 y 14 de setiembre de 1980... (por favor dejen de decír "shirán", en serio, quedan muy pelotudos/as, y ya que estamos intenten de no decir "Espineta", que es un poco más dificil que la anterior pero no imposible). Y acá vengo con esos audios.

Como pueden ver en la entrada estaba prohibido grabar el recital por lo que no permitía el ingreso con grabadores.

Sin embargo no había advertencias sobre mangarle al sonidista una copia, y tal vez así llega hasta hoy este histórico show.

Empieza García cantando una del Flaco, y sigue el Flaco cantando una de Charly. Solitos los dos. Después vienen las bandas, y en las últimas dos canciones tocan todos.

Uno de los dos días esto fue lo que pasó.

Quien quiera oir... que haga clic acá

Pero esto no termina acá, en el interior del post pueden disfrutar de la gran nota de Roque Di Pietro titulada "Serú Girán – Spinetta Jade: Dos potencias se saludan", se las recomiendo...



viernes, 8 de febrero de 2019

Kansas: el Retorno (King Crimson en su 50 Aniversario y Otras Novedades)


No solamente ya tenemos en este 2019 lo nuevo de Focus, sino que múltiples noticias de bandas veteranas se anuncian para los próximos meses (como la clásica banda de progresivo italiano Banco del Mutuo Soccorso, por ejemplo, que grabarán el primer material del grupo sin el histórico cantante Francesco Di Giacomo y sin el guitarrista Rodolfo Maltés, o King Crimson celebrando sus 50º aniversario y con una posible visita a la Argentina para este año en su próxima gira que los hará aterrizar en tres continentes). Y entre ellas se encuentra el regreso de Kansas al ruedo musical. Kansas han confirmado que tienen previsto un nuevo álbum para 2020, y entrará en el estudio en agosto para comenzar a trabajar en su nueva producción discográfica.



La formación incluye dos miembros originales, el guitarrista Richard Williams y el baterista Phil Ehart. se les suman el violinista/guitarrista David Ragsdale, el bajista Billy Greer, el guitarrista Zak Rizvi y la última incorporación de la banda, el teclista Tom Brislin (Camel, Renaissance, Yes, Spiraling, The Sea Within, Styx, etc.). Tom también formó Gold Rotation, un colectivo de diversos músicos y compositores que se estrenó con una actuación en el Festival Progstock en 2018.Sobre este último, recuerdo mis propias palabras al hablar de él en nuestra presentación del disco de The Sea Within:
(...) el estadounidense Tom Brislin, un músico que me dejó sorprendido al verlo en las presentaciones de Yes haciéndose cargo, de manera por demás eficiente, de la parte que le toca a Wakeman y Moraz. raro me parecía que semejante músico no apareciera más seguido por estos lugares, bueno, aquí lo tenemos... el tipo es vocalista, compositor y productor, y ha trabajado para grandes de la música internacional como Yes (en vivo y en el disco 'Magnification' como teclista de apoyo), Camel (para giras, apareciendo en los créditos del DVD en directo "Footage II"), Renaissance y muchos otros proyectos. Stolt le conoce del dueto que hizo con Jon Anderson: Anderson/Stolt que el Mago Alberto presentó en el blog cabezón, donde fue uno de los teclistas en el disco 'Invention of Knowledge'.
Tom también formó Gold Rotation, un colectivo de diversos músicos y compositores que se estrenó con una actuación en el Festival Progstock en 2018. Tom Brislin sería así el miembro más nuevo de la banda, reemplazando al tecladista David Manion.
"Estamos muy emocionados de que Tom Brislin sea el miembro más nuevo de Kansas. Sus antecedentes hablan por sí mismos, y estamos ansiosos por trabajar con él. No vemos la hora de comenzar, y pensamos que los fanáticos de Kansas realmente disfrutarán lo que Tom aporta a la banda".
Phil Ehart - Miembro y baterista original de Kansas

"Es un honor que me pidan que te unas a una banda tan legendaria como Kansas. Su música ha estado en la banda sonora de muchas de nuestras vidas, y su repertorio tiene una profundidad, belleza y poder duraderos. Estoy encantado de interpretar los clásicos y estoy igualmente emocionado de ser parte de la nueva música que crea Kansas".
Tom Brislin

Las primeras presentaciones de Brislin con la banda americana se realizarán a bordo del crucero Rock Legends Cruise en febrero, seguido del 1 de marzo en Baltimore, MD, en el Modell Lyric, donde la banda reanudará la gira de aniversario de "Point of Know Return". Pueden encontrar una lista de las fechas anunciadas de las giras Kansas 2019 en KansasBand.com.



Sume: Rock y Revolución Desde Groenlandia


La creación artística, y particularmente la música, en un gran número de casos nace y fluye de manera espontánea. No obstante, también es posible reconocer que esta condición no necesariamente es una verdad absoluta, ya que la creación musical no siempre obedece a la sola magia del azar, sino que también existen condiciones que 'moldean' la inspiración, tal como sucede con un cauce de río, en donde sus particularidades, imperfecciones y características propias, definen la forma y tiempo en que transitan sus aguas. Aquí, presentamos el documental "Sume - The Sound of Revolution" sobre el grupo de rock de Groenlandia que incentivó para que su país tuviera mayor autonomía de Dinamarca, y de paso, damos la introducción como para presentar sus discos. Aquí, una historia que puede resultar anacrónica y lejana, pero vista desde una perspectiva cultural, no está demasiado lejos de nuestra realidad cotidiana, donde se libra esa batalla cultural donde vamos perdiendo por goleada, pero donde nedie tiene el futuro comprado por más poder y dominación que tenga. Y también es bueno ver, una vez más, que el arte puede inspirar cambios.

Artista: Sume
Año: 1973 - 1977
Género: Rock
Nacionalidad: Groenlandia


Si hablamos de rock, esta definición no significa un despropósito, muy por el contrario, la evocación es parte inherente del proceso y no por ello se le debe asignar una condición maligna.
En las llamadas 'propuestas', resulta ineludible reconocer la presencia de ciertos conceptos que van conformando un crisol sonoro, en donde elementos propios como el entorno lo nutren y enriquecen desde su más profunda esencia. Algunos lo llaman influjo, otros simplemente inspiración, sin embargo, y más allá de la denominación correcta -que a todas luces puede ser subjetiva-, estos aderezos pueden alcanzar un rol importante en el proceso creativo, los cuales van imprimiendo expresiones y matices que terminan siendo condimentos relevantes para la construcción de musical.
En algunos lugares más que en otros, las circunstancias históricas, la política y los rasgos geográficos son elementos que marcan profundamente la definición musical de las bandas. Tal es el caso de Sume, sin duda el grupo de rock más importante de Groenlandia.
Si nos ceñimos a la tesis de los componentes externos que influyen en la música, el caso de Sume es un buen ejemplo de la importancia que genera esta circunstancia en las expresiones artísticas, dada las particulares condiciones que se emergen de lugares como Groenlandia.

¿Por qué la lengua en la música es tan importante para ustedes en términos culturales? En España, la dictadura franquista prohibió la enseñanza de las lenguas asociadas a minorías (catalán, vasco y gallego), en América sucede lo mismo con las lenguas de los pueblos originarios, pero aún ellos sobreviven en su cultura y su música. En Argentina, Los Gatos fueron precursores del rock de autor en idioma español, componiendo íntegramente su propio material. En Groenlandia, Sumé fue la primera banda de rock que cantó sus canciones en Groenlandés.


Rock y resistencia



Para entender este fenómeno hay que recurrir necesariamente a la historia. Tras la Segunda Guerra Mundial, Dinamarca asumió nuevamente la administración de esta alejada isla, por lo que el país adquirió la condición de un territorio políticamente más abierto que antes del conflicto. Así Groenlandia, en 1953, dejó de ser una colonia y ganó un estatus político similar a la figura de un 'condado' danés.
En las décadas siguientes, hubo una expansión considerable de la infraestructura en la isla. Todo parecía caminar a la perfección, no obstante, el aquel fulgor fue decreciendo desde el punto de vista territorial y de su desarrollo, e incluso algunos asentamientos importantes, como la ciudad minera de Qullissat, tuvieron que cerrarse, generando un verdadero caldo de cultivo para el descontento social, elemento claramente político que se transformaría en el nuevo hilo conductor de la música local, esta vez, asociado al pueblo y a la dolorosa memoria colectiva de un evidente declive.

Los coletazos de esta nueva realidad no se hicieron esperar y, de pronto, los groenlandeses se vieron forzados a una vuelta de tuerca radical: adaptarse o sucumbir. Fue así como los antiguos habitantes de estos lugares iniciaron un proceso de redistribución de población a través de los pueblos y asentamientos restantes, donde el costo de vida era evidentemente menor, lo cual permitía ofrecer a las familias una vivienda moderna y acceso a servicios como hospitales, escuelas y comunicaciones, situación que además se adecuaba a la tendencia de construir menos ciudades, bajo la lógica de concentración de gente para nutrir la industria pesquera. Y desde el punto de vista de la educación y oportunidades, no fue muy diferente, cientos de jóvenes eran, en cierto modo, obligados a dejar su tierra para continuar sus procesos formativos en Dinamarca, lo cual acentuó esta tendencia a desvirtuar el arraigo defendido con tanta vehemencia por los lugareños.

En definitiva, las acciones estaban orientadas a asimilar el modelo danés, pero en la práctica no era así, ya que las leyes mantuvieron los salarios desiguales a los de Europa, y la lengua danesa fue promovida sobre el Kalaallisut nativo, por lo que la implementación de estos elementos, considerados exógenos, encendieron aún más la posición de rechazo por parte de la comunidad local, quienes al considerarse ciudadanos de segunda clase, comenzaron el "camino groenlandés", exigiendo la reivindicación de la cultura inuit, su lengua e idiosincrasia.

Esta lucha que logró popularizarse, contó con gran apoyo de una banda de rock: en 1973, el grupo Sume rompió barreras al tener éxito componiendo canciones en groenlandés por primera vez, en una época en que hasta las escuelas locales relegaban el idioma a un segundo plano. Más que una mera banalidad, la elección de la lengua formaba parte de una posición de confrontación a la colonización dinamarquesa que se reflejaba principalmente en las letras de las canciones, llenas de críticas directas e indirectas a la opresión sobre la colonia. En este ambiente de descontento social es que nació Sume (cuyo significado en lengua nativa es 'Dónde'), en 1973, con su canto de protesta, quienes rápidamente se identificaron e hicieron propio el sonido de esta revolución político cultural, lo cual quedó plasmado en su disco debut "Sumut". Su música es una especie de rock clásico de los 70 con elementos tradicionales y cantado en su lengua natal. Su música estuvo presente en las radios escandinavas y lograron así amplificar su protesta.
En ese entonces, las personas en Groenlandia cantaban en inglés y danés, y algunas veces parecía que ni siquiera entendían el significado de esas canciones. El mero hecho de que la banda Sume cantara en su idioma natal fue una revelación para muchos. Incluso, por la radio un locutor dijo que estaba tan acostumbrado a escuchar canciones populares en otros idiomas que, para él, las canciones de Sumé parecían extranjeras.

Todas las decisiones sobre Groenlandia se tomaban en suelo danés. En realidad, con el consentimiento de la propia población local, los groenlandeses se estaban convirtiendo en daneses. Todo fue hecho siguiendo el modelo de pensamiento de Dinamarca, y el resultado de ello estaba siendo la pérdida de cultura y la confusión de las personas en relación a sus propias identidades.

"Con el consentimiento de la propia población local, los groenlandeses estaban transformándose en dinamarqueses", comenta Inuk Silis Høegh, director del documental "Sumé – The Sound of Revolution" que cuenta la trayectoria de los roqueros que estaban en la facultad en Dinamarca y que decidieron arraigarse en su pasado y su esencia, siempre mirando al futuro, y que permitió importantes cambios sociales.

Gracias a la lucha de este movimiento nacionalista iniciado en los años setenta, en 2008, un referendum popular garantizó mayor autonomia a Groenlandia, territorio colonizado por Dinamarca. Considerada como el último paso rumbo a la independencia formal, la consulta popular no hubieria sido posible.

Escuchando a las personas cercanas, integrantes y fans de la banda, el documental retrata la trayectoria de Sume y aponta la rebeldia de la banda como fundamental para difundir entre la población el discurso autonomista que resultaria, ya en 1979, en la creación de un gobierno local — actualmente Dinamarca es responsable sólo por la conducción de las políticas externa y de defensa de Groenlandia.
La película fue un éxito en el país. Además de ser siempre bueno conocer su historia, creo que los problemas más profundos que plantea Sume y que la película toca están muy presentes hoy en día. Al fin de cuentas, la historia de Groenlandia tiene muchas similitudes con lationamérica por nuestro pasado colonial, y hoy en día muchas culturas en América del Sur también están luchando por la supervivencia. La historia de Sume es universal por tratar de la importancia de mantener la propia identidad en un mundo que está alentando cada vez más la uniformidad. Parece que vivimos en un tiempo en que la población mundial está persiguiendo la singularidad, en la que todos se sienten culturalmente invadidos. Y hará falta crear muchos Sume para lograr algún cambio profundo.



jueves, 7 de febrero de 2019

Indio Solari: "el Rock se Transformó en la Música Oficial del Sistema"

Una entrevista al Indio Solari siempre es un material que despierta deseos de lectura, así que la compartimos. Fue publicada originalmente en Revista Orsai, y realizada por Pablo Perantuono. Habla de la psicodelida, del modernismo y la modernidad, del rock, la tecnología, Internet, el poder, la resistencia, la cultura, el arte, el artista, el vacío de contenidos, las drogas, el amor, las fake news y mil de otras cosas. Según dice en ella el Indio será la última entrevista que dé a un medio gráfico. Veremos.


A veces el mundo presenta una pelotudez que se adecúa a lo que estás diciendo, y uno se transforma en algo más que un songwriter. Sin darte cuenta el monstruo se va pareciendo a vos.

Rescatamos algunos conceptos, recomendando su lectura completa:

  • No tengo que rendir examen ante ningún dogma.
  • El rock se transformó en la música oficial del sistema, una música que está de moda y que ya deja de estarlo.
  • Cuando digo que no voy a hablar más (se refiere a que este será su último reportaje) porque ya no tengo nada más que decir, también es porque creo que la interpretación de los hechos para provocar impacto en la sociedad está en manos de líneas editoriales sobre las cuales no tengo dominio.
  • La vez pasada me censuraron porque dije que no creía en el artista militante; que de alguna manera el motor político que tiene el artista es el estilo, y el estilo nunca es neutral. Uno puede decidir sobre su estilo de vida y de qué forma eso influye en su obra, por decirlo de alguna manera.
  • No creo que la música cambie el mundo, pero a mí me cambió la cabeza y soy partidario de que cuando la cabeza te cambia el mundo también.
  • Yo sigo escuchando, leyendo, más allá de que en general la cultura tiende a repetirse. Aunque es cierto que ahora los chicos tocan mejor que antes. (...) Pero si bien hoy los chicos tocan con mayor prolijidad, no crean estilo.
  • No hay una cultura que sostenga la música de moda, y lo mismo pasa con la experiencia con las drogas, que ahora se consumen recreativamente.
  • Hay una jauría despreocupada con razonamiento de colmena que no me gusta, pero sí me gusta la tecnología, me parece fascinante. Internet es otro Gran Hermano cada vez más potente.
  • Hay personalidades que están avasalladas por la cultura y todo lo que emprenden se transforma en negocio. Pobrecitos. Pobres desgraciados. Eso está pasando.
  • En función de oposición al poder establecido yo siempre soy de izquierda. Lo que pasa es que ya no puedo definir qué es la izquierda. Reconozco la importancia de Marx en el tiempo, pero vivió y escribió en la época de la máquina de vapor. No existía la psicología, la psicodelia, las nuevas tecnologías…
  • El artista es permeable al drama. El artista, mientras mira el noticiero, está lagrimeando. La gente lo mira comiendo fideos.


Tarifazos, Símbolo de una Política Económica Despiadada

El tarifazo aplicado como política sistemática de transferencia de recursos desde los sectores populares a las grandes empresas energéticas, refleja cual es el eje de la política económica implementada por Corporación Cambiemos desde Diciembre de 2015. Para este año hay previsto un aumento del 55% en electricidad (26 por ciento a partir de febrero; 14% en marzo; 4% en mayo, otro 4% en agosto) y un 35% en gas en abril, justo antes de empezar las bajas temperaturas. A tres años del cambio de gestión, un informe de la Universidad de Avellaneda, revela que los argentinos destinamos dos sueldos al año en el pago de las tarifas de servicios públicos. Si lo vemos en porcentajes en diciembre del 2015, una familia destinaba el 6% de sus ingresos en pago de estas tarifas. Hoy ese porcentaje llega al 28%. Durante el macrismo, la tarifa de la luz subió 3624%, el gas natural aumentó 2400% y el agua corriente 1025%. Los ingresos de los trabajadores de cualquier sector cerraron con una paritaria promedio del 25% anual. Es decir que mientras los ingresos de las familias crecieron en un 80% en tres años, la boleta de luz se multiplicó en 30 veces, la de gas en 24 y el agua en 10. Además se redujo drásticamente la tarifa social para hogares de bajos recursos y se eliminaron subsidios por 37 mil millones de pesos. Las consecuencias del tarifazo son pavorosas. No sólo se ve afectado el usuario residencial, sino también los sectores productivos. Se calcula que como efecto directo cierran en el país 10 Pymes por dia y hay un fenómeno directo de desindustrialización de la economía.


Bajo la argucia de que se estaban pagando tarifas muy bajas de luz y gas y que de esta manera las empresas no podían realizar inversiones para mejorar la calidad del servicio, el gobierno del Felino Macri instaló en el Ministerio de Energía a Juan José Aranguren, CEO de la empresa Shell, quien durante los dos primeros años fue el encargado de realizar el trabajo sucio. La política energética tuvo un solo destino: engrosar las arcas de las distribuidoras y las prestatarias a costa del sacrificio de los usuarios, instalando como sentido común que la energía es una mercancía y no un servicio público esencial.
Tal es así que como consecuencia de la devaluación del peso las distribuidoras generaron una deuda de 19.000 millones de pesos sobre las prestatarias que el gobierno unilateralmente decidió condonarles y trasladársela a los usuarios en doce cuotas. Otra de las grandes contradicciones es que mientras dicen promover el ahorro de energía eliminaron los beneficios por menor consumo a los usuarios: el que consume menos ahora paga más por kilowatt.

Se trata de Servicios Públicos esenciales y por lo tanto el Estado debería velar para que sus incrementos no estén por encima de los aumentos de los ingresos de los ciudadanos para asegurar el cumplimiento de este derecho. Claramente nada de esto ocurrió e importó a la hora de implementar por decreto los tarifazos. Por otra parte los aumentos de tarifas no fueron destinados por las empresas a la realización de obras e inversiones sino a aumentar sus ganancias como lo reflejan el crecimiento de sus acciones en los mercados. Una vez mas el estado ausente a través de los organismos de control. Ejemplo de esto son los cientos de miles de hogares que en estos días han sufrido cortes de suministro en Capital Federal y Gran Buenos Aires, superando ampliamente a los ocurridos en el verano de 2013 cuando las tarifas supuestamente eran baratas. Tampoco se puede esgrimir un mayor consumo ya que desde entonces la demanda de suministro en Edenor y Edesur cayó en un 20%.

Los vecinos indignados ya comprendieron que el tarifazo es la mayor estafa del gobierno y las empresas sobre la población y que solo con el reclamo sostenido y la organización en red podremos pararlo.




miércoles, 6 de febrero de 2019

Las Heladas en EEUU y el Cambio Climático: Barbarie Capitalista




El medio-oeste de Estados Unidos fue azotado por una ola de frio polar, la más fuerte de los últimos 30 años, como consecuencia del cambio climático y el calentamiento global.  Con temperaturas que descendieron a 50° C bajo cero, esta oleada registró más de 20 muertos por accidentes y exposición a las bajas temperaturas. En el país del negacionista del cambio climático Donald Trump se produjo un fenómeno conocido como vórtice polar.

Este fenómeno hace referencia a los cambios en los vientos circulares cercanos a los polos, producto del calentamiento de la atmósfera.  En los últimos años se ha registrado con mayor frecuencia esta fuga de masas de aire polares hacia el sur del continente, afectando a gran parte de la zona continental.
Estas tormentas de frio polar son consecuencia del cambio climático. Para entender mejor por qué, el portal Earth Talk, pone un ejemplo: “en 2006, por las altas temperaturas, el Lago Erie no se congeló por primera vez en toda su historia. Esto hizo que aumentasen las nieves en la región y bajasen las temperaturas porque el agua del lago por primera vez se evaporaba en invierno y aumentó la cantidad de agua en las nubes disponible para soltar precipitaciones. Ahora, como cada año las temperaturas son más altas, todo el hielo de Groenlandia y los polos se está evaporando rápidamente. Así pues, como causa-consecuencia, se generan algunos inviernos mucho más duros en diversas regiones”.
Cinco Estado fueron declarados en situación de emergencia climática como Michigan y Wisconsin. Es que, como menciona el meteorólogo Chris Miller del Servicio Nacional Meteorológico, estas temperaturas pueden congelar a una persona en diez minutos. Estamos hablando de temperaturas menores a las de la Antártida. Y así fue como la ola de frio polar se llevó a más de 20 muertos, entre ellos a una estudiante universitaria de 18 años que fue encontrada en el campus de la universidad de Iowa. Los principales aeropuertos suspendieron 1600 vuelos, cifra que se fue acrecentando a medida que avanzaba el fenómeno y las instituciones públicas y privadas cerraban sus puertas, principalmente en los días más inhóspitos. Una escena caótica que parecía sacada de una película de Hollywood.

Ya pasaron más de tres años desde que se realizó la última conferencia de las Naciones Unidas por el cambio climático, una puesta en escena por parte de los principales líderes mundiales- EEUU, China y la unión Europea- para crear la falsa ilusión de que iban a “solucionar progresivamente los mecanismos contaminantes y autodestructivos que avanzan desde la revolución industrial”.


Es evidente que nada ha cambiado desde aquel “majestuoso” evento y el cambio climático continúa avanzando, corriendo el riego la perduración de la humanidad y la vida misma como la conocemos.
Con el ascenso de Donald Trump y los gobiernos derechistas, como Bolsonaro en Brasil, el problema se complejiza aún más. Pues en las potencias que tienen en sus manos hacer algo respecto a este escenario potencialmente catastrófico campean en el poder personajes que defienden la voracidad capitalista sin filtros, sin siquiera disimular débiles paliativos como las dispuestas por las conferencias de la ONU. El negacionismo criminal de Trump y la falta de responsabilidad de los gobiernos le da vía libre a las empresas para continuar avanzando con la depredación del medio. Así, los defensores del capitalismo nos están condenando a un futuro incierto y potencialmente catastrófico, solo para el beneficio de unos pocos.
En Brasil, Jair Bolsonaro desmanteló el Ministerio de Medio Ambiente para absorberlo en el de Agro industria, en el que están representados en el poder del Estado los negocios de la tierra, que pueden así depredar el Amazonas, el principal pulmón del mundo, sin límite alguno.
Ximena Meza Arroyo



Cómo Asesinar a Felipes: Entre el Jazz y el Hip-Hop

Hace tiempo ya nuestro amigo Neck los presentó en sociedad en el blog cabezón, navegando entre la experimentación más ecléctica de la mixtura entre el rap, el jazz, el punk y el rock psicodélico, uniendo en una misma plataforma la rima (desplegando su poesía rítmica existencial y humanista) y el swing, y la tornamesa y el tono jazzístico. "Rap experimental" o "rap fusión" son términos que los propios músicos incorporaron a su imaginario inmediatamente después de su debut discográfico a mediados de 2008, el álbum homónimo que los lanzara como toda una novedad en la escena musical latinoamericana. Aquí, un grupo chileno que se las trae y que viene dando que hablar por su actitud, su intención y su música.

"Tres estudiantes de la Escuela Moderna, más interesados en la música intuitiva que en la académica, iniciaron el proyecto. En 2007 el pianista Marcos Meza (alumno del pianista de jazz Mario Feito y de sesión Pablo Bruna), el bajista Sebastián Muñoz (del bajista eléctrico Miguel Pérez) y Felipe Salas (del baterista y percusionista clásico Juan Coderch) elaboraron su propio conocimiento teórico sobre la música y la aplicaron a la lógica del loop. Después de escuchar el disco Homónimo (2004) del colectivo hip-hop FDA, Salas acudió a un concierto de Koala Contreras (uno de sus maestros de ceremonia) y le pidió integrarse al grupo. Luego se unió DJ Spacio (colaborador de Solo di Medina y Anita Tijoux) y la banda quedó configurada en dos frentes: piano, bajo (de sonido tipo contrabajo) y batería, además de MC y DJ.
Apenas una temporada después de la publicación del explosivo debut con Cómo Asesinar a Felipes (2008), el mismo sello Potoco Discos editó el álbum Un disparo al centro (2009), donde el grupo mantuvo la formación de quinteto e incluyó ensambles de cámara con instrumentos de la Orquesta Sinfónica Juvenil como flauta traversa, clarinete, fagot, trombón o tuba. Para el año siguiente, con Colores y cadáveres, Cómo Asesinar a Felipes impulsó un proyecto de colaboraciones, observando tres ámbitos predominantes en sus influencias músicales: el rap (con la participación de Epicentro de Calambre), el jazz (con el guitarrista Raimundo Santander) y el punk rock (con el emblemático Álvaro España, de Fiskales Ad-Hok).
Su álbum Comenzará de nuevo (2012) marcó entonces el inicio del trabajo con el sello a Koolarrow Records, de Bill Gould (productor de Faith No More), y al mismo tiempo una nueva experimentación musical con el uso de timbres del sintetizador Roland RS 202 y el piano eléctrico Fender Rhodes. La música del quinteto se hizo más densa y atmosférica."
Música Popular Chilena



La mezcla de hip-hop con otros estilos musicales fue algo natural a lo largo de su historia. Y no podría ser de otro modo, el género mismo es ya una fusión de influencias de la música electrónica y la música negra de EE.UU. Algunos ejemplos destacables son, por ejemplo, las asociaciones de Run DMC con Aerosmith y Public Enemy con Anthrax a finales de los 80. Enseñaron nuevas posibilidades a los que quisieron cruzar las fronteras artificiales entre el rock y el hip-hop.

Los años 90 exploraron esta mezcla con eficacia y creatividad, con grupos como Rage Against the Machine, Urban Dance Squad y el proyecto en paralelo del rapero Ice T, la banda Body Count. Todavía en este periodo, los Beastie Boys ampliaron el repertorio de novedades al juntar hip-hop, jazz, funk y rock de modo orgánico y fluido a partir de su clásico álbum Check Your Head. Desde Inglaterra, los colectivos y bandas del llamado Trip-Hop también usaron el hip-hop como el denominador común de su estética híbrida.




Dogma - Na Ne (ՆԱ ՆԵ) (2016)

Tenemos los primeros resultados de nuestros pedidos de discos inconseguibles (al menos inconseguibles para mí), y en este caso es Nicko Rz quien nos facilita el material de esta banda armenia que causó sensación cuando la presenté, muchos sonidos rockeros mezclados con progresivo, folk y metal, lidearada por una señorita de hermosísima voz con mucha carga emotiva cantada en armenio, una base enorme con un bajista espectacular, guitarras de agresivos riffs y paisajes psicodélicos, todo enmarcado en vibraciones folcklóricas armenias, que le ha valido el reconocimeinto de personajes como Ian Anderson, que ha dicho: "La mejor banda musical de este lado de marte. Bajista increíble. Voces brillantes. Guitarra abrasadora. Batería atronadora. Esta banda que presenta instrumentos que son como armas de destrucción masiva... Oh, y además son tan jóvenes!."... . Y aquí no se terminarán los resultados de nuestros pedidos, todos serán presentados como corresponden en el blog cabezón. Y sobretodo ¡gracias Nicko!


Artista: Dogma
Álbum: Na Ne
Año: 2016
Género: Heavy folk prog
Duración: 43:03
Nacionalidad: Armenia


En 2010, la cantante de la banda armenia Dogma, Zara Gevorgyan, fue invitada por Ian Anderson (por las dudas aclaro, de la legendaria banda inglesa Jethro Tull) como artista invitada para su show en Ereván. Durante este concierto, Zara actuó junto con Ian, presentando dos canciones de Jethro Tull ("Locomotive Breath" y "Mother Goose") y dos canciones de Dogma ("Renaissance"; "Awakening"). A partir de allí, han sido invitados a numerosos festivales y conciertos en varias partes del mundo.
Esto es lo que comenta nuestro amigo César (que lo esperamos en el staff, dicho sea de paso) cuando escuchó este disco:

Hipnótica. Magistralmente hipnótica. Es lo primero que se me viene a la cabeza y corazón. Y creo que esa definición le viene bien a la peligrosa fórmula que plantean estos estupendos músicos: básicamente, repetir un riff inicial de compases simples (4/4-3/4) indefinidamente y que la voz (bellísima) se encargue de la línea melódica Será que mi devoción por King Krimson hizo que me enganchara al toque con esta banda; encuentro similitud en los temas "encontrables" de este grupo con los caprichos de Fripp, lo que no lo descalifica en absoluto, al contrario. La introducción sin resolución que proponen los temas de este grupo, es un extraordinario recurso muy difícil de imponer, y que esta banda resuelve con maestría y convicción. No los conocía ni tenía ninguna referencia sobre esta agrupación, lo que me produjo una muy agradable sorpresa.
Gracias, Mooger: el material es exquisito.
César Rebattini - Afinador de Pianos

El video que les dejo no corresponde a este disco, pero sirve para comprobar la calidad de la banda, temas de este disco los podrán escuchar en el resto de videos que acompañan en este posteo.



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Aclaración...

Este espacio se reserva el derecho de publicar sobre cualquier tema que parezca interesante a su staff, no solamente referidos a la cuestión musical sino también a lo político y social.
Si no estás de acuerdo con lo expresado podrás dejar tu comentario siempre que no sea ofensivo, discriminador o violento...

Y no te confundas, no nos interesa la piratería, lo nuestro es simplemente desobediencia civil y resistencia cultural a favor del libre acceso al conocimiento (nuestra música es, entre otras tantas cosas, conocimiento).

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